La sua parola chiave è: “indefinibile”.

Il suo nome è Quoï Alexander: e non è solo un fashion designer, non è solo un creativo multidisciplinare, non è solo un giovane talento che ha nel curriculum anche la blasonata scuola londinese forgia-talenti Central Saint Martins, non è solo uno stilista esordiente che ha plasmato la sua abilità presso alcune tra le maison di moda che nel dna dei propri fondatori avevano l’aspirazione a far la differenza, ovvero Alexander McQueen, Sonia Rykiel eChanel. 

Visto? Si potrebbe proseguire pressoché all’infinito!
Ma è di certo più intrigante cercar di conoscere quel che questo talento, che sta accalappiando il gusto e il plauso del fashion world sin da quando le sue primissime creazioni hanno solcato il palco del saggio finale alla Central Saint Martins, è. 

Ebbene, una cosa è certa: Quoï Alexander è un esploratore.

Nel senso più vasto, curioso, brillante e sorprendente del termine: per la giovane età, naturalmente, ma anche per la sconfinatezza della sua impresa concettuale e manuale allacciata alla moda. 

Quoï Alexander, infatti, è un esploratore delle alternative alle realtà di moda e stile già conosciute, spesso racchiuse in regole che gli vanno fin troppo strette, alle quali preferisce sfuggire con consapevolezza e curiosità. Una fra tutte: nel suo lavoro niente è cucito.
Uh sì, avete capito benissimo: niente cuciture, né a macchina, né a mano. Perché? Provate a pensarci: non è affascinante scoprire il modo in cui gli abiti si sarebbero sviluppati se la civiltà non avesse mai adottato la prassi della cucitura? E, di conseguenza: come sarebbe stata l’apparenza di ogni capo d’abbigliamento e la nostra con questi indosso?
Insomma, il principio suona un po’ come: tornare indietro nel tempo per compiere nuovi passi avanti. Surreale? Per niente affatto! 

La collezione a/i 2018-19 ne è la dimostrazione: una nuova spinta all’innovazione verso cui la ricerca condotta da Quoï Alexander fa rotta, come fosse davvero un percorso di navigazione dai confini ancora da conoscere. E come equipaggiamento: la mente sempre aperta e le mani sempre operose, pronte ad eseguire lavori d’intreccio e d’incastro, di nodi e lacci, di composizioni di materiali eterogenei e di esecuzione di metodi inaspettati, come quella volta che ha usato una pistola che spara pezzetti di plastica dentro il tessuto per unirlo ad un altro. 

Frammenti di visioni estetiche: di come sarebbe il linguaggio della moda se la mitologia dell’abito perfettamente cucito scomparisse, se quel gesto fosse ignorato e si andasse alla ricerca di nuovi codici, nuovi linguaggi, ancora con un significato da definire.
Frammenti: per questo in collezione appaiono pantaloni ad una sola gamba o giacche dimezzate, fascette che rendono vivo il profilo dei capispalla, stringhe che connettono ogni pezzo a vista.

Pay attention, please, non consideratelo un mero esercizio di stile.
Quello di Quoï Alexander è invero un gesto di ambiguità generosa: così che chi osserva gli abiti o li indossa possa scegliere liberamente cosa vederci dentro, quale ispirazione immaginarci all’origine, quanta personalità propria metterci dentro. 

E non fa nulla se si è maschio o femmina: il gender non è contemplato in tanta meditazione condotta tra mente, mani e cuore d’artista.

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Sembra una polaroid di questa nostra eclettica epoca fashionista: sì esatto, proprio quella fotografia concreta e maneggevole, non racchiusa nell’effimero digitale di una nuvola che si può vedere ma non si può afferrare, bensì fatta di sostanza e che prende vita al momento in cui viene scattata.
Sì esatto, proprio quel genere di fotografia che apparteneva al secolo scorso, che sembrava estinta ma no, non lo è, perché le icone, così come la verve da sottocultura che invade le strade e lo stile di vita e di guardaroba, non si estinguono, ma si reinventano e ci accompagnano. 

Ecco, la collezione di Act N°1 a/i 2018-19 andata in scena su una passerella d’eccezione all’appena trascorsa edizione di AltaRoma, ovvero la Galleria Nazionale di Arte Moderna, ha il potere di una polaroid: un ritratto diretto, giovane eppur consapevole, schietto e intrigante nella sua imperfezione, della realtà nella quale siamo immersi e con la quale ci si diletta ad esprimersi. 

