La cover del libro “Doll Parts”.

Amanda Lepore by Wouter van Gens.

Amanda Lepore by May Lin Le Gof for Posture Magazine.

Amanda Lepore by Josef Jasso.

Amanda Lepore by Marco Ovando.

Amanda Lepore by Marco Ovando.

Amanda by Victoria Janashvili.

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Da quali input ispirativi è nata la collezione?
Per questa f/w 2017 volevo reinterpretare a mio modo, o meglio rielaborare, le stampe tradizionali come il vichy, rombi e fiori.
Così il rombo si trasforma in un aquilone, il vichy incontra una stella, mentre la stampa con le mani e i fiori da quell’effetto un po’ tirolese e da altre angolazioni, perché no?, surreale.

Ci racconti i capi più rappresentativi?
Sicuramente nella nuova collezione posso individuare come più rappresentativi i capi in velluto, ma anche le tute o gli abiti che possono essere indossati di giorno, come di sera.
Sono fiera anche dell’idea giacca/vestaglia introdotta nelle ultime due stagioni e rivisitata per il prossimo inverno in soffice velluto di seta nero, soffermandoci se vogliamo anche sui pezzi in paillettes costanti nel mio lavoro.

Come sta cambiando la tua donna?
La mia donna sta diventando più matura senza perdere la sua identità, ironica come sempre, ma forse anche lei sta crescendo. Così mi diverte pensare che ad ogni collezione posso avere modo di svelare sempre nuove sfaccettature del suo carattere.

Progetti per il futuro?
In futuro vorrei ampliare il mondo creativo, aprendomi all’home decor: parati, cuscini, piatti e così via. E sempre più penso di dovermi dedicare anche ad una linea per i nostri amici a 4 zampe. Abbigliamento non troppo lezioso, ma di buona fattura e accessori in pelle da passeggio.

E per saperne di più vi rimando al sito di Giorgia, qui.

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Un ritratto della designer.

Perché hai accettato di far parte di questo progetto e quale l’emozione di avere una tua creazione in mostra in un luogo così importante come La Triennale di Milano?Come potevo non accettare!? Per me e per il marchio la partecipazione a questa mostra è un importante riconoscimento.
Essere considerata come una delle realtà tra le più importanti del panorama della moda italiana contemporanea è senza dubbio una grande soddisfazione, nella prestigiosa cornice de La Triennale poi ancora di più, pura soddisfazione.

Quali pensi siano le voci più importanti di un ipotetico vocabolario della moda italiana, pensando al passato, ma anche al presente?
Tradizione, innovazione, qualità, dinamismo, sostenibilità. Credo che si debba sempre guardare al passato perché abbiamo molto nella nostra storia della moda e del costume, ma bisogna poi essere in grado di innovare e di capire le nuove esigenze della società contemporanea.
Io dal mio punto di vista ho colto una necessità di dinamismo e di attenzione verso l’ambiente e l’ho tradotta in una moda “modulare” e sostenibile.

Come pensi che manifestazioni come queste aiutino i designer della nuova generazione di made in Italy?
Credo che diano una conferma della credibilità e della professionalità che c’è dietro ogni progetto, e sono sicuramente un’ottima occasione di visibilità.
Una mostra come quella de ‘Il Nuovo Vocabolario della Moda Italiana’ avrà come pubblico addetti al settore e non e sarà in Triennale per più di 3 mesi, questo fa si che molte persone vengano a conoscenza di chi siamo e cosa facciamo.

La tua parola preferita del vocabolario e perché?
Creatività.
Perché mi permette di fare il mio lavoro.

