Marianna Cimini ha scelto nuovamente le passerella di AltaRoma per presentare la sua spring/summer 19.

La collezione, che mantiene lo stile fuido  e dinamico che caratterizza il brand, incontra Holi, la tradizione induista di sporcarsi con più colori possibili per celebrare l’arrivo della primavera che è simbolo di rinascita e di novità positive ed ecco quindi che la palette cromatica spazia dal nude al total black e total white, con picchi di luce su tonalità brillanti di lime, corallo, arancione, turchese e ciclamino.

Le stampe, realizzate ad hoc per la collezione, vedono protagoniste motivi all-over con maxi fiori stilizzati, sempre d’ispirazione Holi, righe ed elementi grafici.
Il tutto su preziose organze,  sete colorate, cotone seersucker con ricami 3D, rasi lucidi di viscosa fluida stampati, georgette impalpabili, denim.

In coerenza con il DNA del brand, i capi sono over e scivolati, con forti influenze dello stile anni ’90: linee dritte e pantaloni che rimandano ai Seventies si associano a jumpsuit e gonne a matita, a blazer smanicati e ad abiti coulisse con rouge.

Sarà stata la benedizione di Holi o forse il grande lavoro che ha saputo fare in questi anni la designer, ma vedere questa collezione sfilare è stato un vero piacere.
Ogni pezzo comunicava la maturità professionale che la Cimini ha raggiunto e sottolineava che la sua cifra stilistica è creare dei pezzi per una donna che non ama fronzoli o inutili stravaganze, ma capi basic ricchi però di qualità, confortevoli e chiaramente figli della tradizione italiana, quella del vestir bene e di un preciso know-how di moda.

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Per una generazione in cerca della sua identità culturale i simboli sono importanti.
Ne è ben consapevole Marianna Rosati che per la collezione s/s 2017 della sua linea DROMe trasforma tagli, nodi e pieghe in simboli di comunicazione stilistica, strumenti al servizio di un romanticismo dark, da sempre  caratteristico del brand, con cui raccontare le contraddizioni femminili, descrivendo le diverse dimensioni delle donne di oggi il cui stile è sempre in bilico tra un viaggio introspettivo, davidlynchiano, e un lato più giocoso, nell’appeal e nell’immagine.

Il fil rouge della collezione s/s 2017 è la decostruzione, partendo da pelli leggerissime per farle diventare fluide come seta, formando sottili nodi, asimmetrie, arricciandole in un patch, creando movimenti inaspettati.
Tra sartorialità e tecnologia, ruoli tradizionali e sfumature di genere, la silhouette è un’interpretazione della linea maschile, ma acquista una dimensione romantica, urbana e rilassata.
Spalle importanti ed architettoniche sono in opposizione alla leggerezza e alla fluidità dei drappeggi, degli spacchi, delle aperture laterali delle maniche.
E anche qui ritorna il rimando alle molteplici sfumature dell’animo femminile, dove possono coesistere apparenti contraddizioni.

Non a caso la collezione sfila in un palazzo dove sembra che il tempo si sia fermato, in un’atmosfera timeless, un appartamento di classico stile barocco francese in pieno contrasto con la linearità e contemporaneità delle proposte, dove traspare una creatività mai eccessiva, che nasce dall’elaborazione del dettaglio, dalla manipolazione di un tessuto. 

Texture metalliche assumono forme diverse per donare ogni volta inediti giochi di luci.
Nuove proporzioni per top fitted e arricciati abbinati però ad ampi pantaloni. Bluse con colli asimmetrici si alternano a mini-dress con aperture sulle spalle e fasciano le braccia con maniche-rouches.
Rouches che disegnano i profili della silhouette, si rincorrono anche nei bustier, fanno capolino su gonne in morbida nappa, regalano ai capi in pelle un tocco gentile, grazioso senza essere sdolcinato, una femminilità che non è mai troppo leziosa.

Giacche tailoring dalle spalle appuntite, quasi degli origami, come le gonne a pannello chiuse da nodi. Sempre strette da cinture, sottili obi. 

