Giovani talenti emergenti solcano la passerella della New York Fashion Week e… guadagnano applausi scroscianti!
Applausi davvero appassionati, ed il bello è che sono rinnovati: il nostro giovane talento emergente in questione, infatti, è già un fashion designer dalla fama ben saldata tra il pubblico innamorato del suo stile, e una celebrity in particolare che lo veste dall’inizio del suo percorso nell’universo fashion.
Partiamo dalla celebrity e vediamo se indovinate, vi va? Lei è Rihanna, quando sceglie di presentarsi in quella versione di femminilità assai sensuale avvolta in capi assai over e very street, nonché innalzata su tacchi vertiginosi in combo.
Qualche altro indizio sui capi assai over e very street? Eccolo: trattasi di completi giacca o camicia appaiati a pantaloni ampi, ampissimi, tutto realizzato in denim, tutto in bilico tra il workwear tipico dell’American Style e le rivisitazioni d’autore di chi il fashion design lo padroneggia con esattezza e nonchalance.

Esatto! La riposta è Matthew Adams Dolan: ed il suo giovane talento che nella collezione dedicata al prossimo Autunno-Inverno 2018 ha compiuto un ulteriore nuovo passo verso la maturità d’esecuzione, nonché verso una visione estetica sempre più squisitamente personale.
E per questo già amatissima!

Per coloro che ancora non avessero sentito parlare di lui, ecco una traccia utile della sua biografia, così da fare un ingresso più agevole nel suo mondo stiloso.
Matthew Adams Dolan è 100% made in Usa: nato in America da una famiglia americana, arricchisce la sua esistenza con esperienze di vita sparse davvero in tutto il mondo, ovvero tra l’Australia, il Giappone e persino la Svizzera.
La benedizione della vocazione per la moda la riceve, però, alla nota scuola Parson’s di New York, la metropoli che ad oggi è anche la sua casa, nonché la fonte inesauribile d’ispirazione. 

Un mash-up di esperienze di vita e d’immersioni in culture differenti dalla propria che hanno forgiato la sua indole a mescolare in particolare due doti pregiate: la perfezione della tecnica sartoriale come solo i couturier san fare, tanto che la sua abilità al taglio è oggetto di innegabili elogi profondi, e la nonchalance a prendere a piene mani ispirazione dalle sottoculture metropolitane per trasportarne i guizzi creativi sulle forme d’abbigliamento più quotidiane.

La collezione f/w 2018 racconta un’evoluzione che dalle fonti d’ispirazione si trasferisce direttamente nelle silhouette dei capi che han percorso la passerella: capi di lui alternati e mescolati a quelli di lei perché, come Matthew Adams Dolan racconta sin dall’inizio, la sua è una moda che non guarda ai generi, ma che veste il gusto di divertirsi a scegliere i capi con i quali ci sente decisamente apposto.
Chiamatela ispirazione unisex o sessualità liquida, it doesn’t matter. 

Per questa collezione, dunque, l’ispirazione riparte da una base solidissima negli affetti ideali dello stilista: l’American Style e il sogno che gli è allacciato, attraversa nuovamente la sua predilezione per le icone della cultura americana anni ’80 appaiate alle campagne pubblicitarie e ai loghi anni ’90, mixati secondo quel penchant tipico di voler abbinare il fashion di lusso alla moda di strada.
Ma stavolta non basta: c’è anche un’esplorazione personale del passaggio dall’identità post-universitaria alla maturità, e l’aspirazione all’eleganza impeccabile à la Jackie Kennedy che guida la mano a plasmare quelle giacchette in denim strette favolosamente in vita come sculture sartoriali e ad asciugare i pantaloni da appoggiare sulle scarpe affilate, un’eleganza quasi composta che controbilancia l’appeal easy del motivo tartan posto in tutte le forme e le principali varietà di colore finanche allo shirt-dress di lei, tinte vivaci in linea con i soffici maglioni dai colori intensi proprio come quelle adv anni ’90 cui si accennava qui sopra, mentre l’amore per i volumi importanti è sempre presente ma ridimensionato, così i dettagli come i colli alti, i polsini girati e le maniche allungate oltre ogni misura pratica possono essere valorizzati.
Giochi di contrasti, di ampiezze e di sottigliezze, di easyness urbana e da tocco di classe vero che ruba un sonoro “Wow!” nel momento in cui accade, ovvero quando la modella ci gira le spalle e la giacca quasi seriosa rivela un retro ampio e volatile, perfetto come una mantella à la Jackye O’.