Ci descrivi la collezione per la f/w 2015-2016? Quale il must-have assoluto della stagione?
In questa fall/winter dal punto di vista estetico fa da padrone il motivo jacquard mosaico realizzato in due varianti colore, una multicolor, una lurex silver e nero, un elemento grafico che si incontra con le forme geometriche che da sempre contraddistinguono lo stile del marchio.
Dal punto di vista della costruzione c’è una continua evoluzione del concetto di modularità e di capi intercambiabili, questa stagione tra gli altri sono stati inseriti due moduli pantalone, uno corto e uno lungo che possono, oltre che essere indossati singolarmente, creare overall se – passami il termine poco italiano ma molto concreto – “zippati” ai top.
Capo must-have: Il capo spalla in jacquard mosaico colorato. Con maniche, cappuccio e parte inferiore rimovibili può essere indossato in 6 modi diversi. Realizzato in 100% poliestere riciclato, tessuto creato con un filato proveniente dalla lavorazione delle bottiglie di plastica, interamente ‘made in Italy’.

Il momento più bello fino ad ora nella tua carriera di designer?
Quello che deve ancora arrivare.

Sopra immagini della collezione di Flavia La Rocca per la f/w 2015-16.

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Come hai iniziato e quando hai deciso che la moda era il tuo mondo?
È difficile dire esattamente come e quando ho iniziato: ho passato la mia infanzia nella sartoria della nonna paterna, giocando tra stoffe, merletti e bottoni; all’epoca della scuola passavo il tempo libero nell’azienda dei miei genitori, aiutando come potevo nelle mansioni più semplici.
In seguito ho cominciato a lavorare nella sartoria di famiglia, occupandomi non solo di ricerca e ideazione, scoprendo così le mie abilità di stilista, ma anche di consulenza al cliente, affinando la mie capacità nel capire la persona che si rivolge a me, per consigliarla al meglio nella realizzazione del proprio abito.
Ora, invece, seguo la mia strada, creando la mia linea personale di abbigliamento e arredamento.

Un ritratto della designer Eva Dub. A seguire alcune delle proposte ideate dalla stilista.

Ci racconti da dove arrivano le ispirazioni? Ad esempio ricordo un po’ di tempo fa delle forti influenze etniche, che forse ora ci sono meno, sbaglio?
Della moda mi piace tutto: dagli abiti del Seicento agli anni Venti, dall’abito maschile classico a quello più femminile da sera, dalle linee essenziali e pulite al gusto esagerato e stravagante, e potrei andare avanti ancora.
Da tutto ciò traggo suggestioni, ma le cose che mi affascinano e ispirano in particolare sono la cultura e le tradizioni rappresentative dei popoli di tutto il globo, per cui quando posso prendo un aereo e vado ad esplorare con gli occhi ed il cuore, cercando di scoprire nel profondo le terre e le popolazioni che le vivono, per riempire la mia valigia non solo di pezzi di artigianato locale, ma soprattutto di valori sconosciuti, di storie autentiche e difficili, di bellezza genuina.
Così ho fatto nel 2009 quando sono partita per il nord dell’Uganda, spinta da un ancestrale richiamo per l’Africa, con l’obbiettivo di realizzare un progetto di moda solidale con alcune realtà locali, esperienza indimenticabile da cui è nata una collezione con tessuti wax e tye&die realizzati dalle donne che lì ho conosciuto.

In generale, se dovessi descrivere ora il tuo stile?
Da diversi anni sono immersa nella tendenza del “trasformabile”, retaggio di un intenso percorso personale nel teatro di ricerca, in cui un oggetto in scena può assumere valenze completamente diverse dal suo reale uso.
Ho applicato lo stesso principio agli abiti che realizzo, giocando con forme e drappeggi per trovare la multi-funzionalità del capo.
Ad ogni modo le influenze etniche sono spesso presenti: per esempio la mia giacca Kitamo è chiaramente d’ispirazione giapponese, così come la jumpsuit Kymani è nata dai classici pantaloni turchi da uomo.

