Come sei arrivato a proporre una linea tua? Quale il percorso che ti ha condotto qui?Mi sono formato all’Istituto Marangoni a Milano, subito dopo gli studi in fashion design ho lavorato come consulente per varie aziende, tante esperienze in brand importanti che mi hanno fatto crescere molto. Intuivo in me una spinta creativa, un’esigenza di tornare alle mie origini legate al mondo della Couture.
Sono cresciuto fin da piccolo nell’atelier di mia nonna, nella cultura del tutto fatto a mano, dei ricami su telaio, dei tessuti importanti da Parigi per creazioni uniche.
Queste radici non si sono mai dissolte ed ho deciso di dire la mia sullo stile e sulla donna partendo da questo e mi sono messo a lavorare su un progetto lontano dalla larga distribuzione. Una linea prét-a-coture giovane e femminile che fonde in maniera indissolubile la mia propensione per l’alto artigianato e forme più contemporanee.

Ci parli della collezione che vediamo in queste foto?
 “Armoire” Massimiliano Zumbo Prèt-a-Couture s/s 2016 nasce dalla mia terra natia, troppe volte presa d’assalto da pregiudizi ed iconografie abusate, la Sicilia.
Ho sentito la necessità di raccontare una femminilità diversa, una Sicilia forte e di carattere, immersa in un rituale prematrimoniale degli anni ‘50 detto “Ammuaro”, tra tappezzerie, ricami, materiali innovativi e strutture che si trasformano con modernità.

Quali gli input ispirativi e le icone di riferimento e che donna immagini per questi abiti?
Il centro della mia ricerca è il concetto della femminilità nelle varie culture che oscilla e s’intreccia in storie del passato e moderne, in un doppio binario fatto di profumi, identità, memorie e racconti.
Gli input e le icone sono storie vere di donne, spesso anche comuni o storie femminili collettive, i loro drammi, il loro amore, le loro emozioni. Il mio approccio al mood in questo è molto concettuale e psicologico.
La mia donna è una figura elegante che ama essere libera nel vestire, ma che ha un identità definita, poetica e coraggiosa. Vorrei che questi capi potessero rafforzare il coraggio e le scelte delle donne che li indossano, come il coraggio raffinato ed eccentrico delle donne a cui mi ispiro.

Quanto pensi il sistema moda potrebbe fare di più per i giovani designer?
Credo che rispetto a molti anni fa per i giovani designer ci siano molte più opportunità di mettersi in luce. Questo ovviamente ha alzato il livello e di conseguenza la competizione.
Forse quello che si potrebbe migliorare sono gli aiuti diretti ai giovani designer. Sono molte le opportunità promozionali, ma poche le attività dirette a far entrare i giovani nei vari meccanismi della moda.

Se ti chiedessi cosa è per te l’eleganza?
Per me il concetto di eleganza assomiglia molto all’idea di purezza. Credo che qualcosa di elegante sia qualcosa che nella sua forma, nei colori e nel valore abbia un carattere definito e molto preciso.
Qualcosa di elegante rende l’immagine di chi lo indossa in armonia e ricca di un profumo inconfondibile che lascia un segno emozionale in qualsiasi persona lo osservi.

Progetti per il futuro?
Vorrei  continuare a produrre capi e collezioni, magari conciliare anche attività di consulenza di stile. Tornare nelle capitali del fashion come Milano o Parigi, continuando anche un progetto così artigianale e poetico come questo.

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Come ti sei avvicinata al mondo degli origami?
Due anni fa lavoravo in una casa di moda e dovevamo realizzare le vetrine di Natale, per queste erano stati presi in considerazione gli Origami e chiamata una grande maestra di questa arte giapponese, Luisa Canovi.
Le vetrine origami non vennero realizzate, ma io fui subito attratta dai piccoli poliedri che Luisa aveva portato, decisi quindi di iscrivermi ai suoi corsi, vivendo gli origami come uno svago.
Luisa è una maestra fantastica, grazie a lei ho cominciato questo percorso che da un hobby sta diventando qualcosa di più concreto.

Perché farne elementi decorativi per il capo?
Le decorazioni per il capo sono sempre stati una mia passione, la mia tesi di laurea al Politecnico era intitolata “Vezzo di Donna”, una ricerca con progetto annesso di tutte le decorazioni per il capo dall’800 ad oggi.
Spille, tiare, cerchietti, foulard preziosi e non.  Ho sempre associato la decorazione del proprio capo, la parte più in vista del corpo, come una affermazione del proprio carattere.
Un modo per contraddistinguersi ed esprimere la proprio personalità.

