SHIRTSTUDIO, il marchio di Alfredo Fabrizio ha partecipato all’ultima edizione del White dedicata alle collezioni maschili e alle pre-collezioni donna dello scorso giugno, dove ho avuto modo di ammirare nuovamente queste creazioni di cui mi sono follemente innamorato, non è un caso che qui sotto io vi posti un sacco di foto, perché vorrei davvero tutte le camicie di Alfredo.
Non potevo ovviamente sottrarmi a rivolgere qualche domanda al designer, aspettando i futuri di sviluppi di un progetto che ha ancora moltissimo da raccontare.

Come è nata la linea e perché un mono prodotto?
SHIRTSTUDIO nasce come progetto che vuole attualizzare un classico del guardaroba, la camicia da uomo.
Sentivo l’esigenza personale di poter trovare nel mio armadio un capo che fosse ripensato totalmente in chiave timeless.
Complice anche in qualche modo della nascita della linea fu l’aver visto la mostra c/ o Palazzo Reale di Milano, ‘ La camicia bianca secondo me. Gianfranco Ferrè’, ho capito la moltitudine di sviluppi, declinazioni che questo capo poteva offrire e che sta diventando la mia strada da percorrere professionalmente.

Ci descrivi i capi must-have della linea?
SHIRTSTUDIO prende ispirazione dalla classica pettorina da cerimonia, mixata con dettagli del mondo dell’uniforme e dello sportswear.
I must-have sono la shirt bianca con pettorina, capo che può accompagnarti dalla mattina all’ora dell’aperitivo, la camicia in popeline con dettagli di organza in contrasto per gli eventi speciali e la shirtjacket in nylon da indossare sulla camicia.

Ci racconti cosa hai portato all’ultima edizione maschile del White di giugno, se non erro hai introdotto delle novità, giusto?
Ho continuato ad approfondire e declinare il concetto della camicia timeless. Il mondo del classico “bastoncino” (tessuti a righe) viene rivisitato in modo del tutto personale, seguendo i tagli dei modelli iconici del brand. Il risultato è un gioco di righe scomposte, asimettriche e orizzontali che danno vita a originali effetti optical. Non mancano i modelli in bianco e nero che sono in parte rinnovati con embroidery oppure con un tessuto completamente ricamato effetto ‘à jour’.

Le tue icone di stile? A chi ti ispiri e chi pensi possa indossare i tuoi capi?
Se devo pensare a un personaggio pubblico, sicuramente Mika. I capi SHIRTSTUDIO sono ideali per un target ampio, da chi solitamente indossa camicie formali e che sente l’esigenza di trovare un capo che non possiede già, insomma non la solita camicia, a chi ricerca capi timeless e con personalità.

La tua idea di eleganza?
L’eleganza sta nelle cose semplici, senza eccessive costruzioni.
L’eleganza può essere anche una camicia con una sua identità che ti possa far contradistinguere e completare e rendere unico il look.

Cosa è il lusso per te oggi?
Lusso e gusti senza dubbi mutano di generazione in generazione, direi anche nell’arco della propria vita muta e si plasma con la crescita.
Oggi a mio avviso il lusso non è più esclusiva del possesso di un bene prezioso piuttosto che un altro, ma è la possibilità di disporre del tempo secondo le esigenze personali e non quelle indotte dalla società.

Sogni e progetti per il futuro?
Far sì che SHIRTSTUDIO venga riconosciuto come il brand per la camicia per eccellenza.

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Mi racconti la collezione?
Le notti molisane, tra sogni e ricordi di bambino, mi hanno ispirato per la collezione a/i 2016-2017. L’ho intitolata NOCTURNE DREAMS COLLECTION.
La Tombolo Clutch, il mio “gioiello” per eccellenza, diventa color Smeraldo, quasi luminescente e riflette il colore dei campi coltivati, durante le ore notturne, illuminati dalla luce della luna.
Poi ho preso dal cielo la mezzaluna, le nuvole e tutte le stelle e le ho incastonate sulle Domy Bags. Risultano morbide e tridimensionali poiché la pelle è stata imbottita per disegnarle perfettamente. Per non farle andar via le ho anche fatte ricamare a Tombolo, e tutti quei nodi, quegli intrecci, fatti a mano con l’ausilio di spilli e fuselli, le renderanno ancora più preziose.
Ho creato la nuova Little Star, la borsa a forma di grande stella. L’ho voluta oro, argento e nera perché lei è una donna elegantissima, ma anche gioiosa. Vuole intorno a se tante piccole stelline in ottone, smaltate nei colori black e gold. Ed infine la Cloud Pochette, un grande cielo stellato ed una nuvola imbottita di sogni.
Tutte sono state realizzate a mano, in nappa e vitello.
La palette è quella dei colori delle notti in Molise, quando da bambino, durante l’inverno, seduto sulla veranda chiusa, osservavo il panorama, con tutte quelle piccole luci sparpagliate sia in cielo che sulle colline, mentre nonna mi raccontava le leggende del paese.
Nero, dark blu, viola inchiostro, sabbia, verde sottobosco, oro e argento. Il tutto si gioca sulla contrapposizione di pelle lucida e pelle opaca.
Ma c’è un segreto che tutte le borse nascondono ed è inaspettato: quando le apri per scrutarci dentro, l’incisione sulla pelle con su scritto “DREAMS” ti ricorda la cosa più importante da fare sempre e nella vita. Sognare.