Dopotutto s’intitola “Show n°0”: come fosse una messa in scena sincera dell’attualità senza alcun grado di separazione tra noi e gli abiti che han sfilato.
E i vari mondi che la loro apparenza sartoriale composita e la loro ispirazione culturale complessa han raccontato. 

Primo fra tutti, il mondo squisitamente personale della cultura d’appartenenza che ha intriso di ricchezza multiculturale l’infanzia dei due fashion designer, che del brand sono fondatori e anime creative: Luca Lin e Galib Gassanoff.
L’infanzia e i ricordi saporiti che di essa ancora restano e che nutrono l’ispirazione dei due creativi: l’infanzia dunque, il primo atto dell’esistenza e la prima tessera del mosaico della propria identità, quando si creano le basi dello spettacolo che si protrarrà per tutta la vita e le sue evoluzioni.
Eccolo qua, il primo atto: l’Act N°1!

Per comprendere al meglio è necessario fare un passo all’interno delle relative autobiografie: entrambi son giovanissimi, entrambi son cresciuti sul territorio emiliano-romagnolo e maturati nella moda a Milano, ma al contempo entrambi provengono da origini estere, Luca Lin è nato da genitori cinesi e Galib Gassanoff è nato e cresciuto in Georgia da genitori azeri. 

Et voilà il fil rouge che dà forma e corpo alle collezioni del brand Act N°1 e che si riallaccia anche nella collezione a/i 2018-19: il bagaglio prezioso che viene dal métissage culturale personale è sottoposto all’attitude studiatamente scomposta di quel grunge anni ’90 che ancora esercita la sua attrazione, in questo caso creando un vero mash-up tra il pregio della materia lavorata e il cool dell’attitude streetwear.
Il tutto è poi tradotto attraverso l’esattezza tipica della manifattura sartoriale italiana. 

L’occhio e il gusto devono star bene attenti: quelli che sembrano esercizi di styling sono operazioni di stile molto sottili, dove il mix di provenienze provoca la stratificazione appassionata, che a scomporla rivela le stampe ricercate tratte da acquerelli originali cinesi, i jacquard preziosi dove sbocciano le peonie, i pattern grafici che ricreano i motivi dei tappeti orientali direttamente dall’arredamento post-sovietico degli anni ’90. 

E via scomponendo si gode l’effetto che fa il  collage di capi d’abbigliamento e d’icone prese da epoche stilose che sembrano lontane eppur son così recenti: patchwork di pezzi di vestiti decostruiti, ovvero smantellati per poter essere poi riassemblati, in particolare quelli dal gusto sporty come le felpe che si fondono negli abiti, i bomber military che s’incastonano nelle bluse, le due camicie che diventano minidress e il tulle lieve che ricopre l’aplomb del cappotto dritto e materico. 

Passo dopo passo, anzi, strato su strato si va verso un’eleganza rivisitata con la stessa urgenza della mescolanza: le stampe delle vesti che rievocano il kimono han bisogno della grinta del denim che si affaccia da sotto, il velluto elegante degli abiti va annodato con rapida nonchalance in vita e l’invasione luminosa delle paillettes è da gran finale.
Ma sempre intrise da quell’attitude casual che non fa rinunciare alla felpa, mai, nemmeno quando prende la voglia irrefrenabile d’indossare anche un bel paio di cuissard glitterati.

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“Ceci n’est pas … un’interview”: ovvero, “questa non è un’intervista”, ma neanche un articolo dal mero intento promozionale, né tantomeno solo un ritratto d’artista.
Piuttosto, per chi riconoscesse in quelle parole la celeberrima citazione di natura magrittiana rivisitata qui per l’occasione, ecco: sappiate invece che con esse si è già varcata la soglia di un mondo in cui tale leggerezza surrealista si materializza nella concretezza preziosa di una scritta, che a sua volta si fa gioiello con cui adornarsi il collo, e con lui anche l’animo stesso.
Dopotutto, lei stessa si definisce “artisigner, o artigianista”: lei è Sara Capoferri e il mondo in cui dà vita alle sue creazioni in argento, uniche per natura artigiana tanto quanto per la devozione appassionata, s’intitola Fery. Benvenuti!