A cosa stai lavorando al momento?
Non seguendo i dettami della moda classica, mi trovo ora ad ultimare la collezione a/i 2016.
Ti anticipo solo che da poco ho fatto un viaggio nel Sud-Est Asiatico alla scoperta di alcune minoranze etniche, rimanendo incantata da alcune di esse per la bellezza dei loro manufatti, ma profondamente scalfita dalle loro vicende politiche attuali di emarginazione, dalla loro lotta costante tra tradizione e modernità, tra salvaguardia dei costumi antichi e adattamento ad una società in rapida evoluzione.
Le mie prossime collezioni saranno dedicate a loro, per portare un’attenzione, seppur piccola, alle vicissitudini di queste minoranze in particolare e più in generale alla nostra difficoltà ad accettare “il diverso”.

Lo scorso anno ero in giuria al concorso ‘ABITIamo in Via Caprera’ a Vittorio Veneto, che hai vinto tu, con un abito che a me ricordava gli anni Ottanta, Mugler e Grace Jones. Mi racconti quel capo?
“Geometrie non euclidee”, il titolo dell’abito, nasce da una pluralità di suggestioni : innanzitutto dal mio interesse  per Oskar Schlemmer, uno dei Maestri della scuola Bauhaus, con la quale ho avuto la fortuna di collaborare direttamente alcuni anni fa, e in particolar modo ai costumi ideati per il Triadisches Ballet del 1922, gli stessi a cui si sono ispirati, come giustamente dici tu, Grace Jones e David Bowie negli anni 80.
Influenzata dalla ricerca di Schlemmer del rapporto strutturale ed espressivo tra forme cromatiche, plastiche e architettoniche, e dall’abbattimento degli schemi dell’Avant-Pop, in cui il corpo è parcellizzato, sottoposto a deformazioni, ho realizzato “Geometrie non euclidee” combinando  un corpetto con maniche esagerate ad una gonna lunga circa 5 metri, giocando con seta elasticizzata a righe e grandi pois che richiamano Yayoi Kusama, per il primo, cotone con stampa  caleidoscopica per la seconda, ed una giacca double-faces in neoprene nero doppiata con lo stesso cotone della gonna.
Tutto rigorosamente bianco e nero ad eccezione di un piccolo tocco di colore dato dai bottoni, anche questi realizzati da me, utilizzando alcuni dadi del Cubo di Rubik, utilizzo mai fatto prima del famoso rompicapo degli anni ottanta.
L’abito è indossabile e pensato per un atto performativo.

E quanta l’emozione di un riconoscimento come questo per il tuo lavoro?
Poche volte ho partecipato a concorsi e vincere l’edizione 2014 di ‘ABITIamo in Via Caprera’ è stata davvero una sorpresa. “Geometrie non euclidee” nasce appositamente per il concorso, dopo che gli organizzatori mi hanno invitato a partecipare e a loro sono grata per avermi dato lo stimolo per realizzare qualcosa di nuovo.
‘ABITIamo in via Caprera’ e la festa che le fa da cornice sono un’esperienza gioiosa di aggregazione, un salto nel passato tra storie di botteghe e osterie, una genuina attualizzazione delle tradizioni popolari.

Progetti per il futuro?
Essere felice, con semplicità, facendo ciò che amo.

“Geometrie non euclidee”, l’outfit creato da Eva Dub che le ha valso la vittoria all’edizione 2014 di ‘ABITIamo in Via Caprera’.

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Come ti sei avvicinata al mondo degli origami?
Due anni fa lavoravo in una casa di moda e dovevamo realizzare le vetrine di Natale, per queste erano stati presi in considerazione gli Origami e chiamata una grande maestra di questa arte giapponese, Luisa Canovi.
Le vetrine origami non vennero realizzate, ma io fui subito attratta dai piccoli poliedri che Luisa aveva portato, decisi quindi di iscrivermi ai suoi corsi, vivendo gli origami come uno svago.
Luisa è una maestra fantastica, grazie a lei ho cominciato questo percorso che da un hobby sta diventando qualcosa di più concreto.