Quando hai deciso di creare borse?
Era la fine del 2014. Quei periodi durante i quali sta per finire un anno e ti trovi, tuo malgrado, a fare considerazioni su ciò che di positivo e negativo c’è stato. Lasciai il Molise, la mia terra natia, subito dopo la maturità classica. Ho studiato e vissuto a Milano, a Bologna. Ho viaggiato e lavorato in Cina, Giappone, Russia, Corea, India, Stati Uniti. Ho pianto di gioia a Tokyo, Los Angeles, Seoul e ho pianto di rabbia per la povertà di Delhi e gli occhi splendenti dei suoi bambini.
Ma poi sono sempre tornato a casa. E da qui sono partito con la voglia di rendere vive le tradizioni, la cultura e i sapori del Molise nelle mie borse.
Un sogno premonitore o forse troppo reale, mi ha incoraggiato: mio nonno paterno, una persona intuitiva, ingegnosa,  alla quale ero legato indissolubilmente, mi esortava a creare un qualcosa di mio, che portasse il mio nome e dunque anche il suo. E mi suggeriva ciò mentre era intento a realizzare una borsa color rosa antico.
Dunque decisi  di far nascere le mie borse da mani di artigiani che parlassero la mia stessa lingua. Decisi di crearle in Molise, in un piccolo laboratorio di artigiani pellettieri che lavorano la pelle da oltre 40 anni.
Immaginavo le mie borse passeggiare tra le strade e i vicoli che mi hanno visto bambino. Mi sarebbe piaciuto farle salire su un aereo e far loro visitare tutte le città che negli anni io ho visitato.
Vorrei parlassero a tutti in maniera intelligente. Non mi piacciono le menti chiuse.
Non sono dei semplici oggetti. Ma sono passione, amore, gioia. Tutto insieme.

Cosa distingue le tue borse? Quali le caratteristiche del marchio?
Le mie sono borse dallo spirito antico che vogliono vivere in un mondo moderno.
Ricordo quando mia nonna mi raccontava le storie del paese, accomodata su uno sgabello col cuscino broccato e polveroso, mentre l’aspro ronzio della macchina per cucire accompagnava la sua voce.
La caratteristica principale che le contraddistingue è il Tombolo, un antica tecnica di ricamo.
In Molise risale al 1503 una trina a tombolo prodotta dalle religiose del convento di S. Maria delle Monache. Questi ricami erano amati dalla Regina Giovanna III d’Aragona, che aveva avuto come appannaggio matrimoniale la città di Isernia da re Ferrante. La sovrana, durante i periodi di villeggiatura, istruita dalle più capaci signore di Isernia, si divertiva a lavorare sul tombolo con i fuselli, detti “ri tummarielli”, legnetti di forma allungata sui quali vengono avvolti i singoli fili.
Per le donne era simbiosi con il lavoro nei campi, con il lavoro in casa, con le galline che ruspavano becchime ed erba sull’aia.
Da bambine si imparava la difficile e faticosa arte del fare “ru pallone”; il tamburo circolare, imbottito in crine e segatura, ricoperto di morbido panno e stoffe colorate, era la base sulla quale veniva realizzato il pizzo intrecciando i fili e fissandoli opportunamente con degli spilli dalla testa colorata.
Era un’arte, quella dei “tummarielli” e spilli, che rovinava gli occhi ed a cui bisognava esercitarsi da bambine, altrimenti si perdeva la pazienza e non si acquistava la passione. Gli si dedicava l’impegno che si poteva, anche solo pochi minuti al giorno.
Quel lavoro per le donne era una specie di salvadanaio del tempo. Le mie borse amano vestirsi a festa.
Ma le mie borse sono anche donne riservate, non sfacciate.
Silenziose come quando, sedute, erano intente a ricamare e muovevano le mani sicure. Avevano ripetuto gli stessi gesti migliaia di volte.
Le dita danzavano con rapidità stringendo i fuselli, che ora tendevano il filo sottilissimo e ora lo allentavano, per trasformarlo in un minuscolo nodo tra migliaia.
Lo spillo pungeva il disegno, trafiggeva la carta, e si nascondeva dopo aver tratteggiato astratte geometrie. Le mie borse amano vestirsi “a tombolo”, ricamate con quella stessa tecnica. È proprio per questo che mi piace parlare de “il bello fatto a mano”.
Voglio dare alle signore che scelgono le mie borse tutto l’occorrente per intraprendere il suo viaggio.
Le mie borse gli faranno compagnia e se qualche volta si ritroveranno nostalgiche e pensierose, basta aprire la borsa e osservare il proprio sguardo: non è mai stato così felice perché riflette i posti che più hanno amato.