 La pelle effetto carta lucida cangiante viene stropicciata e trasformata in maxi pantaloni, camicie e spolverini, accende di luce la collezione.
La maglieria è decorata con tagli chirurgici che rivelano un lato contemporaneo attraverso la riscoperta di una sottile sensualità.
Piccole pennellate colorate e in oro lucido si materializzano su abiti fluttuanti e top dalle spalle scoperte, a spezzare un apparente rigore sartoriale. 

Il tacco scultura delle calzature dal plateau aerodinamico e gli occhiali in acetato e intagli in pelle sottolineano, così come i tagli geometrici di alcuni capi, la voglia di guardare al futuro, una spiccata attitudine al nuovo, che rende le proposte della collezione DROMe ulteriormente affascinanti.

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L’approccio stilistico di Scotch & Soda è da sempre un miscela di curiosità, irriverenza e ottimismo, questa formula ben riuscita ha permesso al marchio nato ad Amsterdam di conquistare il mondo, non a caso sul loro sito colpisce una frase che ben rappresenta lo spirito cosmopolita curioso e attento al mondo, ma che ama coltivare anche le proprie radici: “Ci lasciamo ispirare dal mondo e curare da Amsterdam”!

Il marchio, che sfila da due stagioni a New York, ha appena lanciato la sua prima campagna globale e ogni immagine dell’adv è stata pensata per trasmettere il mix poetico e vincente alla base del lavoro creativo del marchio.

Curiosità nei confronti del mondo, apertura e ottimismo, irriverenza, che permette di vedere le cose sempre da un punto di vista nuovo e fresco, giovane e accattivante.
E i designers del brand si muovono in tutto il mondo sempre alla ricerca di quadri, poemi, pezzi unici, vintage come fossero dei veri e propri esploratori collezionisti.
Tutte le esperienze e gli oggetti in cui si imbattono durante i loro viaggi/ricerca sono le micce che innescano il processo creativo.

Con le stesse basi è nata “From Amsterdam, From Everywhere”, che rispecchia il modo in cui il brand crea le sue collezioni.
Questa campagna è la prima di una serie di iniziative internazionali destinate a far conoscere e amare sempre di più il marchio.
Le fotografie  sono di Emma Summerton, lo styling è di Ondine Azoulay, mentre protagonisti sono la modella e star di Amsterdam Imaan Hammam e Naleye Junior.
I due modelli sono stati invitati a far parte della famiglia Scotch & Soda proprio perché olandesi, ma con radici cosmopolite, a ben rappresentare quindi lo spirito insito nel marchio, la sua filosofia.
Altri quattro modelli, il canadese Ryan Keating, Ryad Slimani dalla Francia, la belga Ellen de Weer  e la danese Laura Julie completano il cast.

E ci piace questo gruppo internazionale, questi giovani cool, così vicini, seppur provenienti da nazionalità diverse, il messaggio di unione è molto importante, ancora di più in un momento come questo.
Scotch & Soda ci invita ad essere protagonisti del nostro tempo con curiosità e apertura.

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Quando ho letto nel calendario di AltaRoma “Breakfast in atelier” ho subito pensato: “Questa è una cosa che a Stefano Guerrini e a webelieveinstyle piacerebbe molto”, ovviamente non certo per la colazione, ma per la ricerca che si fa quando si ha la possibilità di andare nel cuore del processo creativo a contatto diretto con chi pensa e realizza i capi o gli accessori di cui poi ci invaghiremo.
Quindi non ho saputo resistere o ho preso parte all’evento per poi potervelo raccontare.

Alla base dell’incontro era la presentazione di “Centerfold: il saper fare messo a nudo” con cui Monteneri, piattaforma ispirata al savoir-faire applicato alla moda e al design, che fonde il saper fare manuale della pelletteria con le nuove tecnologie industriali nata a Valentano, sulle sponde del lago di Bolsena, dall’esperienza ultratrentennale di DiMar Group – eccellenza del Made in Italy – che riunisce 600 artigiani pellettieri produttori dei più grandi marchi internazionali del lusso,  ha voluto svelare e valorizzare la maestria e le competenze tecniche dei suoi artigiani: un hub dove si favorisce la sperimentazione e si valorizza l’alta manifattura.