Perché farne elementi decorativi per il capo?
Le decorazioni per il capo sono sempre stati una mia passione, la mia tesi di laurea al Politecnico era intitolata “Vezzo di Donna”, una ricerca con progetto annesso di tutte le decorazioni per il capo dall’800 ad oggi.
Spille, tiare, cerchietti, foulard preziosi e non.  Ho sempre associato la decorazione del proprio capo, la parte più in vista del corpo, come una affermazione del proprio carattere.
Un modo per contraddistinguersi ed esprimere la proprio personalità.

Quale il tuo legame con la moda e come dialogano i tuoi origami con le tendenze?
Sicuramente oggi gli origami sono stato “riscoperti” in più settori, dal visual al design, fino all’abbigliamento.
Sono una decorazione sulla cresta dell’onda, che, come la moda, vivono di attimi e la loro forza sta nella loro eterogeneità, basta una piega o un colore diverso, per potergli dare nuova vita.

Cosa ti ispira?
I concept per i progetti origami nascono sicuramente un po’ come gli altri, su un’idea, un figura, un dettaglio, ma soprattutto da un foglio quadrato e dalle figure che nascono piegandolo.
È provando a piegare che nasce un mio progetto.§

E allora ne approfitto per chiederti: progetti per il futuro?
Ciò che più amo dei miei “cerchietti” è sapere che sono quasi unici, per questo pensavo di dedicarmi anche al mondo delle spose per poterle rendere ancora più belle nel giorno più importante della loro vita.
Poi si vedrà, le idee e la voglia di fare sono tante e sono sempre pronta a nuove avventure.

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Un lavoro di deamademoiselle,  per saèerne di più andate a curiosare nel sito deamademoiselle.com o continuate a leggere :O)

Ho già raccontato che in passato sono stato fashion director di due riviste indipendenti e quanto quelle esperienze siano state importanti e formative, tanto che ancora oggi porto con me insegnamenti e ricordi, ma quei lavori hanno avuto un significato ancora più alto per alcune delle persone con le quali ho avuto il piacere di collaborare. Ricordo distintamente, come se fosse ieri, modo di dire che però rispecchia bene quello che provo, le ore passate con l’art director della seconda di queste riviste, insieme, letteralmente fianco a fianco, abbiamo corretto crediti di servizi fotografici, scelto foto, dato un ordine agli scatti degli editoriali, scambiando in continuazione idee.
Mi emozionano questi ricordi, anche perché ho visto sbocciare questa ragazza, che all’epoca aveva terminato da poco i suoi studi, mentre ora, che è una bellissima giovane donna, dai tantissimi progetti, si trova lei stessa ad insegnare. Sto parlando di un’artista, perché non posso definirla solo grafica o art director, e di un’amica, e mi perdonerete se nel presentarvela ho messo questa enfasi e mi sono così dilungato.
Che adori Dea Curić ormai si è capito, se vi racconto di lei oggi è perché tante sono le sue idee che hanno preso forma, idee che vale la pena farvi conoscere, perché ho sempre pensato che Dea potesse diventare uno di quei creativi capaci di dire qualcosa di nuovo, dando forma e spessore al futuro della creatività e, secondo me lo sta facendo, un po’ a modo suo, fuori dal coro, ma non troppo, e sempre con passione e con un sorriso.
Innanzitutto c’è un suo sito, dove in vendita trovate i suoi pattern, poi la sua partecipazione ad una mostra importante, “Abiti da lavoro”, che potete ammirare alla Triennale fino al 31 agosto. Ma le passioni e i progetti di Dea sono tantissimi e sono sicuro che questa breve intervista non esaurirà tutti gli argomenti.
Mi sentirete parlare ancora di lei, qui e non solo, per ora eccovi la nostra chiacchierata in esclusiva per lepilloledistefano. Enjoy! 

I tessuti con i pattern ideati da Dea e in vendita sul suo sito!

Un pattern ispirato alla pubblicità del profumo Egoiste di Chanel di Jean Paul Goude del 1990.