Sogni e progetti per il futuro?
È appena passato un anno. Un anno ricco di emozioni perché sono riuscito a realizzare il mio sogno del Made in Italy e soprattutto del mio Made in Molise. Un anno durante il quale ho lottato affinché tutte le mie borse fossero interamente realizzate in Molise, nel laboratorio dove quotidianamente ci sporchiamo le mani, proviamo, ci scoraggiamo, ma subito dopo ci diamo la forza per andare avanti.
In questo anno ho visto le mie borse volare in California ed è un piccolo passo che mi ha riempito il cuore di gioia poiché il mio scopo è quello di far vivere l’artigianato italiano anche fuori dall’italia, il più lontano possibile perché soltanto noi italiani abbiamo questo grande dono e questa importante cultura da salvaguardare.
Io nel mio piccolo ci sto provando e ne vado fiero.
Cosa mi auguro per il futuro? Che le mie piccole opere d’arte siano presenti nei posti più belli e significativi al mondo, ma soprattutto che siano indossate da chi realmente comprende che dietro alla creatività c’è tanto lavoro e sacrificio. Degli artigiani in primis, ma anche mio e della mia grande famiglia che mi supporta e crede in me.
Ho un compito da svolgere: far sognare attraverso la mia storia e attraverso le mani sapienti degli artigiani molisani che trasformano i sogni in realtà da indossare!

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Come sei arrivato al mondo dello stile e degli accessori? Come è nato Poculum?
Ci sono arrivato per caso, durante un normalissimo giorno di lavoro nella vetreria nata a Porto Sant’Elpidio nel lontano 1957 dalle mani artigiane di mio nonno e mio padre. Ho applicato ad uno specchio dalla sagoma umana, il primo papillon di vetro temperato al mondo. Osservando l’accessorio ho pensato: “Perché non posso indossarlo anche io?”.
Subito dopo lo indossai ad una festa e tutti mi fecero i complimenti chiedendomi dove l’avevo preso; da lì ho capito che avevo creato un’alternativa al classico accessorio . In seguito informandomi e confrontandomi con amici, partenti ed esperti decisi di provare a metterlo in commercio, capendo che avevo inventato un nuovo modo per impreziosire questo accessorio moda, mancava solo un nome.

Perché hai deciso di chiamare il progetto Poculum?
La storia del nome è divertente, volevamo un nome semplice, facilmente riconoscibile e riconducibile al prodotto; così, dopo varie ricerche in rete, viene fuori una parola Poculum; che si riferisce alla lavorazione del vetro in latino.
A chi si rivolge Poculum? Quale è il suo pubblico di riferimento?
Poculum, si rivolge ad un pubblico originale, che osa nel vestire, che è legato all’artigianalità e soprattutto al made in Italy.  Ogni persona che sceglie Poculum, indossa la manualità e l’unicità del pezzo unico, sceglie quindi di essere parte fondamentale del nostro brand.
Dove troviamo Poculum?
Poculum si trova nelle migliori boutique Italiane e non, oppure sempre disponibile sul nostro shop online www.poculum.com.
Progetti per il futuro?
La mia testa non si ferma mai, sono sempre in fase creativa!

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Our fashion heroes: Jean Paul Gaultier!

È sicuramente uno dei designer più rappresentativi della creatività contemporanea. Mescolando in giuste dosi irriverenza e spirito pop, conoscenze sartoriali e gusto per i coup de théâtre, per oltre tre decenni Jean Paul Gaultier è stato non solo l’enfant terrible della moda francese, pronto a stupire ad ogni sfilata, ma anche uno degli stilisti maggiormente riconosciuti e idolatrati.
Come ben prova una mostra a lui dedicata che ha girato il mondo, arrivando alla decima tappa, quella parigina, dopo l’inaugurazione a Montreal nel 2011, Gaultier è stato capace di uscire dalla nicchia dei fashion addicted, che tanto lo hanno osannato, per diventare figura conosciuta al grande pubblico e lo ha fatto grazie alle sue testimonial, da Amanda Lear a Beth Ditto, da Kylie Minogue a quella Madonna che indossando un body dorato coi seni a cono lo ha fatto entrare nella storia del costume, ma non solo. Ci è riuscito anche, e soprattutto, grazie ad una moda che è stata attenta al mondo circostante, capace di cogliere messaggi sociali, vera cartina tornasole dei cambiamenti.
A Gaultier si devono sfilate in cui si inneggiava alla multiculturalità, collezioni che hanno esplorato il concetto di genderless ben prima che diventasse termine da telegiornale, abiti in cui il sopra e il sotto, il fuori e il dentro si sono scambiati di posto, giocando con la gravità, in cui la sensualità è stato al servizio del cambiamento nelle abitudini della gente.
Non è un caso che, nel realizzare costumi per il cinema, Gaultier abbia scelto il futuro di “The Fifth Element” di Luc Besson e la critica alla tv spazzatura di “Kika. Un corpo in prestito” di Almodovar, regista al quale spesso è stato paragonato per irriverenza, ma anche per acume e sguardo tagliente. Nel suo percorso Gaultier è andato spesso a sottolineare nuove tendenze, ma anche come queste si intersecavano con il nostro heritage, le nostre radici. In tal senso va vista una famosa collezione ispirata al guardaroba tradizionale degli ebrei chassidici e quella che forse più lo rappresenta negli anni Novanta: la collezione per la s/s 1994.
In un gesto quasi naturale, per quanto rivoluzionario, lo stilista propone un melting pot vestimentario, dove la sua marinière incontra capi provenienti da altre culture, dove il kilt e gli anfibi sono indossati da modelle dal cranio rasato e tatuato, ma anche da personaggi che vengono dalla strada, pieni di piercing, dove protagonisti sono proprio i tattoo sulle magliette in tulle, sulla pelle dei modelli, sui capi aderenti e body conscious.
Il risultato finale è un guardaroba che sposa la silhouette del diciottesimo secolo con l’attitudine dei club kids newyorchesi, andando a sdoganare uno stile che fino a quel momento era riservato a manifestazioni del settore. Non abbiamo più guardato ai tatuaggi allo stesso modo, una generazione ha scoperto quanto possa essere affascinante portare simboli, linee, colori e immagini sulla propria pelle, mentre il piercing ha acquisito una valenza mainstream, uscendo dai ritrovi underground e dai libri etnici.
E nello scegliere il personaggio della moda da citare in questo primo numero potevamo non pensare a lui? Non ci resta che dire: Vive Jean Paul!

