Bimba y Lola, brand spagnolo fondato nel 2006 dalle sorelle María e Uxía Domínguez, è approdato per la prima volta in Italia con un monomarca a Roma proprio quest’estate.
Il negozio ospita le collezioni di abbigliamento, borse, accessori e calzature del marchio e rappresenta il primo step di un piano di espansione che prevede nuove aperture nel nostro Paese.

Aspetto interessante e caratteristico di questo brand risiede nel fatto che borse, abbigliamento, accessori e scarpe prendono spunto da un movimento artistico, una cultura esotica o da un particolare momento storico.

Per la spring/summer 2019, Bimba Y Lola decide di far ruotare la sua collezione intorno ai temi della Terra e dell’essere umano, riflettendo nei propri capi l’evoluzione del mondo e della natura.
La collezione si chiama #thisisSEDIMENTAL e prende spunto dagli strati della Terra, dal ciclo di vita degli alberi, dal passare del tempo e della storia che ha modellato la vita fino ad oggi, rivolgendo uno sguardo retrospettivo su chi siamo attraverso l’uso dei colori e delle texture materiche.
I tessuti dominanti sono freschi e leggeri, come il lino e i materiali lucidi.
Il volume invece è stato creato a partire da silhouettes più modellate fino ad importanti capi sartoriali.
Le nuance naturali della terra sono mixate ai toni brillanti che ricordano superfici metalliche.
Continua anche il focus sulle stampe, segno distintivo del brand.

In #thisisSEDIMENTAL incontriamo 3 maxi trends già proposti anche sulle passerelle dello scorso settembre: come prima cosa, gli strati della Terra, gli anelli dei tronchi d’albero e l’erosione dell’acqua diventano micro-stampe sovrapposte sullo stesso capo.
Motivi e paillettes rappresentano le pietre e i minerali grezzi: granito, sabbia, marmo, pietre preziose o semipreziose.
Infine l’arte delle ceramiche giapponesi di Keiko Fukuzama e Makoto Kagushima è un altro punto di riferimento per questa collezione.
Il concetto di natura si ritrova anche nella collezione di borse e scarpe, con dettagli in pelle naturale che riprendono le diverse texture della superficie terrestre, dalla grana ruvida ai tessuti crepati che ricordano l’aridità del deserto.
Infine, per la collezione di accessori, Bimba y Lola propone una linea di gioielli che gioca a sua volta con l’input ispirativo iniziale: orecchini di pietre e resine impreziositi da conchiglie, collane hand-painted e maxi anelli sempre con pietre.

Attualmente, Bimba y Lola dispone di una rete retail di 249 punti vendita dislocati in 13 Paesi.
L’anno scorso il marchio ha aperto 27 nuovi store; a marzo di quest’anno ha inaugurato il suo quinto negozio a Londra, mentre ad aprile è approdato in Ecuador, consolidando la propria presenza nel mercato Sud Americano.
Nei prossimi mesi il brand prevede di aprire almeno altri 20 monomarca tra Regno Unito, Portogallo, Corea, Kuwait, Messico, Cile, Colombia e Francia.
E da questi flagship stores Bimba y Lola ci invita a scoprire la sua personalissima interpretazione di moda, il suo mondo colorato, pieno di idee e rimandi.
Uno stile giovane, ma instancabilmente pronto a rinnovarsi e noi non vediamo l’ora di scoprirne le prossime evoluzioni!

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Nessuno se lo aspettava. I segnali, se c’erano, erano piuttosto deboli, ma come nei matrimoni più riusciti, probabilmente tutto veniva giustificato sotto l’etichetta dell’ordinaria amministrazione.

Per questo quando Burberry, sul finire dell’inverno, annunciò con pacata sobrietà il divorzio da Christopher Bailey, per diciassette anni difensore indiscusso di quel ‘pure British’ che fa scuola nel mondo, rivelando l’imminente arrivo del rampollo della moda Riccardo Tisci, in molti abbiamo sentito tremare la terra sotto i piedi, un po’ come davanti a qualcosa di non immediatamente comprensibile.