Ciao Dea, mi racconti il tuo nuovo progetto del sito?
Sono un graphic designer che lavora nell’editoria e nella moda. E ho tante, troppe passioni, il ricamo, la calligrafia, l’illustrazione, la scrittura, il ballo, l’amore, i libri, il sesso, il tè, i sogni… avevo bisogno di un bauletto che possa contenere tutto ciò. Dovevo trovare un modo per poter fare tutte queste cose per i miei due grandi amori: la carta e il tessuto.
Poi un giorno ho capito. Raccontastorie. Ecco cosa sono. Non importa se lo racconto disegnando, scrivendo, ricamando. Il mezzo può variare, è quello che racconto che importa. Raccontastorie su carta e tessuto.
Così nasce il mio sito, dea mademoiselle, ed è il mio luogo magico. Il sito contiene le mie favole interattive per adulti e i miei pattern/storie. Le favole al momento sono due, ma sto già lavorando su quelle nuove. Sono disponibili in diversi punti vendita a Milano, e presto la distribuzione si allargherà. Le stampe per tessuti, non sono stampe qualsiasi, ma pattern che sono loro stessi delle storie raccontate, su un tessuto. Ho deciso così di iniziare a creare pian pianino un mio archivio di tessuti online. Acquistabili o consultabili.
Annuncio in esclusiva – dopo settembre usciranno i nuovi pattern/storie e una nuova favola magica, collegati tra di loro. Lì dea mademoiselle prenderà la sua vera forma. Sono emozionatissima!
È un progetto con il quale voglio arrivare alla gente, con dei messaggi e morali di storie positivi e divertenti. Ironizzando sulle storie d’amore finite male e sui rapporti complessi che viviamo oggi, stupidamente, dato che l’amore dovrebbe essere una cosa semplice e felice, e invece la viviamo in modo molto più complesso e negativo.
Perché alla fine, quel che importa nella vita, sono la gioia e l’amore. E se con le mie favole o con i miei pattern sono riuscita a far sorridere anche solo una persona, allora vuol dire che ce l’ho fatta!

Foto di Laura Baiardini (scattate originariamente per un’intervista a Two Girls One Mug).

Le favole di deamademoiselle da Le18 a Milano.

Pagina interna della favola “Cuore ferito”.

Ora sei in esposizione con un tuo progetto alla Triennale di Milano. Di cosa si tratta?
Ti copio qui il testo di Eleonora Fiorani, curatore del settore moda della Triennale. “Corpo, abito, lavoro sono parole così cariche di significato e così evocatrici di sensi profondi, e così mutanti che non possiamo non continuare a chiederci, ogni volta che li trattiamo, in che termini il corpo attraverso l’abito e il lavoro si dia e si rappresenti, quale lingua parla e quali saperi e lingue lo parlano.”
“Abiti da lavoro”  è una mostra che dopo che l’hai vista non sai se hai appena assistito a una esposizione di moda, arte o di design. Quel che importa è l’argomento, che viene affrontato con ironia e con serietà, ma, sopratutto, è un progetto che ha coinvolto ragazzi con diverse abilità dell’Associazione Arkadia, i quali hanno cucito gli abiti progettati dai 40 artisti presenti alla mostra (http://www.arkadiaonlus.it/).
Quando mi è stato chiesto di progettare un abito da lavoro, dal curatore della mostra Alessandro Guerriero, non avevo idea che tutto sarebbe finito in esposizione alla Triennale, accanto a nomi importanti come Miyake, Marras, Missoni, Westwood, Fiorucci. E così è nato nell’innocenza della pura creatività “L’abito da lavoro dell’innamorato”, un abito dal taglio classico della casalinga anni ’50, con sopra un pattern che illustra la storia di una coppia che si corteggia, balla e fa l’amore. 
L’innamorato porta con se una valigetta, uguale a quella del dottore, del color del cielo, con dentro le lettere d’amore. Non vorrei dare ulteriori spiegazioni. Se si è mai stati innamorati, è chiaro.

Disegno dell’Abito da lavoro dell’Innamorato!

Il vestito di Dea nella foto del catalogo della mostra.