Immagini realtive alla sfilata s/s 1994 di Jean Paul Gaultier.
Fonte: http://designandculturebyed.com/tag/jean-paul-gaultier/

Trovate la versione in inglese di questo articolo nel primo numero di Fashink, ora arrivato alla terza uscita. Potete trovare tutto qui!

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Mentre la mostra “Il Nuovo Vocabolario della Moda Italiana” continua alla Triennale di Milano, io ho il piacere di parlare con alcuni dei giovani designer invitati e presenti con alcune loro creazioni nell’importante spazio del capoluogo lombardo.
Oggi tocca ad un brand che io amo molto e che uso nei miei lavori come stylist: SuperDuper Hats. Conosco da tempo Matteo Gioli, Ilaria e Veronica Cornacchini, i tre fondatori di questo marchio, ricordo che dedicai a loro uno spazio quando ancora ero fashion director di una rivista indipendente, e si parla del 2011.
Li ho incontrati spesso, soprattutto a Pitti Immagine, dove nel giugno del 2013 sono anche stati vincitori dell’edizione al maschile del prestigioso concorso “Who’s on Next?”. e ad ogni edizione ammetto che è proprio un piacere fermarmi e farmi raccontare le novità, spesso davvero all’avanguardia nel mondo dei copricapi.
Non potevano mancare in questa mostra e io non mi potevo esimermi dal far loro qualche domanda. Ecco la mia chiacchierata con Matteo, Ilaria e Veronica, ovvero i SuperDuper Hats.

Perché avete accettato di far parte di questo progetto e quale l’emozione di avere alcune vostre creazioni in mostra in un luogo così importante come La Triennale di Milano?
Parte della risposta è già nella domanda. Abbiamo accettato proprio per vivere l’emozione di poter vedere parte del nostro lavoro in un luogo così culturalmente importante come la Triennale.
E poi dopotutto come potevamo tirarci indietro all’invito a partecipare ad una mostra volta a celebrare l’Italia della moda contemporanea e i suoi protagonisti?!
Credo che sia il sogno di ogni (giovane e non) designer. E noi siamo felicissimi e orgogliosi di essere presenti.

Il cappello Half, di Superduper Hats, in versione nera e nude.

Quali pensate siano le voci più importanti di un ipotetico vocabolario della moda italiana, pensando al passato, ma anche al presente?
Passione; lealtà; attenzione; sogno.

Come pensate che manifestazioni come queste aiutino i designer della nuova generazione di made in Italy?
Questa mostra è d’importanza fondamentale per i creativi della nuova generazione, perché punta i riflettori sulla scena degli ultimi 20 anni del panorama moda italiano, quando invece a livello internazionale solitamente pensando a moda+made in italy si è sempre più portati a far riferimento ai grandi nomi storici affermatisi prima degli anni 90. Il Vocabolario della Moda Italiana pone proprio l’attenzione sul fatto che dopo quell’ epoca è avvenuto qualcosa di importante, che in parte deriva dall’eredità di un preziosissimo passato, ma dall’altra dalla trasformazione e dalla rielaborazione di questa eredità. Il tutto avvenuto in un periodo storico/economico non tra i più generosi.

Mi dite più genericamente la vostra parola preferita del vocabolario?
Siamo tre quindi scegliamo tre tra i lemmi che caratterizzano la mostra, che credo siano quelli che possono riassumere meglio l’essenza del nostro progetto: Materia; dettaglio; laboratorio.