The post Matthew Adams Dolan a/i 2018: il sogno americano in versione sartoriale appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Questo è un racconto ebbro d’energia creativa e di entusiasmo dedicato alla competenza fresca agganciata all’aspirazione verso il futuro brillante: questo racconto vi presenta, infatti i nuovi talenti che l’Accademia di Costume e Moda di Roma ha curato e cresciuto finché non è giunto il momento di farli salire in passerella all’appena trascorsa edizione di AltaRoma.
Ad onor di cronaca, giusto una nota va fatta: la sottoscritta penna che traccia questo racconto ha nutrito la propria formazione dentro quelle stesse mura ricche di storia e dedizione alla moda, perciò se verrà percepito quasi il suono dell’applauso scaturire dalle prossime parole, ecco, è per via della consapevolezza che quei giovani definiti nuovi talenti il talento lo padroneggiano davvero, almeno nella sua forma iniziale, duttile, pronta ad essere modellata secondo le necessità del mestiere creativo.

Qui si ha infatti a che fare con la dote della giovinezza applicata al mestiere del fare la moda, con l’abilità di plasmarla con le mani ma anche con l’immaginazione, e con la passione che viaggia libera verso ispirazioni tanto inaspettate quanto gli esiti sorprendenti delle creazioni che hanno solcato la passerella di AltaRoma lo scorso 27 gennaio 2018 al Guido Reni District. 

Talento non solo messo in mostra al pubblico per la prima volta ufficiale, ma anche messo a giudizio di una commissione di esperti d’eccellenza, e dunque premiato: con la meritata visibilità, certo, ma anche con il riconoscimento Talents 2018 per la categoria Fashion e per quella Accessori, nonché con il bramato “Pitti Tutorship Reward”, il riconoscimento di Pitti Immagine. Or dunque, che s’inizi dalla rosa dei vincitori! 

Quindici son stati i nomi che han fatto sfilare le proprie proposte creative, di loro uno ha vinto il premio Talents 2018 nella categoria “Fashion”: e con grande merito, verrebbe da dire, dato che Mauro Muzio Medaglia, il vincitore, ha allestito una collezione che è un esercizio d’equilibrio appassionato tra le arti! Già dal nome s’intuisce la sofisticatezza del pensiero che ha costruito il progetto: “XRay”, sì, proprio i Raggi X, non quelli medici bensì quelli che danno sostanza all’opera dell’artista Nick Veasey, e che han guidato l’esordiente stilista nella manipolazione della stratificazione degli inserti in tessuti semitrasparenti come a creare l’effetto radiografia sui  completi dalle tinte dolci con tocchi più densi, ma dalle linee rigorose provenienti dai capispalla anni ‘40 interrotte da accenni soffici.
Il suo tocco di classe divertita: la rievocazione degli occhiali della celebre Peggy Guggenheim.

Il premio Talents 2018 della categoria Accessori è stato vinto da Livia Romoli Venturi: grazie all’impegno intenso e ricercatissimo che l’hanno guidata ad osservare l’universo delle autovetture con occhio quasi ingegneristico, e a riportare l’esattezza dei dettagli, persino quelli degli interni delle auto, sulla linea di accessori maschili che assieme all’eleganza riportano anche le tracce design dei pneumatici a mo’ di motif, le cuciture a vista e le lavorazioni embossed, fino all’aerodinamicità che dà forma alle sneakers alte bicolor.

L’altrettanto ambito premio Pitti Tutorship Reward è stato guadagnato da Cristiana Guaglianone: la sua collezione s’intitola “Nomade”, come nomade è il futuro di giovinezza che ha in comune con la sua generazione pronta ad esplorare il mondo professionale che sta per spalancarsi, percorrendo intanto la strada accessoriati con borse che mescolano l’esotismo vivace dei materiali al tocco ricercato degli anelli nascosti sotto la pelle, che creano un effetto in bilico tra il tribale e il minimale, ripreso nei gambali che caratterizzano i sandali e le mules piatte.

Il podio si sa, ha sempre tre posti, anche in questo caso in cui son tre premi diversi: ma il resto dei fashion designer emergenti ha dato ottima prova del proprio potenziale appassionato e impegnato a mescolare irrimediabilmente la sartorialità con la cultura e la creatività nuova.
Applausi, quindi, anche ad Alessandra Caponera che trae stampe e decori dai fondali oceanici li ridisegna con l’ironia e li applica ai minidress un po’ bon ton e un po’ pop dalle linee anni ’60; ad Alessia Conetta che prende l’essenza affascinante del vestire orientale e la infonde ad abiti morbidi dal mood urbano; a Flaminia Sebastianelli per le sue borse e scarpe essenziali eppur ricche nella scelta delle tinte e nelle borchie che compongono un linguaggio decorativo in braille; ad Emanuela Vetrano che ha scelto l’esagono come fil rouge di una linea breve ma intensa di borse geometriche e scarpe affusolate che promettono  bellezza ed eccellenza; a Federica Polli che crea una linea di borse maschili da viaggio percorse dalla luce cangiante delle superfici; a Flaminia Sebastianelli che pone in equilibrio la grinta militaresca e l’eleganza sensuale; alla maestria di Giacomo Pavia di manipolare la pelliccia rendendola funzionale, a tratti eccentrica ma sempre lussuosa; a Giulia Conti per la sua esattezza couture; a Giulia Saba per la grazia delle sue stampe in boccio su silhouette che dal vezzoso divengono da gran soiré; ad Oriana Pastore e alla sua abilità a giocare con i colori sgargianti su trolley, zaini e sacche da viaggio maschili; a Sara Pavani che conferma in modo squisitamente personale il ruolo intrigante e giocoso dei colori che si combinano in contrasti perfetti sulle borse e sui sabot; ed infine a Tommaso Ambrosca ed al suo uomo metropolitano, geometrico ma attraversato da un personale rigore orientaleggiante.