L’Abito da lavoro dell’Innamorato in mostra a La Triennale.

Ci conosciamo da molti anni e conosco bene la tua creatività. Visto che ora insegni e hai fatto esperienza con nomi importanti, mi racconti come è cambiata la tua visione sul mondo dei creativi e come è cambiato il tuo stile e quello che fai?
Quello che è cambiato è la consapevolezza di quello che faccio. Il mondo della moda oggi è un mondo frenetico, freddo e difficile. Insomma, non ci si diverte quasi più. Io invece voglio riuscire a divertirmi ancora in questo mondo e voglio che anche i miei studenti lo capiscano. È un bellissimo mestiere e siamo fortunati a poterlo fare. La nostra passione è il nostro lavoro. E dobbiamo riuscire a viverlo come passione ogni giorno.
I nomi importanti con i quali ho avuto la fortuna di lavorare, che oltre a essere ‘nomi’ sono veri maestri e geni del mestiere, mi hanno trasmesso la loro gioia e l’amore per quello che fanno. Anche dopo 50 anni di carriera. Gli occhi lucidi davanti a un capo finito o il fiato sospeso nel momento della nascita di un’idea. Sono ancora quelle le cose che contano. Non il ‘nome’ che sono diventati.
Siamo umani, fatti di esperienze e ognuno di noi potrebbe raccontare la sua storia. Ognuno sceglie un mezzo per farlo. E la moda è anche quello. Passione, emozione, vita. Sono concetti che cerco di trasmettere ai miei studenti, che sono i primi a rischiare di essere mangiati da questa grande ‘macchina’ che la moda è diventata. Non importa fare, importa come lo stiamo facendo.
Ho avuto la fortuna di vivere e realizzare cose delle quali non avevo neanche sognato. Non ho ‘fame’ di carriera. Voglio solo continuare a fare quello che mi piace, come mi piace farlo. Per fare questo mi sono un po’ allontanata da tutto questo mondo.
Lo osservo da lontano, e lavoro in pace, lavoro bene, lavoro con gioia. 

Progetti per il futuro?
Innamorarmi. Ancora. E poi di nuovo.

Dea il giorno dell’inaugurazione con Elio Fiorucci.

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La collezione Ilaria Nistri per la s7s 2014. Il lookbook scattato da Alessandro Dal Buoni.

Conosco Ilaria Nistri da tempo e ho avuto spesso il piacere di utilizzare i suoi capi nei miei servizi fotografici. La voglia della stilista di trasmettere la sua passione per i materiali pregiati e le forme non convenzionali, per l’eccellenza artigianale, mai scissa da una continua ricerca nell’ambito dell’innovazione tecnologica ha fatto nascere nel 2006 la Stilab S.r.l., poi diventata S.p.A. nel 2012, creata dalla stessa Ilaria e da Simone Rafanelli, creativa la prima e compito manageriale per il secondo. In questi anni il marchio Ilaria Nistri si è distinto per uno stile unico, lontano da trend passeggeri, ma anche da inutili frivolezze e orpelli, seguendo sempre un percorso molto personale, che invece delle classiche sfilate preferisce performance, video e arte.
La donna Ilaria Nistri è colta e dalla spiccata personalità, il suo stile cita l’Oriente, è apparentemente minimale, ma persegue un lusso dato dalla qualità dei materiali, più che dal classico concetto di opulenza. Ho incontrato Ilaria per farmi raccontare la collezione per la p/e 2014, sicuro che mi avrebbe trasportato con le sue parole in un mondo di ispirazioni e citazioni stimolanti. E così è stato, condivido con voi quindi le foto del look book Ilaria Nistri e soprattutto la nostra chiacchierata. Enjoy!