Il copricapo Pineapple, anche versione cap.

Quanto pensate sia importante l’accessorio in un momento creativo come questo?
Noi di certo siamo di parte, ma ci sentiamo di dire che l’accessorio è tutto, è la ciliegina sulla torta che cambia le luci della scena.
L’abito può trasformarsi molto con l’accessorio, forse il contrario è più difficile.

Il Mercurial Hat, nelle sue tante anime, grazie ad una zip!

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Conosco Roberto Basciu da un po’ di anni, grazie ad un amico comune che ci ha presentato, ho seguito il suo lavoro, soprattutto come arredatore di interni, e ci è capitato di condividere piacevoli serate, ricordo ad esempio ancora una cena a Milano dove al tavolo, oltre a noi, c’erano anche Stefano Mastropaolo di dapasserella.it e la bravissima Bianca Maria Gervasio, all’epoca creative director di Mila Schön.
Roberto è una persona solare e ricco di energia, caratteristiche che lo rendono un amico piacevolissimo, ma è capace di profonde introspezioni, e questo nel suo lavoro porta a riflessioni e risvolti sempre nuovi. Personaggio poliedrico e pieno di iniziativa, creativo a 360 gradi, Basciu ha fatto della terra di origine, la Sardegna, dove è tornato dopo anni di assenza, una continua fonte di ispirazione. Non mi stupisce quindi che ci sia molto di questa regione nei suoi progetti, così come non mi giunge inaspettata la sua voglia di intraprendere un cammino più vicino alla moda.
Lo fa con delle illustrazioni da lui realizzate, che vengono dalla tradizione sarda, ma viste in un’ottica contemporanea, e che trovano vita su magliette e teli da bagno. Io mi sono innamorato dei Balente di Basciu e non vedo l’ora di vedere che evoluzione avrà questo progetto, del quale ovviamente saprete di più leggendo l’intervista che ho fatto al designer. Ecco a voi il mio ‘botta e risposta’ con Roberto Basciu!

Perché hai deciso di iniziare questa nuova avventura? E perché le magliette?
Come tutte le mie avventure, anche questa è iniziata per caso. Sono anni che mi diletto con i bozzetti di moda e parecchio tempo fa decisi di utilizzare una parte di essi, quelli ispirati alla tradizione sarda, per ricoprire un telaio in ferro e ricavarne una lampada  fuori scala per la mia linea di arredo. Tutto è partito da quella lampada, anzi per usare il titolo di una fiaba è stata la mia lampada di Aladino.
Ho deciso di iniziare con le magliette, innanzitutto per la passione che ho per queste da sempre, ne possiedo centinaia, e poi perché mi piace l’idea di portare addosso e far indossare un mio disegno, una storia legata alle mie tradizioni, una mia passione. E senza contare che come capo di abbigliamento, è alla portata di tutti e per tutte le età.

Le T-shirt di Roberto Basciu.

C’è un chiaro riferimento alla tua Terra. Quanto è importante la Sardegna per la tua creatività? In che modo ti influenza?
La Sardegna, anzi la “Sarditudine”, è nel mio Dna, anche se ho scoperto la mia isola dopo anni trascorsi tra la Svizzera e il Piemonte. Penso che questa scoperta tardiva sia stata la scintilla di un grande amore che dura immutato anche oggi. Averne scoperto le tradizioni e i suoi costumi dopo anni passati al di là del mare me l’ha fatta amare con una consapevolezza del tutto diversa sicuramente più matura e ragionata.
Ormai l’influenza è continua e costante, soprattutto per quella parte dell’isola che è la Barbagia: terra dura, di grande impatto, con i suoi uomini d’onore poco inclini alle smancerie e con un grande senso dell’ospitalità e dell’amicizia e con le sue tradizioni legate ad un artigianato raffinatissimo che va dai tappeti ai gioielli, la terra dei miei Balente. 

I Balente di Roberto Basciu sul telo da mare.

La tua è una creatività poliedrica. Dall’architettura di interni all’illustrazione, mi dici quali sono stati i momenti più importanti del tuo percorso?
La mia poliedricità deriva dalla mia grande curiosità, che ho sempre avuto, per tutto ciò che è creativo: da un progetto di interni ad un mobile, da una lampada ad un capo di abbigliamento. Sono assolutamente affascinato e rapito da quello che viene chiamato progetto. Lo studio iniziale, la ricerca, in poche parole la costruzione di un’idea, la scelta dei materiali e non ultima le varie fasi della realizzazione. Sono un vero animale da cantiere e laboratorio. Mi piace infatti sporcarmi le mani e confrontarmi con i bravissimi artigiani che lavorano con me.
I momenti più importanti sono senza dubbio quelli legati alle sfide che mi pongo costantemente, come passare dai progetti per il privato a quelli per le grandi griffe di moda, oppure transitare nel mondo del design per poi sperimentare con quello del fashion. È più forte di me, ho bisogno infatti di nuove sfide per sentirmi vivo.
È un lavoro che ho scelto all’età di 14 anni (o forse è lui che ha scelto me ) e da allora continuo a trasformare quel sogno di ragazzino in realtà.