Dal momento che, come l’introduzione suggerisce, questa è una conversazione nata sì da un intento d’intervista, ma che ben presto ha fatto scivolare i confini oltre le formalità e i rischi di ovvietà, per rivelare riflessioni fatte di lucida sincerità: or dunque, la mera biografia di Sara Capoferri, quel suo percorso tanto professionale quanto interiore che l’ha condotta dall’essere copywriter a plasmare l’argento lo troverete illustrato fin nei dettagli in altri lidi esaustivi.
Qui invece si ha l’occasione di accedere nel backstage di quella che gli addetti al settore chiamano nuova creatività: quel limbo in cui il talento, la passione, i percorsi e le aspirazioni, l’età giovane e le competenze, e con esse le definizioni, si ibridano dando vita a nuove realtà. 

A partire dalle definizioni, appunto. “Sono forse un’intellettuale dell’accessorio in argento, con un approccio decisamente rock”: racconta Sara, perché essere artigiana non esaurisce la completezza dell’orafo, definirsi artista è cosa assai perigliosa così come designer, quindi “oscillo tra diversi mondi, quello dell’arte, quello dell’artigianato, quello dell’accessorio.
A seconda dei progetti, sto meglio in una realtà piuttosto che un’altra, ma coesistono tutti questi aspetti, dove nessuno prevale e nessuno eccelle.”
E, sempre a dirla attraverso le sue parole, quel percorso di transizione di cui sopra è sintetizzabile così: “Non basta avere sogni, bisogna avere mezzi interiori e contingenze esogene favorevoli.”
Essenziale resta comunque quella passione interiore che compie nel tempo il ruolo di bussola: il luccichio dei gioielli attrae Sara sin da bambina al punto da renderla una fiera e felice pasticciatrice di ornamenti in perle di plastica, la guida fino al maestro orafo da cui deciderà di apprendere l’arte della lavorazione manuale dell’argento per crearne opere che sono sì decori, ma anche veri racconti, e la conduce infine a fondare il suo brand Fery.
Assieme al fascino, la concretezza. Sara sa bene che manualità non è sinonimo di creatività, che la determinazione può essere più caparbia del talento, che viviamo nell’epoca delle menti iper-conesse, delle informazioni super-acessibili, delle ispirazioni assai contaminabili: quindi lei ha scelto se stessa, mantenendo “un mondo interiore ricco, un’autocritica feroce, un’umiltà che non si confonde mai con la finta modestia”. 

Questo mondo, per l’appunto, s’intitola Fery: un gioco di parole che racchiude creazioni rigorosamente in argento e squisitamente uniche, riproducibili ma non ripetibili.
Dal punto di vista tecnico Sara le realizza con la lavorazione diretta su metallo, senza l’uso di stampi, laser o modelli in cera persa: la creazione di ciondoli, collier, orecchini, anelli e bracciali per lei, gemelli e papillon per lui, ma anche accessori d’artista, prende avvio da un abbozzo iniziale, si nutre poi di ricerca profonda, trova la forma assecondando il desiderio estetico e infine prende vita in una imperfezione eccellente.
Quella che rende ogni gioiello Fery unico nel suo genere.

Dal punto di vista umano, intanto, l’ispirazione si tuffa nel bagaglio di vita e ricordi, di gente e di viaggi, di arte e curiosità: oppure assorbe con saggezza ed empatia le storie personali che gli altri le affidano affinché le  tramuti in un decoro “custom made” da serbare per sempre: tra le collaborazioni compaiono anche artisti superbi come

, ma altrettanto eccellenti sono gli incontri che di volta in volta, e step-by-step, amplificano e accrescono la sua arte.

In fin dei conti, lo dichiara anche lei: “personalmente credo poco alle corse da conigli, ma più ai percorsi da  tartaruga”.
E la tartaruga si sa: va piano, va sano e va lontano!