Quale il tuo legame con la moda e come dialogano i tuoi origami con le tendenze?
Sicuramente oggi gli origami sono stato “riscoperti” in più settori, dal visual al design, fino all’abbigliamento.
Sono una decorazione sulla cresta dell’onda, che, come la moda, vivono di attimi e la loro forza sta nella loro eterogeneità, basta una piega o un colore diverso, per potergli dare nuova vita.

Cosa ti ispira?
I concept per i progetti origami nascono sicuramente un po’ come gli altri, su un’idea, un figura, un dettaglio, ma soprattutto da un foglio quadrato e dalle figure che nascono piegandolo.
È provando a piegare che nasce un mio progetto.§

E allora ne approfitto per chiederti: progetti per il futuro?
Ciò che più amo dei miei “cerchietti” è sapere che sono quasi unici, per questo pensavo di dedicarmi anche al mondo delle spose per poterle rendere ancora più belle nel giorno più importante della loro vita.
Poi si vedrà, le idee e la voglia di fare sono tante e sono sempre pronta a nuove avventure.

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Come è iniziata l’avventura di SCI’M e perché i foulard?
L’avventura di SCI’M nasce nel 2012 da una volontà precisa: non limitarsi più a disegnare stampe per altri marchi (per lo più esteri), ma provare ad affrontare il mercato con dei prodotti che possano essere finalmente siglati con il nome di coloro che li hanno ideati.
Spesso, quando si collabora con qualche brand per lavori di textile, il nome di chi ha ideato la stampa finisce per essere del tutto adombrato da quello del brand che ne fa impiego, e giusto o sbagliato che sia, è stata questa la leva che ci ha spinto a chiederci: perché non provare con una produzione propria, ulteriormente avvalorata dall’eccellenza di tessuti e manifattura made in Italy?
Il foulard ci è sembrato il punto di partenza ideale per questo progetto, trattandosi di un prodotto in cui è il “disegno” a far da padrone oltre che essere un accessorio evergreen e non troppo impegnativo in termini di produzione e investimento iniziali.

Avete vinto già molti premi con le vostre grafiche. Ci raccontate nel dettaglio questi contest e il vostro coinvolgimento?
Tutto nasce dalla partecipazione a concorsi online dedicati al textile design.Ad oggi sono moltissime le realtà internazionali che hanno costruito il loro successo su piattaforme dedicate a giovani designer, provenienti da tutto il mondo, che mettono a disposizione il proprio background per costruire marchi il cui punto di forza sono le stampe.
La prima partecipazione è stata per gioco, una sorta di scommessa mossa dal desiderio di vedere se e come la nostra sensibilità artistica potesse essere percepita in un contesto di così ampio respiro. Ricordiamo tutte quelle emozioni che si provano in una vera e propria gara, quando sbirci le opere di altri concorrenti per valutarne l’originalità, il timore che il tuo lavoro sia troppo “diverso” per poter essere premiato, il sentirsi piccoli al cospetto di altri designer con più esperienza, ma anche la curiosità di come uno stesso tema possa essere interpretato da un designer italiano piuttosto che da uno russo, indiano, cinese o serbo.
E indovinate? Primo contest, prima vittoria! Da li non ci siamo più fermati. Galvanizzati dalle vittorie, che arrivavano puntuali contest dopo contest, e da tutto ciò che ne conseguiva come articoli, interviste, pubblicazioni su riviste di settore, vetrine su importanti siti di vendita online, siamo stati investiti dalla” febbre da contest” e su qualsiasi nuova piattaforma ci spostassimo per gareggiare, da Londra a Parigi fino a Berlino e San Francisco; i successi continuavano e continuano ad arricchire il nostro portfolio.
Dal semplice gareggiare a questi concorsi, le strade si sono poi aperte a vere e proprie collaborazioni ad hoc, in cui il cliente stesso sceglieva noi e il nostro stile per la propria collezione.
Oggi siamo un punto di riferimento per molti textile designer conosciuti concorso dopo concorso e con i quali abbiamo un solido rapporto di amicizia a dimostrazione di come la competizione a volte, se supportata dalla stima, possa costruire qualcosa di veramente bello.

I foulard e le sciarpe, anche sotto, in modal e seta per la prossima f/w 15-16.