Tutti, maliziosamente o meno, attendevano con un certo grado di interesse la prima volta di Riccardo sotto il blasone del cavaliere rampante, trampolino di fuoco che ha svelato nella fashion star Tisci un cuor di leone pronto a rimettersi in gioco come la prima volta, senza affidarsi al paracadute della fama e della celebrità.

La moda contemporanea, si sa, non ama certo la stabilità, impegnata com’è (o si è voluto accettare) in quella frenetica corsa verso il “sempre nuovo2 che forse prima o poi la consumerà, ma il neo Chief Creative Officer di Burberry non si è fatto di certo prendere dal panico: così il 18 settembre nel South West di Londra è andata in scena la rinascita di Burberry, dal buio alla luce, quasi a voler decretare un distacco netto dal passato, in vista di un futuro che, a pensare all’illuminazione della location prescelta, la maison interpreta come decisamente radioso.

La prima volta di Riccardo Tisci diventa così occasione per lo stilista cosmopolita per una profonda riflessione “dal mio personale viaggio di ritorno a Londra 20 anni dopo aver mostrato la mia collezione di laurea qui, fino al punto in cui sono arrivato oggi” ha dichiarato lo stilista, che intitola la sua prima collezione “Kingdom”, a omaggio dell’individualità, dell’eccentricità e dell’allure unico della Gran Bretagna.

La nuova collezione primavera – estate 2019 rende omaggio in questa maniera alle diverse anime che compongono la cultura britannica, dove lo stile raffinato e distinto si mischia con lo steet style, creando un meltin’pot unico e inimitabile.
Una celebrazione di culture, come lo stesso Tisci la definisce, che rilegge la storia e la tradizione attraverso un eclettismo quasi onirico, anima di una società che non ha paura di evolvere senza dimenticare i propri tratti distintivi: così la pelle si unisce alle sete, le catene al fresco di lana, lo street al dandy, nuove armonie in cui la definizione diventa rigidità, mentre la realtà dice che il classico può essere punk e il punk può essere classico, perché è la persona che comanda, quella individualità unica e necessaria per non essere la replica di una idea imposta da altri.

Ecco dunque la ricetta del nuovo Burberry servito da ‘chef’ Tisci: “γνῶθι σεαυτόν” dicevano gli antichi greci, “conosci te stesso”, quell’io che da cultura e tradizione fiorisce in una unicità critica e fenomenica che diventa persona e personalità, luogo dell’anima dove non serve gridare o scandalizzare, dove l’eccesso non è necessario alla propria affermazione, perché tutta l’armonia di cui ha bisogno è innata nella tua stessa natura.

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La città vecchia di Zurigo si trasforma in passerella per la sfilata autunno/inverno 2018-2019 di Julian Zigerli.

Lo stilista svizzero ha deciso di presentare la sua collezione proprio di fronte allo shop del brand.

Una collezione che riprende la storia del marchio per celebrare i 15 anni di carriera, portando in passerella capi d’ispirazione d’archivio, e che sono caratterizzati da comfort, ed effortless wearibility, segni identitari di Julian, mixate con nuove foto, nuovi colori e nuovi tessuti.

La lana delle maxi sciarpe e dei cardigan oversized.
Ma anche il classico gessato, che diventa moderno in completi indossati sia da donne, sia da uomini.

L’amore per i colori, lo humor e la positività traspaiono da tinte bold e colorful, ma più scure rispetto alle collezioni precedenti e dal nome di questa: “Bold is my favorite color”.

Lo stilista ha tradotto la sua visione dell’uomo in una collezione che è fatta anche per la donna: capi genderless che possono essere indossati tanto da lui, quanto da lei.
E tramite gli abiti, ha esplorato l’instabilità del gender e la sessualità in relazione al corpo dell’uomo.

Una collezione che dà a chi l’indossa un senso di libertà.