Il tuo rapporto con la moda. Come vedi questo mondo e cosa ti affascina in esso?
Il mio rapporto con la moda si perde nella notte dei tempi. Se ne occupava mia madre e si può dire che io sono cresciuto tra tessuti e riviste. Mi è sempre piaciuta la moda, così come mi piace sperimentare e mixare stili diversi tra di loro. Ho un debole per il vintage e tutto ciò che è abbigliamento militare.
Della moda mi affascina tutto quello che c’è dietro le quinte quindi la ricerca dei tessuti, la costruzione di un dettaglio, l’uso delle nuove tecnologie, il perdermi negli archivi delle grandi maison, senza tralasciare l’organizzazione delle sfilate e la realizzazione dei servizi fotografici.
Provo una grande ammirazione per chi riesce a reiventarsi senza tradire il proprio Dna come Prada. Tra i giovani amo senza riserve i ragazzi di Quattromani che riescono a fare una moda contemporanea e sobria con un occhio attento e raffinato alla nostra tradizione tessile. Mi piace anche Andrea Incontri, designer di grande cultura e riservatezza. Diciamo che ho sempre detestato chi urla e ostenta. Non ultimo provo una stima infinita per Marcelo Burlon e per il suo lavoro.

Progetti per il futuro?
Nel mio futuro prevedo sempre meno spazio per l’architettura d’interni e sempre di più per il design e la moda. Nell’immediato sto preparando un nuovo tavolo per il Salone del Mobile e sto portando avanti lo studio dei prototipi della linea Home dedicata ai Balente.
Saranno oggetti per il quotidiano che vanno dalle ceramiche ai tessuti. E ancora ci sarà un ampliamento delle T-shirt con nuovi modelli e della linea mare ed anche una sorpresa per il prossimo inverno … ma questa è un’altra storia.

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Il gioiello come oggetto feticcio personale, carico di significati intimi, inanimato testimone delle nostre emozioni più forti, se potesse parlare racconterebbe molto di noi, a partire dalle nostre risate e dalle nostre lacrime. Un nome come Voodoo Jewels non deve spaventare perché, sebbene abbia un chiaro rimando gotico, è anche capace di rinviare a quelle caratteristiche di appartenenza e di profondità che noi riponiamo in accessori come gli anelli o una catenina da portare al collo.
Livia Lazzari lo sa bene e le sue creazioni, chic e stilosissime, hanno sempre al contempo qualcosa di grezzo che fa pensare alle inclinazioni dell’animo, alle sfaccettature più nascoste del nostro io e dei nostri desideri.
Conosco Livia da un po’ e ho già avuto modo di apprezzare la sua linea in diversi momenti, come al recente Fashion Hub, tenutosi durante la passata settimana della moda milanese dello scorso settembre, dove i Voodoo Jewels di Livia erano esposti con le creazioni di altri designer emergenti, esempio dell’impegno che la Camera Nazionale della Moda Italiana sta mettendo per promuovere il giusto ricambio generazionale nel made in Italy legato alla moda e agli accessori.
Ora con i suoi Voodoo Jewels Livia Lazzari è uno dei nomi presenti alla Triennale di Milano nella mostra “Il Nuovo Vocabolario della Moda Italiana”, scusa ottima per me, che da un po’ volevo farlo, per raggiungerla e farle qualche domanda. Ecco la nostra chiacchierata!

Perché hai accettato di far parte di questo progetto e quale è l’emozione di avere una tua creazione in mostra in un luogo così importante come La Triennale di Milano?L’emozione di essere parte di tutto questo è incredibile. Sono onorata e fiera di poter esporre i miei lavori in un contesto autorevole come la Triennale, accanto ad altri designer che stimo e apprezzo moltissimo. Questa mostra racconta il presente della moda italiana attraverso una visione articolata e completa, andando davvero a fondo nella ricerca delle realtà che oggi formano il tessuto creativo e imprenditoriale nazionale. Legittima tutto il panorama delle realtà indipendenti ed emergenti, attribuendo ad ognuna il ruolo di fondatrice di una nuova fase nella storia della moda italiana.

Quali pensi siano le voci più importanti di un ipotetico vocabolario della moda italiana, pensando al passato, ma anche al presente?
Due parole che possono sembrare in contrasto: “Tradizione” e “Rivoluzione”.
Abbiamo la fortuna di avere la tradizione creativa nel nostro dna,  forse la più importante al mondo. Dobbiamo sempre tenerlo a mente nel nostro processo di innovazione.
Come nuova generazione di designer siamo tenuti a cambiare i canoni stabiliti, stravolgerli per creare nuovi linguaggi, un nuovo vocabolario della moda. Ma dobbiamo mantenere sempre un occhio rivolto al passato, nel rispetto del made in Italy.