Il Centerfold è il poster che si trova nelle pagine centrali di una rivista, e per Monteneri centrali sono le figure professionali che hanno reso DiMar Group una delle realtà imprenditoriali più avanzate del Made in Italy.

Oltre a farci scoprire le mani che hanno realizzato la seconda collezione di borse e accessori hanno presentato anche la Marquise Bag, ispirata alle sfaccettature di una pietra preziosa e lavorata secondo le antiche tecniche degli astucciai, che ha vinto il premio CNA Nazionale all’Open Design Italia di Vicenza a giugno 2016.

Abbiamo potuto assistere alle diverse fasi di lavorazione – portando alla luce la maestria, l’abilità e la padronanza tecnica degli artigiani, che erano anche i protagonisti dei ritratti fotografici  esposti, come in una galleria d’arte, nelle sale dello spazio che ha ospitato l’evento, per dare visibilità agli artefici delle creazioni.

Per presentare una selezione di campioni di lavorazioni artigianali, è stato creato ad hoc un folder di pelle, studiato e sviluppato per l’archivio Monteneri, e artigiani all’opera che hanno messo in scena tutta la loro capacità tecnica, ricreando così l’opificio, un mondo fatto di umanità e di dialogo fra i diversi savoir-faire.

Monteneri va oltre i limiti della pelletteria classica attraverso materiali inediti lavorati con macchinari ultra moderni è inoltre una realtà al servizio della valorizzazione delle attività economiche del territorio e un’opportunità per la formazione delle nuove generazioni di artigiani del Made in Italy.

Oltre a creare prodotti che hanno nel dna l’eccellenza italiana, crea un dialogo con i professionisti del Made in Italy per ridisegnare le frontiere dell’artigianato del XXI secolo, investendo nella ricerca e nello sviluppo di progetti che spaziano dalla moda al design, creando nel suo opificio un confronto costante tra designer, artisti e artigiani.

Una realtà che ci ha elettrizzato e che va a sottolineare ancora una volta l’importanza dell’imprenditoria e del know how italiano legato al mondo della creatività, di moda e non. 

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Dopo essere stati finalisti nella categoria Accessori di WION (nell’edizione del 2010) Arnoldo][Battois sono tornati a questa edizione di luglio 2016 di AltaRoma per presentare la loro capsule d’abbigliamento. 

Il tema portante del lavoro del duo di designer veneziani è stato il caos, la contaminazione.
Volumi, materiali, pesantezze che si mescolano in un gran bazar razionale di stili e riferimenti culturali.

I volumi e le stampe a volte ci hanno dato l’impressione di volerci portare in un viaggio verso Oriente, i motivi floreali e le iconiche peonie hanno sicuramente creato suggestivi richiami a quella cultura, altre volte rimandavano alla più strong e cosmopolita New York degli anni’80, con le sue grafiche geometriche, le sue luminescenti texture: il lurex argento, il raso satiné nero, l’ecopelle, il jersey di lana bielastico.

I volumi della collezione sono plastici, accarezzano il punto vita e sottolineano le  spalle mediante una serie di innovative costruzioni. 

La donna che ha sfilato era, a mio avviso,  una versione veneziana – identità espressa a gran voce con i tessuti broccati, con l’organza triple, i file coupé e i jacquard di seta – e ricca di Holly Golightly, cresciuta nel mito della Casati – non a caso questa figura femminile sceglie d’indossare stampe animalier, o grafiche di vetrate gotiche su chiffon, mussola di lana e crêpe – pronta per andare a celebrare se stessa nello Studio 54 e prima di andare a fare colazione non davanti alle vetrine, ma dentro la famosa gioielleria che da il titolo al libro e al film che ha per protagonista Holly.

La donna di Arnoldo][Battois che abbiamo visto sfilare è sicura, matura, vuole stupire ed essere stupita.
La collezione di Silvano Arnoldo e Massimiliano Battois è forte, dinamica, d’impatto, adatta alle donne vere e non solo alle muse di cui ci piace tanto scrivere.