E chi meglio dell’artista Walter Pffeiffer avrebbe potuto dare forma a tutto questo?

Il fotografo svizzero, conosciuto per i suoi ritratti divertenti, ha creato per Zigerli due “Walter Boys”.
Il ritratto di questi uomini sempre giovani, provocanti e sensuali, è stato stampato sui tessuti diventando impatto surreale e facendo apparire il corpo quasi come una scultura.

Pezzo chiave della collezione è il “buttpack”, un pezzo distintivo che mostra, con il twist tipico delle fotografie di Pfeiffer, il sedere perfetto.

Anche con questa collezione lo stilista è riuscito ad unire stampe estroverse e colori sgargianti con comfort e vestibilità, esplorando la bellezza maschile ed il gender e facendoli giocare con la moda.

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Milano, giugno 2018: l’artigianato Made-in-Italy raggiunge un altro significativo traguardo.
E questa volta lo fa grazie a Cividini, casa di moda nata con una piccola produzione di maglieria di cachemire negli anni ‘80.
Infatti, il prossimo 21 luglio sarà assegnato, presso il suggestivo Teatro Antico di Taormina, il “Tao Award 2018 per la moda”.
Il premio, nato dalla sinergia tra la Regione Sicilia e la città di Milano, è giunto quest’anno alla sua diciottesima edizione; esso rappresenta, inoltre, uno dei più importanti riconoscimenti nazionali per la valorizzazione dell’eccellenza artistica e creativa del Belpaese. 

Dietro le quinte, Miriam e Piero Cividini, partner nel lavoro e nella vita privata, trasmettono la loro personalità, le loro idee e, soprattutto, la conoscenza dei propri prodotti.
Il tutto basato su un mix di lavorazioni artigianali ma allo stesso tempo moderne e tecnologiche presenti in ogni capo.
In breve: ricerca, alta qualità ed innovazione sono le parole che contraddistinguono CIVIDINI.

Da sempre, le collezioni CIVIDINI soddisfano i bisogni del target di donna che vogliono raggiungere: colta, indipendente e forte. E lo fanno attraverso capi con un design raffinato e pulito, materiali pregiati ed una manifattura di altissima qualità. Tutti questi elementi permettono al marchio di posizionarsi oltre le mere tendenze stagionali e garantiscono alle proprie clienti la possibilità di investire in prodotti di altissima qualità che si pregiano della connotazione di essere “senza tempo”. 

Non a caso, i Tao Awards sono stati ideati con l’obiettivo di celebrare il Made-in-Italy in tutte le sue più ampie espressioni e sfaccettature.
Per quanto riguarda la moda nello specifico, durante questa serata di gala vengono valorizzate e premiate le maison che, come CIVIDINI, hanno contribuito a creare e a portare avanti la tradizione del know-how nostrano.

“È un onore oltre che un grande piacere ricevere questo premio che sottolinea e riconosce il nostro lavoro da sempre fedele ai canoni del saper fare italiano e della creatività. Ringraziamo tutti i nostri collaboratori per il loro contributo di competenza e creatività senza i quali non avremmo potuto raggiungere i traguardi e gli standard che i clienti internazionali ci riconoscono” hanno dichiarato Piero e Miriam Cividini in una recente intervista.

Per il 2018, Il premio è stato (meritatamente) assegnato alla maison bergamasca per il design esclusivo delle sue collezioni, capaci di unire le lavorazioni artigianali alle più moderne tecnologie.
Questa è la vera filosofia dietro l’autentico Made-in-Italy: proprio questa filosofia, infatti, esalta sia le pregiate materie prime presenti sul territorio nazionale, ma anche le manifatture di altissima qualità da parte di artigiani e, più generalmente, addetti ai lavori apprezzati in tutto il mondo. 