Come pensi che manifestazioni come queste aiutino i designer della nuova generazione di made in Italy?
Queste manifestazioni sono fondamentali per noi designer emergenti. Sono un riconoscimento per il lavoro di ognuno di noi, anche a livello “istituzionale”. In un mondo dove l’unica cosa che conta sono il numero di follower sui social, queste occasioni vanno al di là delle dinamiche dettate dalla stampa e dal web. Premiano la qualità dei nostri progetti e soprattutto il nostro coraggio, nel cercare di dire qualcosa di nuovo e innovativo.

La tua parola preferita del vocabolario italiano?
Ne ho due: “Desiderio” e “Tenacia”. È un po’ come dire che tutto ciò che puoi desiderare, lo puoi ottenere.

Quanto pensi sia importante il mondo del gioiello per questo rinnovato made in Italy di stile?
In questo panorama, credo che il mio lavoro e quello di alcuni miei colleghi sia fondamentale per dare una nuova vita al mondo del gioiello in Italia. Un mondo statico, legato a vecchi stilemi. L’obbiettivo di Voodoo Jewels è proprio quello di creare un prodotto di lusso la cui preziosità non sia legata solo all’uso di materiali costosi, ma alla capacità realizzativa e artigianale dell’uomo e all’unicità del prodotto.

Immagini del lookbook Voodoo Jewels f/w 2015-16.

Sogni per il futuro?
Chi sceglie questo lavoro deve sognare in grande. Io spero di raggiungere il successo, senza snaturare lo spirito di ricerca che mi ha sempre guidato. Voglio continuare a crescere come designer e come artigiana, contribuire con Voodoo Jewels a rafforzare l’identità della nuova generazione di designer. L’impegno che metto ogni giorno per portare avanti il mio progetto, darà i suoi risultati.

Immagini della s/s 2016 di Voodoo Jewels.

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Studiopretzel ha partecipato alla seconda edizione dei Global Denim Awards, tenutasi ad Amsterdam, con una capsule collection realizzata in collaborazione con Berto Industria Tessile, cui è andato il premio onorario per il “Best Fabric”, come riconoscimento per i tessuti denim innovativi.

Qui potete ammirare le foto della collezione e a seguire dell’evento, ma non potevo non contattare il designer per sapere di più dell’importante manifestazione e farmi raccontare le sue impressioni.

Foto: Marco Casella
Location: Berto Industria Tessile, Bovolenta
Models: Valentina Maschi e Fabio Porta

Ed Emiliano mi ha raccontato questo: “Inizierei con due parole sulla collaborazione. Mi servo dei tessuti di Berto Industria tessile da diverse stagioni, ma solo da quest’anno sono entrato nel loro progetto costruito per sostenere ed aiutare i designer emergenti che si chiama #berto4youngtalents. Quando mi hanno proposto di sfilare ad Amsterdam come loro designer ovviamente è stato un bel momento. Sono andato in azienda da loro, a Bovolenta, e mi hanno messo a disposizione praticamente tutto, anche tessuti e lavorazioni che non erano ancora concluse o in fase di sviluppo.
Mi sono così trovato ad utilizzare per questa capsule un denim che aveva caratteristiche molto trasversali.
Non solo il classico, che siamo abituati a vedere per fare un esempio con il jeans, ma anche operati molto particolari che mescolano lana e cachemire insieme col cotone. Se infatti si guarda la collezione, solo alcuni capi ricordano il denim più classico, mentre il resto sembra un mix di diversi materiali. In effetti è così, ma sono tutte varianti del denim. Questo è stato l’aspetto più interessante per me di questa collaborazione, perché invece di mettermi in difficoltà nel costruire una capsule di solo denim, mi ha anzi facilitato il compito, avendo così tanta varietà di colori, mani, pesantezze sul tavolo.
Il premio che abbiamo vinto come BEST FABRIC lo trovo giusto, dato il lavoro esponenziale di ricerca che è stato fatto in questo senso. Trovo anche giusto che il premio per BEST DESIGN l’abbia vinto Andrea Diletto, che ha costruito una collezione impeccabile.”

Non mi sono limitato a chiacchierare con Emiliano, perché un altro amico è stato coinvolto in questa avventura e, ovviamente, non potevo non raccogliere anche la sua testimonianza, sto parlando di Luca Cornelio Lovato, che con il suo Kjøre Project, ha collaborato con Studiopretzel per gli accessori, che vedete anche in queste foto.
“La decisione di collaborare con Emiliano di StudioPretzel è stata veloce, quanto decisa, ” così mi racconta Luca, “Emiliano trasmette amore e passione per la sua collezione, ed è quello che è bastato per farmi accettare di collaborare con lui. Kjøre Project attenta ai dettagli e con altrettanto amore, ha subito deciso di unirisi al gruppo e alla proposta di realizzare una capsule collection appositamente per i Global Denim Awards.
L’emozione è stata indescrivibile, la prima volta in passerella, penso sarà un ricordo indelebile per sempre. E ammetto che: “The winner is ‘’Berto’”,’ le parole con cui hanno annunciato al vittoria nella categoria Best Fabric, mi risuonano ancora nella mente. Un esperienza indimenticabile.”