The post ACM Talents 2018: giovani talenti sfilano e vincono appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Si può mettersi in gioco, aggrappandosi con fare leggero alla propria creatività, o no?
Si può sentire di avere qualcosa da dire con le stoffe e le trine, e vedere con consapevolezza e mente aperta l’effetto che fa, o no?
Si può credere abbastanza fermamente che la moda sia una forma d’arte, un linguaggio in costante evoluzione e aperto a chiunque voglia entrarci a scambiare un’opinione, o no? 

Sì, c’è della reiterazione voluta in questa serie di quesiti, giusto per stuzzicare la curiosità seminando un indizio essenziale per incontrare i protagonisti di questa nostra nuova storia fashion: se l’attenzione ha scovato l’indizio, e son certa che sia così, allora… benvenute nel giovane mondo di Ou Non!

L’aplomb à la français del nome del brand è un ulteriore divertissement: “ou non” vuol giustappunto significare “o no”, che accoppiato al punto interrogativo nulla ha a che fare con un dito indice puntato con l’arroganza di voler scolpire nella roccia un nuovo diktat in fatto di moda, bensì è il segno tangibile di voler offrire un nuovo punto di vista nato da una visione personalissima della giovane creatività di moda, e di volerlo aprire agli scambi e suggerimenti di tutti coloro che vorranno prenderne parte.

Ou Non è il brand nato dall’unione appassionata di Ottavia Vianson e Nicola Voltolini, del penchant artistico di lei, dell’occhio più legato allo sviluppo dei trend textile di lui: giovani sì, ovvero portatori sani di quella mischia bella di volontà entusiasta ad offrire il proprio contributo al guardaroba femminile, unita alla fiducia di tracciare step by step una strada nuova imprenditoriale. 

Esordienti sì, ma già ammirevolmente determinati nello scegliere la materia fashion da sperimentare per allestire la collezione dedicata alla prossima stagione Primavera-Estate 2018!

Se ci concedessimo di continuare a giocare con l’interrogativo offerto dal brand, anche questa presentazione sarebbe una nuova occasione di dialogo: si può volgere lo sguardo indietro ai quei favolosi anni ’90, senza invischiarsi nella nostalgia melensa e quindi nell’imitazione didascalica, o no?
Anzi, Ou Non?

Ma certo che si può, lo dimostra proprio la collezione s/s 2018, intitolata “Stealing Beauty”: vi ricorda qualcosa? Ok, la riposiziono in italiano: “io ballo da sola”: meglio ora? Esatto!
Quel meraviglioso film di Bernardo Bertolucci con protagonista una Liv Tyler in fiore, immersa nell’estate italiana dei colli toscani, alla ricerca di leggerezza, e di un bacio voluttuoso eppur così casto. 

La collezione p/e 2018 firmata Ou Non s’ispira proprio a quella ragazza avvolta nelle atmosfere languide del film: a quella femminilità più leziosa negli occhi che ci si appoggiano sopra che non nelle movenze ingenue e fresche che le appartengono, a quegli abiti leggeri come il suo animo che abita la nonchalance estiva, che diventano abiti sartoriali realizzati nella levità del popeline e del marocain, invasi da stampe che ricordano la goduria opulenta delle ciliegie succose, delle rose voluttuose; c’è anche il motivo Vichy, il principe della vita open-air, della grazia bucolica delle giornate passate nelle campagne calde, controbilanciato dal divertimento grazioso delle maniche dagli orli arricciati che scoprono voluttuose le spalle, ma senza alcuna esagerazione, come dimostra il denim casual arricchito di frange ludiche.

Ed il pop ‘90s? Voilà, eccolo nelle felpe e nelle t-shirt che sono un felice salto nel tempo: unisex, manica raglan, e quelle ciliegie stampate che non conoscono età!