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Nell’edizione di gennaio di A.I. Artisanal Intelligence rimasi colpito dalle borse di Pugnetti Parma.
Non devo essere stato l’unico a rimanere positivamente impressionato da questi accessori, dato che Filippo Pugnetti e il suo brand erano ancora presenti in questa edizione di AltaRoma, ma stavolta in veste di finalista, e poi vincitore, ovviamente nella categoria accessori, del prestigioso “Who Is On Next?”, concorso sponsorizzato da AltaRoma e Vogue Italia.

Le creazioni di Filippo Pugnetti sono curate nel minimo dettaglio, non lasciano nulla al caso, rispettano quelle rigide e invisibili regole che solo i pellettieri sanno cogliere e portare avanti.
Non è un caso che il  percorso formativo di Filippo Pugnetti parta da Parma, nel laboratorio di uno degli ultimi veri maestri pellettieri della città, dove si tagliavano e preparavano i pellami pregiati, soprattutto coccodrillo, struzzo, razza, e vitelli francesi.
Dopo aver lavorato con nomi importanti come Francesco Scognamiglio, Laura Buccellati, Chloé e The Bridge, dopo aver vissuto a Dubai e essersi fatto notare, il designer ha deciso di tornare in Italia per dedicarsi alla sua linea.

Per una volta non vi racconteremo solo quanto fosse pregiata o raffinata la collezione, ma, avendo potuto passare diverso tempo con Filippo Pugnetti, mi vorrei soffermare sulla sua genesi, su cosa l’ha davvero ispirata. 

Dietro questa collezione c’è un bisogno di rinascita emotiva del designer.
Filippo, com’è abituato a fare, si è tuffato nella sua attività e ha saputo reagire creativamente

Con lui ho parlato molto della scelta del crine di cavallo come elemento principale della collezione, perché in fondo il cavallo è l’animale, non mitologico come l’araba fenice, che più si presta al concetto di forza, di voglia di libertà, di bisogno di movimento.
È un animale che si lascia domare, che riesce a rompere gli argini, ma che è anche prezioso e delicato.

Così come preziose sono le sue creazioni.
La scelta dei pellami, la cura nella manifattura li rende oggetti senza tempo, accessori che esaltano il fascino e la personalità della donna che li indossa.

Come i giudici di “Who Is On Next?”, sono rimasto conquistato e sono certo che sentiremo ancora molto parlare di Pugnetti Parma.

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Il viaggio come momento di scoperta di un luogo e di noi stessi.
Il viaggio come esperienza emotiva e sensoriale.
Il viaggio come altro da sé, come definizione di nuovi spazi, di scoperta di nuove culture.

Il viaggio come metafora della vita.
A duecento anni dalla pubblicazione  di“ Viaggio in Italia” di J.W.Goethe, Clara Tosi Pamphili e Alessio De Navasquez celebrano il mito del Grand Tour come tema dell’edizione estiva di A.I. Artisanal Intelligence il progetto supportato da AltaRoma che in ogni edizione crea un dialogo tra il mondo dell’artigianalità, del fatto a mano, lo spettatore e il territorio.
Durante l’epoca  fastosa del Grand Tour Roma era una tappa fondamentale, non si poteva non passare a respirare la memoria della città dei fori, del biondo Tevere, alla scoperta dei suoi vicoli, delle sue botteghe, del suo popolo.

Gli artisti selezionati dai due curatori sono i moderni artigiani viaggiatori provenienti da diverse parti del mondo a Roma, uno accanto all’altro hanno “scoperto” una coerenza e un filo conduttore che li rende compagni di viaggio affiatati.