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SCI’M: un titolo che sembra un rebus ma che sciogliendolo rivela in serbo un messaggio pregiato, un percorso concreto che sfiora la meraviglia di una fiaba contemporanea tra Social e Couture, un nome breve ma intenso che nel cuore singolo dell’inglese I’m ne racchiude due, veri e reali, quelli dei suoi fondatori che in questo nostro spazio sono ospiti di lunga e affettuosa data, ovvero Ivano Tella e Filippo Baeli, portatori sani e salvifici della creatività bella e buona, quella ricca di valori variegati eppur essenziali che a noi piace assai.
Nonché avventurieri entusiasti del vasto fashion world alla ricerca costante di nuovi orizzonti creativi da esplorare, di creazioni inaspettate da inaugurare: et voilà, diamo il benvenuto ufficiale ed entusiasta alla linea eyewear by SCI’M! 

Quasi si riesce a percepirli i pensieri che appena trascorse queste righe trovano il loro modo felice di applaudire tale iniziativa: ma certo, proprio quelle loro stampe che tanto sono amate da spiriti fashionisti e cultori dell’eleganza stilosa, quelle opere in equilibrio perfetto e sorprendente tra l’arte serissima della grafica tessile e l’allegria divertita di trame e colori pop quanto basta per essere immediatamente irresistibili, quell’eccellenza Made in Italy che dà sostanza unica alle loro creazioni, ecco tutto ciò prende ora la forma di occhiali con cui vestire di originalità anche gli occhi.

Su, dài, diciamolo pure: evviva!
Vien proprio voglia di esultare mentre si scorrono le creazioni che compongono la capsule collection: perché è una limited edition che concentra quella stessa voglia intensa di sperimentare che attraversa il lavoro di SCI’M e dà forma al loro estro grande e talentuoso sin dagli esordi con la bellezza lieve e giocosa dei primissimi foulard; perché è una collezione breve ma densa di proposte nuove in cui le grafiche hanno il pregio dell’esclusività, offrono l’esattezza della professionalità e coinvolgono con il divertimento di fantasie che abbracciano ciliegie e geometrie impossibili, l’optical e il camouflage, nonché coppie di tinte in bicolor.

Eh, ma non finisce mica qui la lista di virtù: le montature sono infatti opera della dedizione al Made in Italy, realizzate in nylon opaco che le rende lievi e piacevoli indosso e decorate con la stampa ad altissima definizione che rende perfetti e brillanti i dettagli, ospitano lenti flashate o specchiate che giocano con i  motif della montatura e sono utilizzabili sia come occhiali da sole che da vista.

E, dulcis in fundo, tutta la capsule è la declinazione di un unico modello unisex: che si dia ufficialmente il via alla voglia gioiosa di collezionarle tutte! 

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Un tempo tanto lontano quasi a rasentare il favoloso “c’era un volta”, li si chiamava Trovatori: erano quei compositori di storie in versi che con raffinatezza antica facevano di un’ispirazione individuale materia elegante con cui cantare poesie di amori ideali, sofisticati eppur sensuali.
Ecco, l’incontro con la collezione s/s 2017 di Quattromani è una di quelle occasioni di rara bellezza in cui la moda sbriglia l’intelletto a far simili capriole nella saggezza culturale, così da scovare connessioni in apparenza lontane e inaspettate, ma che in realtà si rivelano complici preziose a godere con gusto contemporaneo delle loro creazioni. 

Nicola Frau e Massimo Noli infatti, che, come il nome del loro stesso brand suggerisce, in Quattromani fondono talento creativo e abilità pregiata di plasmare la materia di moda, attraverso le loro collezioni accarezzano la memoria con il ricordo di quegli antichi creatori di versi raffinati: come fossero poeti sognatori di oggi, s’ispirano alla loro terra sarda per raccoglierne tradizioni e leggende sopite nel tempo, che poi trasformano con guizzo squisitamente personale in storie da narrare attraverso armonie di trame e forme assai belle e attuali. 

Et voilà che accade di nuovo con la s/s 2017, andata in scena durante la scorsa edizione di AltaRoma sulla passerella dell’Ex Dogana: questa volta c’è persino l’essenza amorosa a rendere ancor più densa la suggestione poetica del loro narrare per creazioni di stile. 

La collezione nasce nella tradizione sarda di una storia d’amore che dalla terra s’apre fino al cielo: “Sa bia de sa palla”(o paggia), ovvero La via della paglia, la scia tracciata sui campi dall’incontro al crepuscolo tra due innamorati nascosti a sguardi indiscreti, ribattuta durante la notte dagli amici complici di tale romanticismo e disfatta di giorno dalla famiglia di lei per dissimulare un legame inappropriato.
Ma in sardo “Sa bia de sa paggia” indica anche la Via Lattea, come se il cielo stellato fosse testimone della strada d’amore al punto da rifletterla in sé. 