Quale il vostro target di riferimento e a chi vi ispirate? Quali le vostre icone?
Il nostro target non può essere racchiuso in un range di età, perché in realtà la donna e l’uomo a cui facciamo riferimento hanno come tratto distintivo la propria personalità.
Le persone cui ci rivolgiamo non hanno paura di osare e non sono vittime dei fashion diktat imposti dai grandi brand. Il loro profilo è quello di una persona sensibile all’inusuale, al pezzo unico, al non visto e rivisto, una persona che ama sperimentare e che guarda alla qualità del prodotto prima ancora che il nome del marchio stampato sull’etichetta.
È un target che respira la moda e che vuole anche farla, dalla fashion blogger alla signora bon ton, passando per l’impiegato con il gusto per l’arte, chiunque abbia queste caratteristiche può ritrovarsi nei nostri prodotti.
Quali sono le nostre icone? Forse la risposta ti suonerà assurda, ma le nostre icone non sono persone, ma oggetti! A volte ci capita di riflettere sul senso di un oggetto e quanto il suo scopo abbia poi così “senso” se decontestualizzato, ebbene è questo quello che facciamo.
Cerchiamo di sconvolgere un po’ gli equilibri delle cose e benché ciò significhi muoversi su un filo del rasoio, è ciò che ci da più soddisfazione.
Uscire dai cliché!

Da dove arrivano le ispirazioni? Da quali mondi arrivano gli input creativi?
Come appena accennato le ispirazioni arrivano dagli oggetti che ci circondano. È probabile che nell’utilizzare un videogioco qualcosa vada storto … benissimo, ecco che il digital glitch potrebbe diventare l’idea per una futura collezione di stampe.
È così che arrivano gli input creativi, tenendo gli occhi ben aperti su ciò che ci accade quotidianamente e cercando di rielaborare tali “segnali” in qualcosa che resti equilibrato senza scadere nel costumismo.
Ed è proprio nel trovare questo equilibrio che ricorriamo alle nostre strategie di mix and match, e al nostro metodo matematico-analitico di dosaggio dei toni e dei pieni e vuoti.

Ora vi state avventurando in altri settori. Mi parlate dei costumi da bagno?
L’idea dei costumi da bagno è nata dal confronto con gli altri. Una volta una amica, in riferimento alle nostre stampe, ci disse: “Ma vi immaginate che carina sarebbe questa stampa su un costume da bagno?”.
E ovviamente abbiamo accettato la sfida! Detto ciò, per la capsule swimwear le logiche strategiche che abbiamo seguito sono state totalmente improntate in un’ottica di commerciabilità. Sia i modelli da donna, sia quelli da uomo sono estremamente semplici dal punto di vista del design e le otto stampe presentate, anche se accomunate da un’unica palette colore, spaziano da evocazioni rockabilly al tribale, fino al geometrico.
Trattandosi del nostro esordio nel beachwear volevamo dimostrare al nostro pubblico che il nostro marchio non si muove sulla scia di un trend, ma che può aprire strade all’inconsueto.

Le proposte in 100% seta per la f/w 2015-16 di SCI’M.

Nelle immagini sopra i costumi per lei di SCI’M.

I boxer e gli slip per lui di SCI’M.

 E la capsule collection donna? Come è nata? E perché le carte da gioco come mondo ispirativo?
La poker collection è un po’ il nostro fiore all’occhiello, l’esempio ideale di come una partita a carte possa trasformarsi in moda. È così che è nata, da una partita a carte. In principio il range di stampe era limitato al solo utilizzo dei semi delle carte, ma poi abbiamo voluto andare oltre ciò che forse era stato già proposto, introducendo anche la figura del Re, della Regina e del Jack.
Cosa ci ha incoraggiato a scegliere questo tema per la nostra prima collezione di abiti? Un incontro che ricorderemo per sempre con lo showroom dedicato a giovani stilisti emergenti: l’ex Spiga2, poi Piave 37. Di quell’incontro ricordiamo un po’ di imbarazzo nel presentare i nostri lavori, ma al primo feedback positivo sul tema carte, non abbiamo più avuto esitazioni e ci siamo messi subito all’opera.
Il nostro sogno stava per diventare realtà, una vera e propria sfilata, la prima. È stato all’evento Benevento in Moda che abbiamo presentato la collezione e da li anche l’interessamento per SCI’M è cresciuto. Tanti sono stati i complimenti ricevuti da giornalisti di moda e stilisti che hanno partecipato ad AltaRoma e tutto ciò non potrà fare altro che alimentare la nostra passione e spingerci a proseguire per questa strada.
In quell’occasione siamo stati definiti “stilisti irriverenti” e dopo aver riflettuto a lungo su che accezione potesse avere questo termine, abbiamo capito che questo aggettivo ci piace e ci rispecchia perfettamente.