Gli spazi post industriali dell’Ex Dogana di Roma rendono ancora più carico di emotività il viaggio attraverso le identità artistiche e le creazioni dei brand selezionati.
Dalle camicie dello stilista giapponese Masakatsu Tsumura, artista, designer ed ideatore del brand Period Features, realizzate con tessuti e texture da trame impalpabili alle gorgiere o crinoline di Maria Sole Ferragamo, prodotte in pelle conciata al vegetale  – tipo di lavorazione che le ha fatto  vincere il Primo Premio del Design Craft the Leather del Consorzio Vera Pelle Italiano – mentre l’estetica del viaggiatore senza tempo si riconosce nelle moderne cappe rivisitate da Theodora Bark, il brand di Maria Federica Bachiddu.
Altro pezzo cult e indispensabile in un viaggio è il cappello, qui interpretato dai cappellai olandesi di Haetts e rivolto ad un viaggiatore eccentrico e ricercato che ama ha voglia di indossare realizzazioni  a crochet e capi in fibre naturali, rispettando quello che la natura ci offre senza manipolarlo chimicamente, mentre è proprio la “Chimica Romantica”, che da vita al progetto di Celeste Pisenti e Stefano Russo.
Abiti, accessori e immagini che raccontano la condivisione dell’amore per la sperimentazione attraverso un percorso culturale tra scienza e filosofia per arrivare alla bellezza.
Stole, sciarpe e preziosissimi accessori sono realizzate con il bagaglio culturale e professionale dello storico Lanificio Cesare Gatti, che rappresenta una delle eccellenze del Made in Italy nella produzione del cachemire.
La multiculturalità del viaggio Manfredi Conti Manara, nato a Monaco nel 1990 da madre argentina e padre italiano, ce l’ha nel dna ed è proprio il tratto distintivo delle sue scarpe ispirate da una femminilità eclettica e lussuosa, influenzata dalle memorie che ogni luogo ha lasciato nel designer.
Così come nei capi in maglieria della giovane designer ungherese Boglarka Bagos, caratterizzati da trame che riportano agli intarsi dei pavimenti cosmateschi e alle tecniche orafe di incastonatura di pietre.
Alla fine del viaggio non si poteva non portare un souvenir, un piccolo ricordo e i micro mosaici di Faraoni 137 sono rappresentazioni in miniatura della bellezza di Roma, ma anche il prodotto di un lavoro lento, preciso, fuori dal sistema industriale, un oggetto che solo la mano dell’artista/artigiano sa rendere così speciale.

A rendere ancora più affascinante questo percorso il lavoro di un’artista che viaggia tra la sperimentazione emotiva e fisica, che traduce i ricordi psicologici in “grandi disastri onirici” fatti di assemblaggi completamente bianchi.

È Ophelia Finke, nata in Germania, ma divisa ora fra Berlino e Londra.
E il dialogo alla base di A.I. Artisanal Intelligence, il gioco di contaminazioni e rimandi, torna anche con l’artista tedesca, non a caso con studi alla famosa Central St. Martins e una recentissima collaborazione con la linea McQ.
Perché moda e arte, design e cultura si mescolano ancora una volta in questo affascinante progetto che AltaRoma ci regala ad ogni edizione.

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La collezione che Renato Balestra ha presentato nello spazio industriale dell’ex dogana di Roma durante Alta Roma è dedicata ai vari toni del blu, con particolare attenzione al Blu Balestra, simbolo della Maison, e, una variante di colore, un pallido “ghiaccio”.

Lo stilista ha proposto una collezione raffinata, pensata per una donna che ama il lusso, l’eleganza, e vuole un abito dai tessuti fluidi e leggeri, che la faccia sentire non solo una principessa in un abito da favola, ma una donna protagonista del proprio tempo, in un capo dall’alta qualità, che la valorizzi e la renda bella e, perché no?, sensuale.
Fra le uscite in passerella alcune anche in pelle di pitone, novità assoluta per il couturier, materiale sempre sottolineato da ricami preziosi che rendono sinuosa la silhouette del capo e di chi lo indossa. 

Molto divertenti i blousons in taffetà trapuntato con Swarovski, indossati con alcuni modelli da gran sera nella stessa tonalità cromatica.  

Su tutta la collezione aleggia un’atmosfera magica, solo così si può spiegare l’allure senza tempo e l’impressionante contemporaneità, in un settore specifico come quello dell’Alta Moda, di un designer che non è certo un esordiente, ma che dell’esordiente mantiene energia e voglia di stupire.

Le collezioni di Renato Balestra rispettano le regole dell’Alta Moda e ancora permettono di sognare, perché lui per primo ama definirsi un sognatore come Don Chisciotte. 

In un progetto come AltaRoma, sempre più orientato allo scouting e pensato per dare visibilità alle giovani leve del demi couture il suo nome da lustro perché baluardo di una creatività italiana  che stagione dopo stagione ha sempre molto da raccontare e offrire.

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