Non vediamo l’ora, quindi, di vedere la passerella del Teatro Antico di Taormina trasformarsi in una vera e propria sfilata dell’ultima collezione CIVIDINI Fall/Winter 2019, dove la cura dei dettagli, la qualità dei materiali e la costruzione dei modelli esalteranno la sofisticata couture proposta dal duo bergamasco. 

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Qualcuno avrà forse storto il naso.
Altri, più guardinghi, avranno limitato la propria sorpresa disapprovazione simulando un cortese sorriso di circostanza.
Ma i tempi cambiano e con l’evolversi di pensiero e società anche il costume evolve, a buona pace di chi difendendosi in un conservatorismo bigotto, pensa di salvarsi, poi, da che cosa.
Anche le grandi maison scelgono, così, di traghettare la contemporaneità all’interno di confini inesplorati, alla ricerca di nuovi canali espressivi che siano in grado di dialogare validamente con il mondo.
Questo il caso di Pier Paolo Piccioli, saldo alla guida solitaria di maison Valentino dopo qualche anno di diarchia, lanciato più che mai in quell’ universo streetwear couture che incontra i gusti dei giovani di tutto il mondo, fetta di mercato corteggiata da tutti gli esponenti del lusso.

Così la collezione primavera/estate di Valentino per l’uomo si apre con successo alla logo mania: verde acido, rosa evidenziatore e camouflage, capisaldi di stile della maison, vengono letteralmente invasi dal logo, identità che evolve in status, attribuendo quel plusvalore sociale che diventa desiderio, sogno e azione, acquisto.

Così il neo logo VLTN campeggia a chiare lettere sulle silhouette urbane oversize e morbide, marchiate a varie dimensioni come pattern destinato a creare tendenza: bomber, trench, completi a giacca e pantalone, la logo mania esplode a tutto tondo, fino ad arrivare agli immancabili accessori must have come il marsupio, portato a tracolla.

Ali e piume, vezzo rubato alla grande sera, rivestono spalle, testa e talloni, regalando allo stile urban una dimensione couture propria fino ad oggi solo dell’alta moda: è una dichiarazione precisa, quella di Piccioli, a tutto il fashion system “la moda è vera solo quando parla di vita.
La bellezza va legata al tempo e l’elitarismo è frantumato”.

Esserci per essere, esplorando territori ignoti lasciandosi colpire, attraversare, per uscirne nuovi e arricchiti: un messaggio forte, quello della maison Valentino, pronta ad affrontare la contemporaneità scevra da ogni pregiudizio e forma di certezza.
Una proiezione, quella andata in scena qualche giorno fa a Parigi, che vuole guardare decisamente al futuro, senza nulla da difendere, ma piuttosto tutto da guadagnare.
Un atteggiamento deciso, che di cuore ci sentiamo di condividere, nella speranza che dia alla moda quella sferzata di coraggio di cui, da tanto tempo, sentiamo la mancanza.

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Quando si parla di moda e ambiente non è poi così raro provare sentimenti contrastanti, spesso si tratta di vere e proprie battagli interiori, sembra che tutto ciò che è bello sia anche dannoso per l’universo e viceversa, un po’ come per il cibo. 

Poi, c’è chi pensa che la moda green sia solo un altro trend e chi, invece, persegue e crede fermamente nell’urgenza di un cambiamento.
A proposito di fieri baluardi della sostenibilità, è l’immagine di Vivienne Westwood che immediatamente appare davanti ai nostri occhi, proprio come un pop up che è impossibile ignorare.
E se il claim “Do it by yourself” in un business tale potrebbe essere opinabile –se si pensa alle possibili implicazioni di fare la moda da sé, invece di comprarla– la soluzione al dilemma è ben più prosaica, ma non per questo semplice: comprare meno, comprare meglio. 

Si tratta di privilegiare la qualità dei capi e rispettare il lavoro di chi li realizza, acquistando in modo consapevole.
E questo ovviamente richiede uno sforzo, economico, certo, ma anche e soprattutto cognitivo.