The post Ou Non p/e 2018: do you remember the girly ‘90s? appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

“L’abito è anche un costume di scena ed è uno dei più potenti mezzi di comunicazione”: una frase che risuona salda, un’affermazione che prende per mano l’attenzione e la conduce al di là dell’apparenza meramente modaiola, all’interno di un percorso di ricerca intellettuale e materica eccellente, racchiuso in una mostra curata da un’istituzione altrettanto eccellente: ovvero “A.I. Artisanal Intelligence”. 

L’occasione specifica è l’appena trascorsa edizione di AltaRoma, le giornate dedicate all’alta moda italiana allacciate anche alla promozione della nuova creatività stilistica in fermento: splendore sartoriale e ricerca intellettuale, dove ben s’incastona la mostra intitolata “Prove Tecniche di Trasmissione”, accaduta negli spazi del Guido Reni District dal 6 al 9 luglio scorsi. 

Seppur terminata, la mostra lascia tracce pregiate di una riflessione rivelatrice: grazie alla cura di Clara Tosi Pamphili e Alessio de’ Navasques, essa accosta l’arte del costume alla creazione di moda, individua nella sartorialità artigianale il cuore che pulsa in comune per entrambe, e nella fase di prova un momento di sperimentazione fondamentale a sé stante, condensato nell’imperfetta imperfezione.
Moda e costume si appaiano, ça va sans dire, già dall’organizzazione: a comporre tale percorso espositivo sono state chiamate, infatti, l’Accademia di Costume e Moda, che da mezzo secolo affianca nella formazione le due discipline, assieme alle storiche sartorie teatrali della capitale, la Sartoria Farani di Luigi Piccolo, the One, e Pompei per le scarpe; tutte romane, come spiccatamente romana è l’attitudine a far collaborare e contaminare il costume e la moda.

Il fil rouge che si srotola nel percorso è suggerito già nel titolo: “Prove Tecniche di Trasmissione” proviene dagli archivi televisivi italiani, da quei primi anni ’70 in cui la tv subiva la metamorfosi dal bianco al nero verso il colore, ed un programma sperimentale mandava in onda immagini studiate per provare gli effetti cromatici della nuova tv.
Oggi, dunque, quei tentativi son simbolo di una nuova possibilità di creazione, dove i confini di separazione tra la prova e la trasmissione sfumano e, nel linguaggio sartoriale, trovano una nuova dimensione di concretezza: qui il tempo della lavorazione che conduce al bello della realizzazione finale e finita si scompone, si cristallizza nelle fasi intermedie, spalanca nuove visioni. 

Il viaggio d’esperienza ha inizio nell’arte: l’opera di Isabella Ducrot – le carte dipinte della serie “Abiti” e un grande fondale teatrale del 2016 per l’opera “Hanjo” di Marcello Pann– incarna i valori essenziali della ricerca e rielaborazione degli archivi, della manipolazione del manufatto tessile per dargli una nuova vita pittorica, del non-finito che in quanto prova è già perfetta e poetica, e per questo fornisce alla contemplazione gli strumenti per affrontare i passi successivi.
Dall’arte tout-court all’arte costumistica, la mostra prosegue con l’incontro con gli abiti frutto del talento misto alla couture del pluripremiato Gianluca Falaschi, per poi immergersi nell’atmosfera più giovane, esordiente, ma altrettanto ricca di valore, di dieci designer.
Dieci storie di riflessione, lavorazione e sperimentazione sull’artigianalità virtuosa, la sartorialità meticolosa, il design creativo innovativo e a tratti estroso, la sfida col tempo per raggiungere la concretezza che qui si sospende per lasciare spazio alle fasi di preparazione dispiegate sui tavoli da lavoro.
Dieci nomi che son quelli della tedesca Marie Louise Vogt con i suoi virtuosismi all’uncinetto; dell’indiana d’origine, londinese di nascita e nomade di spirito Bav Tailor che plasma capi di lusso sostenibile; del Pakistano Wali Mohammed Barrech che racchiude storie di viaggio nelle sue borse geometriche; dell’asiatica Alysée Yin Chen che scolpisce forme organiche nel tessuto; dell’italiana Fase Factory che mescola lo sportswear luxury alla filosofia di design nipponica.
Altrettanto italiani sono la mescolanza di artigianalità e innovazione del collettivo Apnoea, la fusione di rigore costruttivo e armonia volumetrica di Giuseppe Buccinnà, la naturalezza quasi cruda ed essenziale di Asciari, il design che vive dentro lo sorrere del tempo delle borse Trakatn e le opere d’arte scultorea delle borse firmate Roberto Scarantino.