La capsule collection ispirata alle carte da gioco.

Sogni e progetti per il futuro?
Chiaramente per il futuro abbiamo tanti sogni nel cassetto, in primis un’altra collezione di abiti, ma anche sviluppare nuovi accessori, magari borse.
Di progetti in cantiere per il 2015 ce n’è un paio tra cui: una collaborazione per una capsule collection di cui non possiamo svelare molto e un co-branding con un altro marchio emergente. Ma noi non ci fermiamo mai quindi stay tuned!

Per saperne di più vi rimando alla pagina Facebook del progetto di Ivano e Filippo: www.facebook.com/scimsocialcouture

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I miei auguri vi arrivano grazie ad alcune immagini stilose e davvero supercool, scovate in rete. Ho scelto quelle che mi piacevano di più e che avevano qualcosa da dire sullo stile all american di un decennio che continua ad influenzare il nostro guardaroba e il nostro lifestyle, fra Lana Turner e Sandra Dee, un po’ Bazaar di Diana Vreeland e molto storia del costume.
Spero vi piacciano.

Buone Feste a tutti voi!

Un advertising per Dior del 1954!

Una illustrazione di Rene Gruau del 1954 per Dr. Payot Cosmetics.

Susan Abraham, fotografata da John French, dicembre 1955.

Momenti di stile dalle cartoline natalizie degli anni Cinquanta!

Quando i teen-agers venivano chiamati Junior! In alto a sinistra un adv della linea Carole King Juniors, mentre a destra una immagine da Junior Harper’s Bazaar!

Due bozzetti realizzati dalla storica costumista di Hollywood, plurivincitrice di Oscar, Edith Head , rappresentano due costumi di Rosemary Clooney. Il film è “White Christmas” del 1954.

Jean Patchett indossa Dior in un Christmas adv del 1954.

E non poteva mancare una pin-up, uno dei simboli dei Fifties americani!

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Come sta evolvendo e cambiando ArtilleyLane? 
Artillerylane sta cambiando di pari in passo con noi. Rispetto alle precedenti collezioni stiamo creando un prodotto sempre più vicino al concetto che lo ispira, di maggior ricerca. Gli accessori sono sempre più influenzati dal tema e dall’ispirazione scelti per quella collezione, creando un prodotto di maggior personalità.
Questo aspetto è rafforzato da una gamma sempre più completa in cui restano però i punti fermi da cui è partito il progetto.

Mi raccontate la collezione p/e 2015? 
La suggestione alla base della collezione prende forma in una fredda serata di febbraio di fronte ad un documentario sull’estrazione dello zolfo. Le differenze tra le linee sinuose dello zolfo e geometriche delle rocce, resi evidenti dagli accesi contrasti di colore, mi hanno colpito e da lì è partita la mia ricerca.
L’accostamento eclettico di elementi diversi è da sempre alla base della ricerca sviluppata da Artillerylane, questo tema ci ha permesso di esprimere in maniera ancor più evidente questo aspetto.

Progetti in cantiere e sogni per il futuro? 
Progetti in cantiere molti e molto diversi. In questa stagione debutta un altro progetto rivolto soltanto al pubblico femminile di cui sveleremo tutto a brevissimo, inoltre stiamo lavorando per aprire entro la fine del 2014 un nostro punto vendita.
Il progetto principale è però quello di vedere Artillerylane sempre più diffusa, mantenendo i valori che cerchiamo da sempre di esprimere attraverso il progetto. Sogni ne abbiamo tanti e abbiamo avuto la fortuna di realizzarne molti in questi anni (distribuire il brand in Giappone è sempre stata una cosa a cui aspiravamo e ci siamo riusciti).
Ne rimangono comunque ancora parecchi… speriamo di farli uscire presto dal cassetto!

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A portrait of Adrian+Shane.