Posso chiederti quando ti sei avvicinata alla moda e hai deciso di farne una professione? Come è nata la linea Ilaria Nistri?
Dopo la laurea in legge, quando ho iniziato a collaborare con l’azienda di tessuti di famiglia. È stata una collaborazione serrata, intensa, che mi ha portato ad una ricca conoscenza dei tessuti, e soprattutto – cosa che tutt’ora è per me fondamentale – a sperimentare trattamenti e finissaggi. Dopo diversi anni di questa esperienza, dedicarmi al mio progetto è stato un passo naturale.
Era il 2006. Con due valigie – una buona dose di determinazione, follia e leggerezza- mi sono presentata a Parigi all’indirizzo di Armand Hadida. Rimase entusiasta del mio progetto e quello stesso anno ho presentato la collezione a Parigi, dove ho ottenuto subito il consenso di buyers internazionali e ricevuto ordini da prestigiosi department store come Isetan a Tokyo, I.T a Hong Kong e Mercury a Mosca.
Riesci a descrivere lo stile che contraddistingue le tue collezioni?
Alcuni lo definisco postmoderno. Io mi limito a sottolineare quelli che sono i codici ricorrenti a me cari: un’immaginario poetico, essenziale, non romantico, a volte quasi astratto, sofisticato eppure spontaneo, fluido, emozionale.
Una vibrazione di contrasti data dall’accostamento di elementi tra loro apparentemente lontani come la pelle e la seta. Il ruvido e l’impalpabile.

Ci racconti la collezione p/e 2014?
La struttura concettuale, quasi architettonica, di questa collezione mi ha portata a lavorare con geometrie disegnate da lunghezze diverse, dall’accostamento di pieni e di vuoti. Spacchi rettangolari, netti, si accostano a rimborsi leggeri e arricchiscono la rigorosità delle geometrie con la fluidità dei movimenti.
Le stampe, per me elemento pittorico essenziale, si declinano in due versioni: una più istintuale e intensa con macchie materiche che richiamano per forma e colori un confondersi di licheni che affiorano dalle rocce, e l’altra più evanescente, data dalle sottili righe lasciate da un pennello ad inchiostro. Rimangono le asimmetrie, le sovrapposizioni, i capispalla smontabili, i colori neutri e polverosi rotti da toni decisi, quasi stridenti, come un profondo turchese.
L’elemento più interessante di questa collezione è forse l’utilizzo quasi urbano di un materiale ricercatissimo come l’anguilla, che è stato assemblato a dare un movimento rigato, geometrico, e trattato con una speciale concia che gli conferisce una mano cartacea e un effetto opaco.

Se penso alla donna Ilaria Nistri, non la immagino frivola, ma minimale ed essenziale. In cosa è trasgressiva questa figura, in cosa eccede?
È una donna che ha bisogno di cibarsi di bellezza. Di viverla, di restituirla. Di sentire nelle sfide. Ma la trasgressione non ha a che fare con comportamenti o eccessi.
Un’atto veramente trasgressivo, al di fuori di ogni retorica, è la consapevolezza di sé, un percorso estremamente faticoso, ma l’unico possibile per poter parlare di autenticità e senso.

Da dove arriva il tuo mondo ispirativo? Quali amori hai oltre alla moda, capaci di alimentare il tuo mondo creativo? Chi ti piace nel mondo artistico ad esempio?
Il viaggio, prima di tutto. L’incontro e lo scontro con tutto ciò che arriva da mondi ed epoche diverse. L’oriente. I tessuti antichi. Nel mondo artistico? Tantissimi. Questi solo alcuni: Anselm Kiefer, Christian Boltanski, Josef Koudelka, Luc Tuymans, Pina Bausch, Magdalena Abakanovicz.

Quali le icone di riferimento? E quali altri designer hanno influenzato la tua estetica?
Donne come Sarah Bernhardt, Peggy Guggenheim, Frida Kahlo.  Tra i designers che mi hanno più influenzato, Yohji Yamamoto: un giapponese, un poeta, un’innovatore che crede nell’abito come casa della persona.

La moda è qualcosa che interessa ancora la gente, secondo te, considerando anche il momento storico in cui viviamo?
Credo che l’interesse per la moda possa essere tanto più forte quanto più un paese è proiettato sul proprio futuro senza averne paura. Il problema, oggi, è la paura.