Ed ecco che il biondo del grano, il giallo del sole e il rosso dei papaveri e dei coralli, le innumerevoli sfumature di blu della notte e dell’azzurro cielo, la sensualità luminosa dell’estate sarda, prendono vita nella leggerezza aerea dei long dress in crêpe, acquisiscono sostanza scolpita nella grazia dei cocktail dress, si sciolgono nella nonchalance comoda eppur elegante di ampi pantaloni e giacchette brevi, per poi diventare materia impalpabile e vaporosa nelle camicie e pencil skirt in tulle e organza, ed infine scintillare con garbo nelle creazioni in lurex. 

E dulcis in fundo si aggiungono le borse: mini e maxi bauletto, secchiello e mini clutch a corollario di tante coccole al desiderio.

Quattromani s/s 2017: the art of telling an ancient love story by a unique style

A very long time ago, nearly bordering on the fairy “once upon a time”, they were called “Troubadours”: they were composers of stories made in verses, who by an antique refinement used to turn an individual inspiration into some elegant matter by which singing poems about ideal loves, sophisticated yet sensual. Well, meeting Quattromani s/s 2017 collection is one of those chances of rare beauty where fashion gives free rein to the mind, allowing it to turn a somersault into the cultural knowledge so that you can find connections apparently far and unexpected, but that actually prove to be precious accomplices for enjoying their creations through a contemporary taste.

Nicola Frau and Massimo Noli in fact, who, as their brand name suggests, within Quattromani blend creative talent and exquisite ability to shape the fashion materials, by their collections coddle the memory recollecting those ancient makers of refined verses: as if they were poets and dreamers of today, Quattromani draw inspiration from their Sardinian homeland so as to gather dormant traditions and legends, that then they turn into stories to narrate by very current and beautiful harmonies of wefts and shapes. 

Et voilà, it happens again with the s/s 2017, the collection that walked the runway of last AltaRoma edition: this time there’s even the love essence that makes the poetic suggestion of their art of narrating by style more intense. The collection raises from the Sardinian tradition of a love story that from the ground goes high until the sky: “Sa bia de sa palla”(or paggia), that means The Straw Path, the trail draw across the fields by two lovers meeting at night and hidden from indiscreet eyes, a trace that was travelled during the night by the couple’s friends, accomplices of their romantic encounter, and that was destroyed by the day by the girl’s family to conceal an inappropriate relationship. But in the Sardinian dialect “Sa bia de sa paggia” also indicates the Milky Way, as if the starry sky bore witness to the love road and impressed it on itself. And there’s the dyed blond corn fields, the yellow of the sun and the red of poppies and corals, the countless shades of night blue and sky light, the shining sensuality of the Sardinian summer, all come alive into the airy lightness of the long dresses, gain sculptural substance into the grace of cocktail dresses, melt into the comfortable yet elegant nonchalance of wide trousers and brief jackets, and then become impalpable material for shirts and pencil skirts made of tulle and organza, and finally glow kindly into the lurex creations. 

And, dulcis in fundo, come the bags: mini and maxi briefcases, buckets and mini clutches garnish so many cuddles to our desire.

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Energica, ricercata, pulita, tutti ricordiamo la scorsa collezione di L72, eletta vincitrice a luglio dell’ultima edizione di Who is on Next? progetto di scouting promosso da Altaroma in collaborazione  con Vogue Italia, tra gli applausi e l’ammirazione di tutti i presenti.

E sempre durante la manifestazione capitolina, Lee Wood, il designer inglese del brand, ormai trapiantato a Milano, ha presentato la sua nuova collezione autunno/inverno 2016-17 . 

L’acqua e la sua dea nella mitologia finlandese, Vellamo, sono l’immaginario scelto per le creazioni pensate per la prossima stagione fredda, Il tutto condito da spunti scenografici di tre film che, come protagonista assoluto, hanno il mare: “La scelta di Sophie”, di Alan J.Pakula; “Lezioni di Piano”, di Jane Campion e “La tempesta perfetta” di Wolfgang Petersen.
Un mix dove l’onestà e l’immensità dei mari burrascosi incontra l’analisi intimista e minimale che contraddistingue Lee Wood.