Non ricordo di preciso quando mi sono innamorato del lavoro di Adrian+Shane, rammento solo che ad un certo punto ho iniziato a seguirli su tutti i social network dove li trovassi e che ogni cosa da loro pubblicata suscitava in me un sorriso, una riflessione, un rimando. Li ho trovati affini, forse per i riferimenti pop, che sono anche i miei, forse perché come me sono accaniti fan di Madonna, fatto sta che in un attimo sono diventato un loro sostenitore. I due lavorano insieme dal 1998 e tante sono le mostre a cui hanno preso parte, collettive o come assoluti protagonisti, e moltissime le opere in cui flirtano con un immaginario che racconta le nostre ossessioni quotidiane, compreso il nostro rapporto con la religione.
Molte anche le foto che si susseguono su Instagram o Facebook dove traspare la grande ironia, la profonda sintonia fra i due e che costringono spesso a riflettere sui temi da loro affrontati, che vanno ben oltre lo spirito leggero che sembra pervadere le loro opere. Ho deciso di contattarli e intervistarli, avendo poi colto qualche riferimento al mondo della moda mi sono anche avventurato in qualche domanda legata allo stile.
Ringrazio Adrian+Shane per la loro gentilezza e simpatia, ma soprattutto per la loro visione così limpida sul mondo che ci circonda. Sono un’ispirazione ad essere più forti e coraggiosi nel nostro quotidiano… e non a caso scrivo questo… capirete il perché leggendo questa intervista.

Diamo quindi il benvenuto a questo duo di fantastici artisti. Enjoy!

I do not remember exactly when I fell in love with Adrian+Shane’s works, I just remember that at some point I started to follow them on all the social networks where I could find this duo of artists and that everything that they were publishing aroused in me a smile, a reflection, a reference. I found them electively similar, perhaps for the pop references, which are also mine, perhaps because, like me, they are big Madonna’s fans, the fact is that in an instant I became a fan of them. The two have worked together since 1998, they took part to many exhibitions, collective or as absolute protagonists, and there are a ot of amazing Adrian+Shane works in which they flirt with an imaginary that represents and tels perfectly our everyday obsessions, including our relationship with religion.
Many are their pictures published on instagram or Facebook which reflect the great irony, the profound harmony between the two and which often force us to reflect on the issues they are talking about, which go far beyond the light and funny spirit that seems to pervade their work.
I decided to contact them and interview them, then having caught some reference to the fashion world, I also ventured into some questions related to style. I thank Adrian+Shane for their kindness and sympathy, but above all for their so clear vision on the world that surrounds us. They are an inspiration to be stronger and more braver in our daily lives … and not surprisingly I write this … you’ll understand why by reading this interview.

Let us then welcome this fantastic duo of artists. Enjoy!

Adrian+Shane: “It’s time to play the music – It’s time to light the lights”.

Adrian+Shane: “The moment you doubt whether you can fly -you cease forever to be able to do it”.

Adrian+Shane: “It’s always best to start at the beginning and all you do is follow the yellow brick road”.

Quando vi siete avvicinati al mondo dell’arte? Quando avete capito che l’arte avrebbe potuto essere il vostro “parco giochi”? E, in particolare, quando avete deciso che potevate lavorare come duo?
Siamo entrambi sempre stati particolarmente ‘artistici’ sin da bambini. Adrian ha sempre voluto essere un artista, mentre Shane sin da giovanissima età voleva essere un architetto. Lavorare insieme non era previsto. È stato il risultato di una notte molto dedita all’alcol, una bottiglia di Absolut Vodka e un blocco da disegno in un appartamento da studenti a Glasgow nel 1998. Da lì ad un anno abbiamo avuto la nostra prima mostra come duo di artisti. E da allora abbiamo presentato i nostri lavori in maniera abbastanza regolare. Tutto quello che facciamo sembra accadere in modo regolare.

Come è possibile definire il vostro lavoro?
Un documentario. Una  racconto quotidiano del nostro rapporto. Un’ istantanea di un momento nel tempo. Il ritratto di una memoria. Con forti influenze dalla pop art. 

Quali sono stati i momenti più importanti della vostra carriera sino ad ora?
Ricevere tweet da Madonna! Vendere la nostra arte a livello internazionale è una grande soddisfazione. Abbiamo collezionisti che acquistano le nostre opere d’arte da tutto il mondo.

Adrian+Shane working in their studio.

Adrian is painting.

Adrian+Shane sorting things through their archive.