Che cliente è, a tuo avviso, quello italiano, rispetto al resto del mondo?
Meno coraggioso, forse più influenzabile, capace però – per istinto, cultura, esperienza del bello – di distinguere la qualità.

Quali mercati sono interessanti per Ilaria Nistri al momento? Dove riscuoti maggiore attenzione, Italia a parte?
C’è un interesse sempre crescente per paesi come la Cina e la Corea. Questi mercati rappresentano davvero una sfida interessante. Da qualche anno a questa parte ci siamo fortemente consolidati in mercati altrettanto stimolanti come Giappone, Hong Kong, Macao e Paesi dell’Ex Unione Sovietica.

In che modo le tue radici si riflettono nella linea e cosa invece nasce dalla tua attitudine più cosmopolita, dai viaggi?
Le mie radici sono i tessuti, di cui conosco tutta la filiera, le lavorazioni… I tessuti sono anche la materia da cui parto nel mio percorso creativo. I viaggi, poi, portano suggestioni e visioni.

Web vs carta stampata? Chi vince, secondo te? Chi preferisci?
Perché vederle con un Vs? Trovo che siano strumenti diversi, che veicolano contenuti diversi con diverse modalità. Richiedono tempi e processi di elaborazione specifici. Accedono a universi emotivi diversi. Punteggiano la nostra giornata in tempi diversi. Il problema della loro convivenza credo rifletta la poca differenziazione (e spesso la mera trasposizione) di contenuti sui due mezzi.

In cosa differisce la linea Roque dalla collezione Ilaria Nistri, dal punto di vista di stile, ma anche come target di riferimento?
Il progetto Roque, la nostra contemporary daywear line, è in perfetta continuità con lo stile Ilaria Nistri. E’ un’incursione estemporanea nello stesso mondo di riferimento, con un richiamo più forte alla strada, alla libertà di trasformare, mixare, interpretare. Ha il carattere e la forza dell’immediatezza. Non necessariamente un target diverso, quanto piuttosto un diverso utilizzo. Una collezione come la Roque, fatta prevalentemente di jersey, seta e felpa  rende l’universo Ilaria Nistri accessibile in ogni momento.

C’è ancora qualcosa che vorresti realizzare e rimane per ora un sogno?
Stiamo pensando all’apertura di un flagship store a Milano. Nonostante tutto, mi sforzo di credere nella ripresa della città come centro propulsivo per la moda.

Per saperne di più www.ilarianistri.com

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Il successo delle foto di backstage della sua sfilata realizzate da Susanna Spina hanno provato che non sono il solo ad amare Stella Jean e le sue meravigliose creazioni, capaci di combinare forme couture, eleganti e chic, con elementi etnici, per un meltin’ pot modernissimo, uno di quei cortocircuiti che aiutano la moda e il gusto a cambiare e a rappresentare perfettamente lo zeitgeist, lo spirito dei tempi. Stella ha anche una collezione maschile, con la quale ha debuttato a Pitti Immagine lo scorso giugno e dove ha sfilato anche a gennaio.
Lo stile di questa figura maschile si avvicina ad una moderna visione del dandy, non a caso per il secondo defilé la stilista ci ha portato in un immaginario ed esclusivo gentleman’s club, gli elementi tipici della moda di Stella sono al servizio di un guardaroba raffinato che flirta con la sartorialità classica maschile e illuminato da elementi eccentrici. Con me a Firenze ad assistere alla sfilata di Stella Jean anche Guaizine, contributor fisso de lepilloledistefano, che mi ha concesso in anteprima questi scatti da condividere con voi, prima di postarli sui suoi canalai. Quindi con queste immagini il mondo di Stella Jean per la f/w 2014-15 è al completo. E io sono già in trepidante attesa delle novità della designer!

Photography by male® for guaizine.com
on an exclusive preview for www.lepillolediStefano.it

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