Difficile, ma non impossibile, è un’inversione di rotta già presente e visibile e possiamo riconoscerne un esempio in Chimborazo di Francesco Rubini.
Un giovane marchio nato nel 2017 che combina l’amore per l’ambiente con l’esperienza del suo creatore nella produzione estera ed il background nell’abbigliamento di tre generazioni, per ripensare il beachwear in modo ironico e contemporaneo.

Un brand che evoca la vitalità e la forza della natura – Chimborazo è anche il nome del vulcano più grande dell’Ecuador – il quale per il lancio della prima collezione beachwear uomo s/s 2018 ha scelto di sostenere, devolvendo parte dei ricavi, i progetti dell’Area Marina Protetta di Portofino, coinvolgendone inoltre i ricercatori, Luca Tixi e Tommaso Lorenzetti, in veste di modelli d’eccezione e speciali portavoce di una collezione il cui focus è su tessuti quali il cotone, la microfibra ed il poliestere misto ad elastene, per costumi dal sapore vintage e moderno al tempo stesso, grazie alle termosaldature. 

Non solo swimsuit, ma anche bermuda in lino ed accessori come le ciabatte in gomma e cuoio, mentre le spiagge del Salento costituiscono il suggestivo backdrop della campagna. 

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“Girls, Boys, Art Pleasure” recitava l’inno del Paninaro cantato dai Pet Shop Boys, figura quasi mitologica dedicata all’alba di quel fenomeno dello streetwear che nella Milano degli anni a cavallo fra ’80 e ’90 animava i quartieri chic del centro meneghino, da San Babila al Duomo, passando per via Montenapoleone e per le grandi boutique delle griffe.

Dorian Stefano Tarantini, alla sua terza esibizione in passerella, propone così una nuova virata per il giovane marchio Malibu1992, nato appena 4 anni fa dalla sua mente eclettica e artistica e nel giro di poco tempo assunto ai fasti del trend setting internazionale, vestendo artisti del calibro di Rihanna, Jessie J., Iggy Azalea e Rita Ora.
Con un divertente e appassionato viaggio negli anni della grande moda, M1992 riscopre nella collezione autunno/inverno 2018-2019 il lato dimenticato della moda milanese e italiana, invitando il presente non solo a omaggiare la bellezza dei tempi d’oro, ma piuttosto a farne esperienza diretta, in una sorta di remembering che diviene status symbol contemporaneo, pronto a insegnare ai giovani millennials e agli influencer di tutto il mondo il vero significato di stile e lusso.

La collezione presenta così tagli chirurgici ed enfatizzati, spalle e revers che ricordano l’alta finanza di “American Psyco” e gli uffici di “Working girl” in cui si aggirava agguerrita una giovane Melanie Griffith: i completi dei giovani brokers di M1992 sono eleganti e composti, ma alleggeriti dalla sovrapposizione di piumini smanicati come nella migliore tradizione milanese.
Il tailleur da donna per M1992 è imprescindibile e viene proposto doppiopetto, crop, tecnico con zip e cappuccio drappeggiato.

I materiali sono consistenti e lussuosi, maschili, formali, anche al femminile, mentre i colori sono volutamente convenzionali, spaziando dalle sfumature classiche del jeans, il senape acido, le grisaglie, il blu commendatore e il nero più gotico.

I preziosi fibbioni argento prodotti artigianalmente da EL CHARRO, mitico brand dei Paninari milanesi, fungono da ponti di stile per look precisi e coordinati, mentre sulle magliette e sulle felpe sono riprodotte stampe e ricami a tema America o floreale.

La preziosa collaborazione con Swarovski supporta la collezione con i suoi cristalli che creano pattern all-over, sulle maglie tematizzate a merchandising musicale e sulle spille in argento new romantic poste sul collo di ogni camicia.

College, il brand di calzature fondato nel 1950 negli States e approdato in Italia nel 1970, realizza per la collezione M1992 una capsule in esclusiva in cui l’iconico mocassino indossato dagli universitari di Harvard viene riproposto in nabuk nero o sabbia con motivi in rilievo, sia da uomo, sia da donna.