Chi vi ha ispirato in passato? Quali sono i vostri riferimenti visivi? Da dove arrivano in generale gli input creativi?
L’ispirazione può venire da tutto. Film, musica, moda. Noi amiamo l’intero processo creativo. Quello di prendere un’idea e di seguirne poi lo sviluppo successivo. Se dobbiamo fare dei nomi: Francis Bacon, Andy Warhol, Cindy Sherman, Alexander McQueen, il film “My Own Private Idaho”, Madonna Louise Veronica Ciccone, “Il Mago di Oz”, David Hockney, la Chiesa Cattolica, Jean Paul Gaultier, i The B-52’s.

Lavorate molto utilizzando i nuovi media e vi promuovete anche attraverso di essi, se non erro. Qual è il vostro rapporto con i social network?
I social media hanno giocato un ruolo importante nel nostro successo nel corso degli ultimi anni. È grazie ai social che un sacco di persone hanno imparato a conoscere il nostro nome. Internet è un ottimo modo per fare arrivare il proprio lavoro là fuori nel mondo, raggiungendo un grande pubblico in un istante. Ci potete trovare nella maggior parte dei social networks, il nostro username è di solito: adrianandshane. 

A cosa state lavorando in questo momento?
Finora quest’anno abbiamo esposto i nostri lavori a New York, Berlino, nel North Carolina e a Dublino. La Amy Winehouse Foundation ci ha invitato a partecipare a una mostra che si terrà a Londra nel mese di settembre. Quindi stiamo attualmente lavorando su una scultura e 2 dipinti per questa esposizione. Siamo anche impegnati con alcuni altri progetti. Ci siamo appena trasferiti in un nuovo studio in Irlanda (dove abbiamo sede). Insomma: pieni di cose da fare!

Le T-shirt di Adrian+Shane.

Dal momento che questo blog è molto legato alla moda. Qual è il vostro rapporto con essa? Chi e che cosa vi piace?
Gli stilisti e la moda in generale sono sempre stati fonte d’ispirazione per noi e il nostro lavoro. Ne approfittiamo per dirti che abbiamo anche una nostra linea di T-shirt Adrian + Shane, che sono disponibili per l’acquisto on-line: http://adrianandshane.bigcartel.com.
Qualche settimana fa abbiamo visto la mostra di Jean Paul Gaultier al Barbican a Londra. Lui è un genio. È stato meraviglioso essere circondati dal suo lavoro e poterlo vedere da vicino. Gaultier usa molto l’immaginario religioso nelle sue collezione e anche noi nei nostri progetti. Amiamo tutto ciò che fa. 
Siamo stati anche molto ispirati dalla mostra dedicata a Isabella Blow che abbiamo visto all’inizio dell’anno,sempre a Londra, alla Somerset House.

Cosa c’è nel vostro armadio? Come possiamo definire il vostro stile personale?
Il nostro armadio è costituito da un miscuglio di marchi high street, capi di seconda mano/vintage e abiti firmati. E l’occasionale papillon. Non so come descrivere il nostro stile, perché cambia a seconda delle occasioni. Ogni giorno, per lavorare in studio, indossiamo vecchi jeans, scarpe da ginnastica e T-shirt. Perché tutto può diventare facilmente sporco!

In front of the ‘Kiss’ painting.

‘Close Up’.

Progetti e sogni per il futuro?
Un libro di Adrian + Shane. Una mostra personale a Londra, a New York e a Tokyo. Essere più coraggiosi e audaci. E speriamo anche di ispirare altri ad esserlo!

Adrian+Shane: A selection of the “Stencil Sweet Heart” paintings.

A selection of artworks at the “Blow” exhibition.

Nella seconda pagina del post la versione in inglese,bma anche tante altre foto! / On the second page you can read the original interview in english, but there are also lots of other pics!

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Un lavoro di deamademoiselle,  per saèerne di più andate a curiosare nel sito deamademoiselle.com o continuate a leggere :O)