The post A.I. Artisanal Intelligence: “Prove Tecniche di Trasmissione”, memorie di una mostra appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Quante declinazioni inaspettate, ma altrettanto ricercate, può avere il lusso, oggigiorno?
Domandina un pizzico provocatoria questa: eppure, trust me! quest’ouverture rigorosa vi accompagnerà dentro un racconto alla cui base giacciono i principi che a noi tanto piacciono.
Ovvero, la passione vera per l’eccellenza del saper fare ad arte, la fantasia sbrigliata dalle tendenze capricciose, la determinazione a creare con le proprie mani una moda che è frutto di amore e grande preparazione, custodita nella discrezione.
E, last ma assolutamente not least, quel tanto di orgoglio italiano che è sempre cosa buona e giusta valorizzare, assieme alla giovinezza dell’età e delle intenzioni, nonché delle aspirazioni.

Or dunque, questa è una storia che nasce dalla passione vasta che guida le mani sagge di Camilla Vaccari, e prende ancora forma nella nuova collezione della linea ribattezzata proprio con il suo nome, “Camilla”, dedicata alla stagione Primavera-Estate 2017! 

Alle orecchie degli affezionati lettori di questa nostra rubrica, il nome di Camilla certo risuonerà familiare: è stata lei, infatti, la voce narrante che, qualche tempo fa, ha guidato la sottoscritta nella scrittura dell’articolo a proposito di “Lo Fai: Handmade Bar”, spazio sinergico ubicato nella città di Piacenza che al suo interno abbraccia e promuove la creatività nuova allacciata al saper fare che il made in Italy insegna a chi ne sa accogliere i valori intramontabili.
Camilla appartiene proprio a questa cerchia: una cerchia intensa, composta di creativi sinceri, che tra l’immaginazione brillante e il talento allenato delle mani plasmano creazioni fatte della stessa sostanza del lusso. 

Ed eccoci riagganciati all’ouverture di cui sopra: scorrere le creazioni nate dal talento risoluto e garbato di Camilla non solo accarezza il gusto e solletica il desiderio, ma riesce a spostare gli orizzonti delle categorie un po’ più in là, oltre le consuetudini, là dove tutto è amore per la bellezza ben fatta. E consapevolezza. 

S’intitola “L’Asie rêvée” la nuova collezione p/e 2017 di Camilla: una carrellata di abiti che narrano di un’ispirazione preziosa, nata nell’intimità di una passione curata attraverso l’immersione curiosa nello studio denso delle arti e dei costumi, dedicata ad un Oriente tanto reale quanto un sogno lucido, dove ogni dettaglio appare all’immaginazione così tangibile come un’esperienza vissuta davvero fin nel profondo, e dunque del tutto lontano da facili orientalismi tout-court.
Tale predilezione che Camilla nutre per quest’affascinante terra lontana in occasione della collezione dedicata alla bella stagione corrente si sofferma ad Istanbul, in quello scrigno maestoso che è Topkapi Sarayi, il museo Ottomano della città. 

Un universo di bellezza intensa, di ricchezza ed opulenza, di sfavillii e sofisticatezza che non sono meri atti di vanità, ma il frutto di una cultura millenaria composta dalla stratificazione dei saperi di vari popoli: Camilla racconta questo bagaglio inestimabile attraverso il suo lessico inconfondibile, fatto di abiti dalle forme di un’eleganza asciutta che nella sua essenzialità lascia spazio alla ricercatezza dei dettagli lussuosi, racchiusi nella fattura d’alta sartoria dove sono le mani a prendersi cura delle lavorazioni e delle applicazioni preziose, mentre la scelta dei tessuti è riservata rigorosamente a quelli d’origine naturale e pregiata, come le sete e lo shantung dalle tinte accese e i riflessi metallici, che restituiscono indosso e nello sguardo gli stessi baluginii dei manufatti ottomani.
Ed in più, un pizzico di ellenismo sapiente, quello racchiuso nella celebre citazione oraziana “Graecia capta ferum victorem cepit”, ovvero un’ode alla forza della cultura classica cantata negli abiti con scollo a drappeggio e nelle plissettature.

Scegliere un capo ideato, realizzato e firmato da Camilla significa indossare un vero pezzo unico: con tutti i pregi del vero lusso, quello che ha a che fare con l’eccellenza accurata della qualità, impreziosito da un invito ad un viaggio fantastico, nel vero senso del termine!