Ecco, quindi, che le forme e i volumi anni’50 di abiti dolci e sensuali e gonne a ruota che risaltano il punto vita, incontrano la sartorialità maschile e lo sportswear tecnico, richiamando le vele delle barche.
I ricami sottolineano l’ispirazione del mare ricreandone metaforicamente la turbolenza grazie alla presenza di tulle ed organze impreziosite dalla presenza di perline e paillettes nere, mentre un degradè di paillettes madre perlate sulla georgette sfrangiata richiama il pensiero delle conchiglie sapientemente lavorate su di una delicata organza.
Flash di arancio e giallo spezzano i look total black, white e blu navy.

Non perde la sua forza Lee Wood, portando in passerella un’estetica ben definita, fatta di una femminilità discreta ma dall’allure urban, perfettamente immersa nella realtà contemporanea.

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Per il nostro terzo appuntamento video dall’ultima edizione di Pitti Immagine a Firenze, scopriamo The Latest Fashion Buzz, parlando con Cristiana Lattuada, responsabile delle pr e della comunicazione di Mini, uno degli sponsor del progetto.
Mini si affianca quindi a Pitti e agli altri sponsor, L’Uomo Vogue, GQ Italia e Lagente, ospitando all’interno dello spazio Mini in Fortezza le collezioni di una selezione di talentuosi designer internazionali che innovano il concetto di menswear.
Fra loro un italiano che vive a Londra da ormai 18 anni, Carlo Volpi, che ci ha entusiasmato per il suo knitwear colorato.
Abbiamo intervistato anche lui, ovviamente! Enjoy!

For our third video from the latest edition of Pitti Immagine in Florence, we went and discovered The Latest Fashion Buzz, talking with Christian Lattuada, head of PR and communications for Mini, one of the sponsors of this project.
Mini joined Pitti and L’Uomo Vogue, GQ Italy and Lagente to sponsor it, but the Mini Space at Fortezza da Basso also hosted the collections of a selection of talented international designers who innovate the concept of menswear.
Among them an Italian who has been living in London for 18 years, Carlo Volpi, who impressed us with his colorful knitwear.
We also interviewed him, of course! Enjoy!

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Dopo il successo delle prime due edizioni, si consolida la collaborazione tra Altaroma e Coin Excelsior per offrire un’esperienza di shopping contemporanea, ricercata e allo stesso tempo accessibile.
Il contemporary department store, infatti, per l’opening della manifestazione capitolina si è trasformato in un palcoscenico dove promuovere e far conoscere ad un ampio pubblico le collezioni di giovani talenti. 

Questa volta è stato il duo sardo di Quattromani a presentare la propria collezione autunno/inverno 2016-2017 con un fashion show che ha strizzato l’occhio alla performance artistica.
Le modelle, come su una passerella, sono scese dalla scala mobile al centro dello store, portando in scena un metissage stilistico dal sapore neo-artigianale, allure estremamente femminile e shapes neo-seventies

Filo conduttore della collezione Quattromani per la prossima stagione fredda è ancora una leggenda sarda, il rituale dell’Argia.
Secondo questa leggenda, quando qualcuno viene punto dall’argia, un ragno velenoso il cui morso pare sia talvolta letale, l’unico modo per guarire la vittima è farla ridere grazie a canti, filastrocche e ai balli a volte scandalosi di tre donne: una nubile, una sposata e una vedova. 

Ecco quindi silhouette fascianti nelle pencil skirt full color e nei pantaloni in panno, o nelle gonne-pantaloni in gabardine full print, mentre si fanno più affusolate e fluttuanti nei dress midi dal collo a fiocchetto, o nei maxi dress impalpabili, o ancora morbida e cedevole nei coat con inserti in ecofur multicolor.

Nell’ambito dell’inaugurazione e nelle settimane successive è stato possibile acquistare in anteprima una selezione di prodotti dei designer.
Un’ottima iniziativa quindi per accorciare le distanze tra fashion shows in senso lato e clientela finale.

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Conosco molto bene Federico Barrazzo e lo seguo sin dalla prima collezione di The B. E come non innamorarsi follemente della sua estetica così ben definita nonostante la giovanissima età? 