Ho già raccontato che in passato sono stato fashion director di due riviste indipendenti e quanto quelle esperienze siano state importanti e formative, tanto che ancora oggi porto con me insegnamenti e ricordi, ma quei lavori hanno avuto un significato ancora più alto per alcune delle persone con le quali ho avuto il piacere di collaborare. Ricordo distintamente, come se fosse ieri, modo di dire che però rispecchia bene quello che provo, le ore passate con l’art director della seconda di queste riviste, insieme, letteralmente fianco a fianco, abbiamo corretto crediti di servizi fotografici, scelto foto, dato un ordine agli scatti degli editoriali, scambiando in continuazione idee.
Mi emozionano questi ricordi, anche perché ho visto sbocciare questa ragazza, che all’epoca aveva terminato da poco i suoi studi, mentre ora, che è una bellissima giovane donna, dai tantissimi progetti, si trova lei stessa ad insegnare. Sto parlando di un’artista, perché non posso definirla solo grafica o art director, e di un’amica, e mi perdonerete se nel presentarvela ho messo questa enfasi e mi sono così dilungato.
Che adori Dea Curić ormai si è capito, se vi racconto di lei oggi è perché tante sono le sue idee che hanno preso forma, idee che vale la pena farvi conoscere, perché ho sempre pensato che Dea potesse diventare uno di quei creativi capaci di dire qualcosa di nuovo, dando forma e spessore al futuro della creatività e, secondo me lo sta facendo, un po’ a modo suo, fuori dal coro, ma non troppo, e sempre con passione e con un sorriso.
Innanzitutto c’è un suo sito, dove in vendita trovate i suoi pattern, poi la sua partecipazione ad una mostra importante, “Abiti da lavoro”, che potete ammirare alla Triennale fino al 31 agosto. Ma le passioni e i progetti di Dea sono tantissimi e sono sicuro che questa breve intervista non esaurirà tutti gli argomenti.
Mi sentirete parlare ancora di lei, qui e non solo, per ora eccovi la nostra chiacchierata in esclusiva per lepilloledistefano. Enjoy! 

I tessuti con i pattern ideati da Dea e in vendita sul suo sito!

Un pattern ispirato alla pubblicità del profumo Egoiste di Chanel di Jean Paul Goude del 1990.

Ciao Dea, mi racconti il tuo nuovo progetto del sito?
Sono un graphic designer che lavora nell’editoria e nella moda. E ho tante, troppe passioni, il ricamo, la calligrafia, l’illustrazione, la scrittura, il ballo, l’amore, i libri, il sesso, il tè, i sogni… avevo bisogno di un bauletto che possa contenere tutto ciò. Dovevo trovare un modo per poter fare tutte queste cose per i miei due grandi amori: la carta e il tessuto.
Poi un giorno ho capito. Raccontastorie. Ecco cosa sono. Non importa se lo racconto disegnando, scrivendo, ricamando. Il mezzo può variare, è quello che racconto che importa. Raccontastorie su carta e tessuto.
Così nasce il mio sito, dea mademoiselle, ed è il mio luogo magico. Il sito contiene le mie favole interattive per adulti e i miei pattern/storie. Le favole al momento sono due, ma sto già lavorando su quelle nuove. Sono disponibili in diversi punti vendita a Milano, e presto la distribuzione si allargherà. Le stampe per tessuti, non sono stampe qualsiasi, ma pattern che sono loro stessi delle storie raccontate, su un tessuto. Ho deciso così di iniziare a creare pian pianino un mio archivio di tessuti online. Acquistabili o consultabili.
Annuncio in esclusiva – dopo settembre usciranno i nuovi pattern/storie e una nuova favola magica, collegati tra di loro. Lì dea mademoiselle prenderà la sua vera forma. Sono emozionatissima!
È un progetto con il quale voglio arrivare alla gente, con dei messaggi e morali di storie positivi e divertenti. Ironizzando sulle storie d’amore finite male e sui rapporti complessi che viviamo oggi, stupidamente, dato che l’amore dovrebbe essere una cosa semplice e felice, e invece la viviamo in modo molto più complesso e negativo.
Perché alla fine, quel che importa nella vita, sono la gioia e l’amore. E se con le mie favole o con i miei pattern sono riuscita a far sorridere anche solo una persona, allora vuol dire che ce l’ho fatta!

Foto di Laura Baiardini (scattate originariamente per un’intervista a Two Girls One Mug).

Le favole di deamademoiselle da Le18 a Milano.

Pagina interna della favola “Cuore ferito”.