Il salto negli anni ’80 proposto da M1992 svela così a ognuno il cuore della moda dell’età dell’oro, tempi in cui il gusto e lo stile si mescolavano con grinta e faccia da schiaffi, minuti (o ore) passati davanti allo specchio a capire chi sei, trasformando l’immagine interiore in outfit esteriore.
Così la moda di M1992 per il prossimo inverno contribuisce a sollecitare quel giusto senso di stile che, al di là di tendenze o famigerati profeti, dovrebbe albergare in ogni persona, ridonando alla moda quel senso di umanità che troppo spesso viene dimenticato.

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Silhouette anni ’50.
Pelle, animalier e accenni gotici. Il tutto condito con riferimenti hawaiani, in un clima di vacanza e spensierata allegrezza.

L’estate 2018 raccontata da Dean e Dan Caten con la collezione uomo (e pre-collezione) donna DSquared2 scherza giocosamente fra sacro e profano descrivendo lo stile di un nuovo soggetto umano, mix irriverente fra culture ed esperienze agli antipodi.
I ragazzi e le ragazze di DSqaured2 partono così per le loro vacanze vestiti di nero, capelli ingellati e cappellini di pelle, sciarpe al collo e scarponi da scout, indossando pesanti cardigan sopra polo e T-shirt vividamente colorate con stampe hawaiane.

I cattivi ragazzi di DSquared2 scoprono la gioia e la leggerezza del clima vacanziero e pur non rinunciando alla tenebrosa severità di uno stile personale che è in primis impronta culturale, decidono di aprire il proprio look a orizzonti opposti e inesplorati: così bomber satinati in stampa floreale si accostano a camicie di cotone decorate con distintivi, mentre i pantaloni da biker in pelle si mixano a giacche in pelle di leopardo e pantaloncini hawaiani; il denim, caratteristica di punta della premiata maison di moda, abbandona i tradizionali lavaggi per addentrarsi in un modo di colori pastellati, raccontando un mondo dove la vacanza e il tempo libero diventano orizzonte di uno stile inesplorato.

Continua inoltre la proficua collaborazione con K-Way, rinomata azienda leader nell’active sportswear: i pantaloncini in denim per lui e le gonne per lei si rivestono di tessuto impermeabile con zip laterali, mentre le giacche si muniscono di cappuccio K-Way ricoperto in tessuto impermeabile trasparente.

Tutti per la vacanza, dunque!
E che voi siate rock, punk, gothic o “cattivi” boyscout, imparate la lezione da DSquared2: siate voi stessi certamente, ma soprattutto siate liberi! Liberi di creare, di cambiare, di scuotere e rinnovare le vostre convinzioni.
Liberi di essere felici.

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“Era una mattina così bella che – tranne che per qualche refolo di vento qua e là – mare e cielo parevano fatti della medesima stoffa, quasi le vele fossero attaccate al cielo o le nuvole precipitate in mare”.(Virginia Wolf, Gita al faro)

Ricordi. Nostalgia. Desiderio.
La riva del mare, il crepuscolo, il vento che soffia, la risacca che porta a riva qualcosa che il mare ha preso, ma che ora non vuole più: come in un sogno di mezza estate, la collezione per la primavera estate di Pringle of Scotland tratteggia i ricordi di quel passato che ognuno porta nel cuore, desiderio di qualcosa di incompiuto o mancanza di qualcosa di lasciato andare, magari non totalmente goduto.

Nel tentativo di non perdere, non mollare, quel desiderio di infinito che poeti e scrittori, da sempre, hanno metaforicamente identificato con il mare, Massimo Nicosia, direttore creativo della premiata casa di moda, trasferisce nelle texture e nelle innovative lavorazioni ingegnerizzate un sentimento caldo e avvolgente, carico di desiderio infinito: finiture grezze organiche evocano la lana scolorita dal sole e dalla salsedine dei maglioni dei pescatori e, in linea con il pensiero del “riparare e riutilizzare”, il classico pattern di Pringle of Scotland viene decostruito e ridisegnato in digitale, per creare un nuovo punto “pixelato” imperfetto, frammezzato da toppe rammendate a mano.