The post Camilla Vaccari p/e 2017: L’Asie rêvée, un viaggio sognato nell’Oriente prezioso appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Prendendo in prestito una celeberrima affermazione incastonata nel nostro pensare tradizionale, e in un gesto di squisito egoismo fashion traslandola nel nostro riflettere sui massimi sistemi stilosi, verrebbe proprio da dire che: il talento creativo non ha età!
Eh beh, oramai sarete ben avvezzi all’entusiasmo che la penna che scrive queste parole serba nei confronti di quelli che una rigorosa gerarchia tende spesso a definire sbrigativamente “giovani”: ebbene, al di là dei conti anagrafici spesso si aprono scenari  di moda sorprendenti, dove lo sguardo si aggancia alla contemporaneità per tradurla in forme da indossare libere da regole massificanti e immerse in un’affascinante evoluzione d’innovazione.
Voilà un nuovo esempio emerito di tale gioventù creativa virtuosa: il brand The B. by Federico Barrazzo e la sua collezione p/e 2017!

Come mai una così lunga argomentazione d’introduzione a favore di uno scivolamento dei confini d’opinione oltre lo steccato delle cifre anagrafiche?
È presto detto: Federico Barrazzo, colui che del brand The B. è intraprendente fondatore e creativo, appartiene alla generazione 1992, ha attraversato il percorso di formazione in Fashion Styling presso lo IED di Roma e ha dato subito forma a quel che l’istinto e la passione gli suggerivano in quanto alla creazione di moda.
Ovvero lo styling sussiste come professione, ma diventa anche una via che si fonde nel fashion design puro, quello che ha la qualità alta della sartoria made in Italy.

A far da fil rouge tra la prassi della composizione visiva e la predilezione per il fare materico e manuale è la passione, profonda e costante, per la ricerca estetica e le sue concretizzazioni inaspettate.
Basta infatti far scorrere lo sguardo sulle creazioni che compongono la p/e 2017 per sentirlo agganciato dalla forza di una bellezza particolare, dove protagonisti sono una lei e un lui cittadini metropolitani che si scambiano ispirazioni e pezzi di collezione il cui stile è questione squisitamente personale, fatta di tagli netti e assenza di orpelli che son inni al minimalismo di superficie, in armonia con le forme d’eco geometrico che si fanno preludio delle particolarità di sostanza: i dettagli.

Come gli occhielli che compaiono sulle tasche o sui fondi dei pantaloni per ospitare il passaggio di fettucce in tessuto, che a loro volta attraversano gli scolli e trovano il paio nei prolungamenti delle bretelle a reggere cocktail dress più sporty che chic, bretelle che poi raddoppiano e s’incrociano sul retro dei crop top.
E ancora le cinte che allacciano in vita giacche di nylon impalpabile, al contrario della tangibilità brillante della palette composta di colori primari densi, temperati dalla delicatezza di toni più dolci.

Incontri e contrasti che si ritrovano anche negli accessori: borse-zaino e sacche da indossare per completare la sobrietà sorprendente del look firmato The B. !

The post The B. p/e 2017: ragione e sentimento di un guardaroba metropolitano appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Sono assai variegati i nomi con cui ormai si è avvezzi ribattezzarli, definizioni quali giovani, nuovi, esordienti, indipendenti: come fosse una sorta di caccia al tesoro della categoria perfetta entro cui raggrupparli, che però, forse per una buffa beffa del destino creativo, sembra non trovare davvero i suoi confini, perché son proprio questi i primi ad essere posti nel loro mirino per essere agilmente superati.
Non sarà infatti una pura coincidenza quell’etichetta che altrettanto spesso li accompagna: gli emergenti. Ed il buonsenso ci guida a percepirli proprio così: come coloro che emergono oltre le regole non scritte, ma acquisite, da sistemi più grandi eppur irrimediabilmente differenti. Sono i nuovi creativi della moda: giovani, tanto per età quanto per l’azzardo appassionato della ricerca stilistica genuina di cui sono portatori. 

Un esempio virtuoso e sorprendente? Voilà: Samuel Yang con la sua collezione p/e 2017 “Ephemeral Study 3”! Per tracciarne un ritratto non servirebbe alcun rigore biografico, piuttosto una lista disinvolta dei passi compiuti miscelati alle predilezioni: Samuel Yang mescola infatti l’origine cinese alla prestigiosa formazione britannica presso la Central Saint Martins, un’esperienza professionale da Alexander Wang e un suo studio multidisciplinare a Londra.
Abbraccia la moda come forma d’arte, l’amplifica nella cross-medialità dentro cui s’immerge per investigare i nuovi linguaggi fisici e visivi, linguaggi che diventano chiave di lettura di una moda che è squisitamente sua. 

Or dunque, nessuna usuale passerella per mettere in mostra le sue creazioni, bensì una presentazione, che ha significato anche il suo debutto alla settimana della moda milanese: o meglio, quasi un happening artistico tra l’interior curato da Thibaut Van Hoorebeke, opere dell’artista Jiang Sheng, video e immagini, ma con dentro proposte innovative e concrete di stile. 