Ora sei in esposizione con un tuo progetto alla Triennale di Milano. Di cosa si tratta?
Ti copio qui il testo di Eleonora Fiorani, curatore del settore moda della Triennale. “Corpo, abito, lavoro sono parole così cariche di significato e così evocatrici di sensi profondi, e così mutanti che non possiamo non continuare a chiederci, ogni volta che li trattiamo, in che termini il corpo attraverso l’abito e il lavoro si dia e si rappresenti, quale lingua parla e quali saperi e lingue lo parlano.”
“Abiti da lavoro”  è una mostra che dopo che l’hai vista non sai se hai appena assistito a una esposizione di moda, arte o di design. Quel che importa è l’argomento, che viene affrontato con ironia e con serietà, ma, sopratutto, è un progetto che ha coinvolto ragazzi con diverse abilità dell’Associazione Arkadia, i quali hanno cucito gli abiti progettati dai 40 artisti presenti alla mostra (http://www.arkadiaonlus.it/).
Quando mi è stato chiesto di progettare un abito da lavoro, dal curatore della mostra Alessandro Guerriero, non avevo idea che tutto sarebbe finito in esposizione alla Triennale, accanto a nomi importanti come Miyake, Marras, Missoni, Westwood, Fiorucci. E così è nato nell’innocenza della pura creatività “L’abito da lavoro dell’innamorato”, un abito dal taglio classico della casalinga anni ’50, con sopra un pattern che illustra la storia di una coppia che si corteggia, balla e fa l’amore. 
L’innamorato porta con se una valigetta, uguale a quella del dottore, del color del cielo, con dentro le lettere d’amore. Non vorrei dare ulteriori spiegazioni. Se si è mai stati innamorati, è chiaro.

Disegno dell’Abito da lavoro dell’Innamorato!

Il vestito di Dea nella foto del catalogo della mostra.

L’Abito da lavoro dell’Innamorato in mostra a La Triennale.

Ci conosciamo da molti anni e conosco bene la tua creatività. Visto che ora insegni e hai fatto esperienza con nomi importanti, mi racconti come è cambiata la tua visione sul mondo dei creativi e come è cambiato il tuo stile e quello che fai?
Quello che è cambiato è la consapevolezza di quello che faccio. Il mondo della moda oggi è un mondo frenetico, freddo e difficile. Insomma, non ci si diverte quasi più. Io invece voglio riuscire a divertirmi ancora in questo mondo e voglio che anche i miei studenti lo capiscano. È un bellissimo mestiere e siamo fortunati a poterlo fare. La nostra passione è il nostro lavoro. E dobbiamo riuscire a viverlo come passione ogni giorno.
I nomi importanti con i quali ho avuto la fortuna di lavorare, che oltre a essere ‘nomi’ sono veri maestri e geni del mestiere, mi hanno trasmesso la loro gioia e l’amore per quello che fanno. Anche dopo 50 anni di carriera. Gli occhi lucidi davanti a un capo finito o il fiato sospeso nel momento della nascita di un’idea. Sono ancora quelle le cose che contano. Non il ‘nome’ che sono diventati.
Siamo umani, fatti di esperienze e ognuno di noi potrebbe raccontare la sua storia. Ognuno sceglie un mezzo per farlo. E la moda è anche quello. Passione, emozione, vita. Sono concetti che cerco di trasmettere ai miei studenti, che sono i primi a rischiare di essere mangiati da questa grande ‘macchina’ che la moda è diventata. Non importa fare, importa come lo stiamo facendo.
Ho avuto la fortuna di vivere e realizzare cose delle quali non avevo neanche sognato. Non ho ‘fame’ di carriera. Voglio solo continuare a fare quello che mi piace, come mi piace farlo. Per fare questo mi sono un po’ allontanata da tutto questo mondo.
Lo osservo da lontano, e lavoro in pace, lavoro bene, lavoro con gioia. 

Progetti per il futuro?
Innamorarmi. Ancora. E poi di nuovo.

Dea il giorno dell’inaugurazione con Elio Fiorucci.

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E Susanna Spina torna con l’ultima parte del suo speciale dal backstage della sfilata maschile di Costume National. mancano pochi secondi all’uscita dei modelli, il pubblico è pronto in sala, fra poco partirà la musica, Susanna immortala questi attimi.
C’è tutta l’adrenalina e il senso di attesa di un backstage importante. E anche questa volta a Susanna (il cui lavoro è in questo sito) vanno i complimenti per aver saputo ben raccontare queste emozioni!

Enjoy!

The post Costume National: il backstage della sfilata maschile per la s/s 2015 fotografato da Susanna Spina in esclusiva per lepilloledistefano (part 3-final) appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

The post Costume National: il backstage della sfilata maschile per la s/s 2015 fotografato da Susanna Spina in esclusiva per lepilloledistefano (part 2) appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

The post Susanna Spina torna su lepilloledistefano con i suoi scatti del backstage della sfilata di Costume National s/s 2015, in esclusiva per voi! (Ed è solo la prima parte!) appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.