Il classico Argyle, da sempre icona della maglieria scozzese, si fonde con il Sanquahar, disegno a piccoli pattern geometrici a due colori, a grigia o diamante, per creare nuove prospettive tattili e dimensionali, mentre grazie all’utilizzo di speciali macchinari in grado di combinare fili multipli di pesi diversi, il jacquard riproduce paesaggi costieri ispirati da cartoline turistiche anni ’20, dove paesaggi sconfinati e coste vengono intessute come arazzi.

Una collezione speciale, quella di Pringle of Scotland per la primavera/estate 2018, incentrata fortemente sulla qualità, sulla importanza dell’essere, sulla cultura e sulla tradizione come componenti indispensabili per creare qualcosa di forte e consistente, pertanto duraturo.
Così, oltre le mode e i trend passeggeri, la maison simbolo del made in Scotland prende le distanze da un consumismo frenetico e assordante, chimera e sirena pronta ad incantare e accontentare, assopendo il naturale desiderio di infinita bellezza che anima ogni creazione d’intelletto, ribadendo fermamente la necessità di tornare ad una moda non solo bella, ma maggiormente capace di alimentare quella nostalgica sensazione costitutiva di ogni cuore, viatico indispensabile per un desiderio infinito.

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Silhouette over, funzioni modificate e dettagli inusuali queste alcune delle caratteristiche di Pedro Pedro; nella collezione fall/winter 2017-18, presentata durante l’ultima Milano Fashion Week, decostruzione e un update del basic grazie a trovate inconsuete esprimono una creatività, una velocità ed una contemporaneità davvero affascinanti.

Lo stilista ha iniziato il suo percorso creativo come illustratore di moda e ha sviluppato diversi progetti all’interno del settore: uniformi, linea jeans e streetwear per uomo. Nel 1998 ha creato il marchio “Pedro Pedro” e da allora ha presentato i suoi capi al “Porto de Moda” e durante gli eventi “Portugal Fashion”.
Nel 2006 e nel 2007 è stata la volta di Parigi, poi da alcune stagioni l’approdo con successo in una fashion week italiana che ha bisogno di nuova creatività e in cui designer dal percorso nuovo, lontano dalle semplici regole del mercato possono ancora spiccare.

In una Milano Fashion Week, ormai quasi agli sgoccioli, il designer sfila proprio nelle ultime giornate, Pedro Pedro ha creato un’atmosfera di ricerca con pezzi semplici, modificati a tagli asimettrici, a volumi chiaramente over, dettagli, anche nello styling, che hanno reso il tutto pi catchy ed immediato: i giubbotti portati in spalla, come se fossero maxi bag; gli stivali da pescatore indossati con ogni capo, donando agli outfit un twist davvero cool  e le destrutturazioni presenti nella collezione hanno donato all’immagine complessiva quel tocco in più di particolarità che rende le proposte davvero irresistibili.

I materiali tecnici la fanno da padrone, in passerella ad esempio si nota subito che la gomma è molto presente , che i tessuti impermeabili e termoindurenti sono combinati con cotoni cerati e lana merinos e sono queste connessioni che contribuiscono a dar forma ad uno stile forte e ricercato.

“In un mondo problematico e arrabbiato le forme possono continuare a essere legate a modelli sicuri e sketch invariati? D’altro canto, in un universo illimitato e sempre più tecnologico, qual è il bisogno di protezione e memoria?”.
Nasce da queste contraddizioni la collezione fall/winter 2017-18 di “Pedro Pedro”. una voce fuori dal coro, con un appeal inconfondibile, e molto da offrire.
E ci piacerebbe ritrovarla nelle prossime edizioni della fashion week milanese.

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