La collezione p/e 2017 prende avvio da un concetto d’ispirazione ben preciso: “modernizing the old, aging the new”, uno spazio libero che si apre tra la tradizione e l’innovazione, dentro il quale Samuel Yang si muove per indagare le forme che l’Oriente classico può assumere nell’Occidente contemporaneo, mentre prosegue la sua personale ricerca estetica tra silhouette inaspettate e materiali inusuali.
Primo fra tutti: la gomma, materia duttile che crea dialoghi con il corpo riassunti da Samuel Yang in stivali dai toni cangianti, top, capispalla e slip dress da appaiarsi e combinarsi con tessuti eleganti e stampe serigrafate dei tipici motivi floreali cinesi, t-shirt decolorate dalle linee sinuose, rivisitazioni avanguardistiche dell’antico Qi Pao cinese, abiti che nel retro svelano una doppia identità e calzature sfiziose che raccontano i classici sandali infradito Geta. 

Samuel Yang: è davvero un piacere fare la tua conoscenza!

Samuel Yang p/e 2017: between new and tradition there’s the exploration

The names by which nowadays we’re used to call them are so varied, definitions like young, new, upcoming, independent: as if it was a sort of treasure hunt of the perfect category in which they should be enclosed, that indeed, maybe because of an odd joke of the creative fate, seems not able to define its boundaries, because actually those boundaries are the first aspects they have in their sight in order to be overtaken. In fact, it’s not a matter of mere coincidence that label that is very often fastened to them: the emergent. And our awareness leads us in order to feel them this way: as those who emerge from the unwritten rules, yet absorbed, by the biggest, yet irreparably divergent, systems. They are the new fashion creatives: young, for age as well as for the passionate dare of the genuine stylistic research they bring. 

Some virtuous and surprising example? Here you are: Samuel Yang with his s/s 2017 collection “Ephemeral Study 3”! You don’t need any biographical rigour to trace his portrait, instead you’ll just have a breezy list of the steps done mixed with the penchants: Samuel Yang, in fact, blends the Cinese origin with the prestigious British training at Central Saint Martins school, a professional experience at Alexander Wang in New York and his multidisciplinary lab in London. He embraces fashion as an art form, then he magnifies it within the cross-mediality inside which he dives in order to investigate new physical and visual languages, that he turns into the keys useful to create a kind of fashion that is exquisitely of his own. 

So, any habitual catwalk was used to show his creations, yet a presentation that also meant Samuel’s debut at the Milano fashion week: or rather, quite an artistic happening whit the interiors curated by Thibaut Van Hoorebek, Jiang Sheng’s art pieces, videos and pictures, among which there were some innovative and concrete fashion proposals.

The s/s 2017 collection starts from a well-defined inspirational concept: “modernizing the old, aging the new”, a free space expanding between tradition and innovation, inside which Samuel Yang moves to inspect the shapes that the classical East might assume in today West, while carrying on his own aesthetic research among unexpected silhouettes and unusual materials. First of all: the rubber, a supple matter that establishes dialogues with the bodies, that Samuel Yang sums up into shimmering boots, tops, jackets and slip dresses, items that are matched with elegant fabrics, discoloured t-shirts having soft lines, avant-guard interpretations of the antique Chinese Qi Pao dress, clothes that reveal a double identity on their back and fanciful shoes narrating the classical Geta sandals.

Samuel Yang: it’s such a pleasure to meet you!

The post Samuel Yang p/e 2017: tra il nuovo e la tradizione c’è di mezzo l’esplorazione appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Tra ibrido e moderno. Tra equilibrio e minimalismo.
Questi i concetti chiave portati in passerella dal designer giapponese Mitsuru Nishizaki per il suo brand Ujoh, l’ultimo new talent scelto da Re Giorgio per sfilare all’Armani/Teatro durante l’ultima settimana della moda milanese.

Sin dalla sua nascita nel 2009, Ujoh ha unito elementi ricercati e dettagli appartenenti al mondo sportivo a uno stile sartoriale e dall’allure elegantemente contemporaneo, per abiti dai tagli precisi e forme che enfatizzano l’equilibrio tra tessuto e volume. 

Per la collezione autunno/inverno 2016-17 Nishizaki, che ha un passato nell’ufficio stile di Yamamoto, ha combinato tagli essenziali, volumi destrutturati e dettagli iper curati per un multimix contemporaneo di sartoria e funzionalità, strizzando l’occhio al mondo sporty-urbano.
Creazioni essenziali e raffinate, arricchite tuttavia da una forte carica espressiva, hanno offerto una reinterpretazione dei capi più semplici, come i maglioni tessuti a mano, abiti con stringhe e camicie dai lunghi polsini arrotolati.