The B., nato dalla volontà di costruire un concetto stilistico unico e capace di rispecchiare l’identità del designer, fonde il valore assoluto del made in Italy e l’artigianalità classica alla ricerca e innovazione proveniente da altri Paesi del Mondo.
Ogni collezione prende forma da una profonda fase di ricerca, che poi esplode grazie alla forza delle sensazioni; ne derivano silhouette e volumi di varia natura, accomunati da tagli precisi e lineari e da palette di colore, diverse di stagione in stagione, che plasmano la sobrietà del brand.
Il vero focus del marchio, però, è caratterizzato da una miscela di figure che compongono una nuova idea del vestire: mascolinità e femminilità, infatti, a tratti si incontrano, quasi coincidendo, dando così vita a pezzi unisex unici, che permettono una grande versatilità, rimanendo accumunati da evidenti geometrie nei tagli dal sapore minimal.

La collezione p/e 2016 gioca con i contrasti cromatici, in un’estrema sintesi delle forme, per dare vita a macchie di colore come a riempimento degli spazi.
L’intenzione è nobilitare elementi dello street style e dello sportswear, in una ricerca costante della dimensione estetica pura, puntando verso stilemi prevalentemente unisex.
Maxi T-shirt, dress, crop top, boxer shorts e skirt si ornano di curve dove i colori base come il nero, bianco e beige vengono accostati tra loro e accesi con il rosso vivido.
Focus quindi sulla silhouette e la leggerezza dei materiali: striature di beige, celeste e bianco alternate a trasparenze compaiono insieme al crêpe bianco e a quello rosso nelle maxi tank top, al raso nero nel completo T-shirt/skirt, e di nuovo al crêpe bianco nel long dress.  

Sporty, unisex, minimale, noi continueremo a seguirlo perché siamo sicuri che… ne vedremo delle belle!

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“Le mie borse sono delle donne vissute in epoche lontane, che conservano tutto il mistero di una tradizione fatta a mano e non si imbarazzano nel camminare tra le strade di un presente che è già futuro”.

Questa, in sintesi, la filosofia che si cela dietro le collezioni di Gaetano Pollice, classe ’81, con alle spalle un percorso che l’ha portato alla moda, intesa nella sua accezione più nobile, mosso da radici lontane. Quelle della sua terra natìa, il Molise, e di una tradizione fatta di trine e ricami.
Da qui è nata la sua personale linea di borse ispirata all’antica arte del Tombolo, particolare tecnica di ricamo diffusa in Molise sin dai primi del 500.

I tipici interventi di embroidery di questa tecnica, realizzati con l’ausilio di fuselli e spilli, sono stati trasportati su minaudière e shoulder bag dalla sofisticata semplicità.
Le forme minimali e geometriche sono enfatizzate da profili in ottone galvanizzato, mentre piccoli fiocchetti e sfere in plexiglass smaltato conferiscono alle borse un twist ludico e leggero.
Piccoli scrigni che racchiudono il bello del fatto a mano, trasponendolo in una chiave estremamente contemporanea e luxury.

Il concept alla base dei due modelli proposti per prossima p/e2016, la “Tombolo Clutch” e la “Domy Bag”, prende forma attraverso le mani esperte dei maestri artigiani molisani che assemblano e ricamano con minuziosa attenzione ogni parte.
Ricercata e femminile la palette dei pellami – rigorosamente italiani – che esplora le intramontabili tonalità del nero e dell’oro, accanto a nuance pastello come il malva e il rosa confetto.

Nella lavorazione del Tombolo a fuselli vengono utilizzati strumenti di base che trovano origine nella secolare tradizione dell’arte del ricamo.
Proprio quest’ultima fa sì che la lavorazione del tombolo sia totalmente incentrata sulla manualità di poche persone, abili a raccogliere gli insegnamenti di un’arte accurata e mai occasionale.
I ricami a tombolo di Isernia sono poi rinomati in tutto il mondo perché vengono lavorati con un filo di produzione locale di colore avorio, estremamente sottile, che rende il lavoro assai elegante.

Moda, tradizione e artigianalità si fondono nelle creazioni di Gaetano Pollice, creando un mix dall’appeal accattivante.

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