Spazio, poi, a capispalla fluidi e silhouette scivolate, rilassate.
I pantaloni diventano ampi e ricordano quelli delle tute che portavamo tutti nell’odiata ora di palestra a scuola.
Il quilting reversibile, riproposto in una varietà di tessuti come la flanella o il cotone forato, viene utilizzato per contrapporre parti di backpacks a abiti eleganti e giacche in lana, tutto su di una palette fatta di verdi e azzurri, con inserti in blu, kaki, nero e bianco.
I dettagli, curati in ogni minimo particolare, chiudono il cerchio sotto forma di pizzo sintetico a strisce, stringhe e nastri di piume.

Un design funzionale, ma allo stesso tempo distinto e ricercato, che riflette l’individualità di chi li indossa per il designer che sta spopolando in Giappone e piace tanto anche in Italia.
Sarà proprio questa la formula magica?

The post Sfila a Milano all’Armani/Teatro Ujoh, il brand di Mitsuru Nishizaki appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Energica, ricercata, pulita, tutti ricordiamo la scorsa collezione di L72, eletta vincitrice a luglio dell’ultima edizione di Who is on Next? progetto di scouting promosso da Altaroma in collaborazione  con Vogue Italia, tra gli applausi e l’ammirazione di tutti i presenti.

E sempre durante la manifestazione capitolina, Lee Wood, il designer inglese del brand, ormai trapiantato a Milano, ha presentato la sua nuova collezione autunno/inverno 2016-17 . 

L’acqua e la sua dea nella mitologia finlandese, Vellamo, sono l’immaginario scelto per le creazioni pensate per la prossima stagione fredda, Il tutto condito da spunti scenografici di tre film che, come protagonista assoluto, hanno il mare: “La scelta di Sophie”, di Alan J.Pakula; “Lezioni di Piano”, di Jane Campion e “La tempesta perfetta” di Wolfgang Petersen.
Un mix dove l’onestà e l’immensità dei mari burrascosi incontra l’analisi intimista e minimale che contraddistingue Lee Wood.

Ecco, quindi, che le forme e i volumi anni’50 di abiti dolci e sensuali e gonne a ruota che risaltano il punto vita, incontrano la sartorialità maschile e lo sportswear tecnico, richiamando le vele delle barche.
I ricami sottolineano l’ispirazione del mare ricreandone metaforicamente la turbolenza grazie alla presenza di tulle ed organze impreziosite dalla presenza di perline e paillettes nere, mentre un degradè di paillettes madre perlate sulla georgette sfrangiata richiama il pensiero delle conchiglie sapientemente lavorate su di una delicata organza.
Flash di arancio e giallo spezzano i look total black, white e blu navy.

Non perde la sua forza Lee Wood, portando in passerella un’estetica ben definita, fatta di una femminilità discreta ma dall’allure urban, perfettamente immersa nella realtà contemporanea.

The post Ad AltaRoma torna da vincitore Lee Wood con la sua L72 appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Dopo il successo delle prime due edizioni, si consolida la collaborazione tra Altaroma e Coin Excelsior per offrire un’esperienza di shopping contemporanea, ricercata e allo stesso tempo accessibile.
Il contemporary department store, infatti, per l’opening della manifestazione capitolina si è trasformato in un palcoscenico dove promuovere e far conoscere ad un ampio pubblico le collezioni di giovani talenti. 

Questa volta è stato il duo sardo di Quattromani a presentare la propria collezione autunno/inverno 2016-2017 con un fashion show che ha strizzato l’occhio alla performance artistica.
Le modelle, come su una passerella, sono scese dalla scala mobile al centro dello store, portando in scena un metissage stilistico dal sapore neo-artigianale, allure estremamente femminile e shapes neo-seventies

Filo conduttore della collezione Quattromani per la prossima stagione fredda è ancora una leggenda sarda, il rituale dell’Argia.
Secondo questa leggenda, quando qualcuno viene punto dall’argia, un ragno velenoso il cui morso pare sia talvolta letale, l’unico modo per guarire la vittima è farla ridere grazie a canti, filastrocche e ai balli a volte scandalosi di tre donne: una nubile, una sposata e una vedova. 

Ecco quindi silhouette fascianti nelle pencil skirt full color e nei pantaloni in panno, o nelle gonne-pantaloni in gabardine full print, mentre si fanno più affusolate e fluttuanti nei dress midi dal collo a fiocchetto, o nei maxi dress impalpabili, o ancora morbida e cedevole nei coat con inserti in ecofur multicolor.

Nell’ambito dell’inaugurazione e nelle settimane successive è stato possibile acquistare in anteprima una selezione di prodotti dei designer.
Un’ottima iniziativa quindi per accorciare le distanze tra fashion shows in senso lato e clientela finale.

The post L’opening di AltaRoma all’insegna del nuovo: da Coin Excelsior sfila la f/w di Quattromani appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.