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Le foto della sfilata ai Denim Global Awards. PHOTO © 2015 TEAM PETER STIGTER

PHOTO © 2015 TEAM PETER STIGTER

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Come ti sei avvicinato alla moda? Quando hai deciso di creare un marchio?
Il mio avvicinamento alla moda è stato molto naturale essendo figlio e nipote di sarta. Da piccolo ho sempre visto in giro per casa aghi, spilli, tessuti, cartamodelli, abiti imbastiti. E poi per me era divertente creare giochi con i rimasugli di tessuto, con le cerniere e con i bottoni.
Da grande ho capito che quello non era solo un gioco, ma una vera e propria passione; da lì la voglia di tramutare un sentimento in un vero è proprio lavoro.
Sono un persona estremamente autocritica. Ho sempre avuto paura di mettermi in gioco. Ma nel 2011 dopo tanta gavetta e dopo un ritorno forzato in Sicilia, ho deciso di mettermi in gioco. Mi son detto: “Proviamo! Cosa ho da perdere, in fondo? Nulla!”.
E da quel momento è nata la linea salvopresti, una linea di prét-â-Couture che porta il mio nome.

Mi racconti il tuo stile? Che cosa ti  ispira?
Mi definisco eclettico, interessato ad ogni cosa, sono in continuo divenire. Non so se posso affermare di avere un mio “personale linguaggio stilistico”. So per certo che alcuni aspetti del mio lavoro rimangono tuttavia inalterati,  caratteristiche sulle quali sto costruendo la mia neo carriera: alta qualità, sartorialità e ricerca dei dettagli.
Nella vita in generale sono un vulcano di emozioni, per cui quando creo mi lascio emozionare. Da un tessuto, da un ricamo, da un colore, da una musica, da una frase letta in un romanzo, da un dipinto.
Per me è ispirativo tutto ciò che provoca o suscita emozione.

Quali le tue icone di riferimento?
Sono sempre stato affascinato da chi è andato contro corrente e sopratutto da chi ha fatto della propria persona, del proprio corpo e della propria immagine un mezzo di comunicazione. Parto da Gina Pane e una corrente come la Body Art per arrivare ad Anna Piaggi o Iris Van Herpen.
Penso a donne eclettiche, forti e magnetiche che attraverso il loro corpo, attraverso quello che hanno indossato e indossano, attraverso il loro modo di essere fuori dalle righe hanno detto, sussurrato o urlato qualcosa.

Come è nata questa collezione?
Questa collezione nasce con il preciso intento di dare risalto alle texture, invitando la donna ad una rivoluzione neo romantica che abbandoni ogni nostalgia bohémien- chic  per concentrarsi su un mood forte e sexy, da vera party-girl.
Protagonista della sera sono i colori decisi, come il viola lacca, il rosso vermiglio e il rosa skin fluo. Per il daywear abiti dal sapore retrò in rete modal, pizzi e pellicce dai colori acidi.
Un mix di  sensualità dichiarata e moderno bon ton.

Quanto l’essere stato un personaggio mediatico ti ha aiutato in questo percorso?
Non credo che l’essere personaggio pubblico (per un brevissimo arco di tempo) mi abbia aiutato…anzi. Il mondo della moda in Italia è molto criptico. E chi viene da un reality non viene visto di buon occhio.
Ma ho sempre preferito che a parlare per me fossero le mie creazioni e non io. Solo così, pian pianino, cercherò di conquistare la fiducia degli addetti ai lavori. Il buon cavallo si vede sulla lunga corsa.
Ed io ho appena iniziato la mia gara.

Quanto invece vivere in una regione meravigliosa come la Sicilia, ma lontana dalle capitali della moda, ti è di aiuto e quanto ti mette in difficoltà?
Stare in Sicilia mi aiuta perché chiaramente qui ci sono i miei affetti. Vivo in una Terra che è che una fucina di idee. Purtroppo questa scelta mi porta lontano dai centri nevralgici del vero fashion system.
Ma con l’avvento di internet e soprattutto dei social network, magicamente le distanze si accorciano. E quindi sento meno il peso delle distanza. Anche perché quando posso, un salto a Milano e/o Parigi per respirare un po’ di aria di “moda” internazionale, lo faccio volentieri per ricaricarmi.

Sei agli inizi, come pensi il fashion system italiano potrebbe aiutare di più le giovani leve come te?
Negli ultimi anni, per fortuna, c’è stata una grande campagna di valorizzazione e rivalutazione delle giovani leve e dell’artigianalità.
Lo stesso Giorgio Armani è sceso in campo difendendo i giovani e “l’Handmade”, offrendo, addirittura, il proprio Teatro come scenario per le sfilate di designer emergenti. Chiaramente si potrebbe e si deve fare molto di più.
I giovani e l’artigianato sono una grande risorsa, spesso poco evidenziata. Dobbiamo agevolare la nascita di un sentimento nuovo, un sentimento di ottimismo e fiducia verso chi, come me, ha voglia di fare seriamente; un bene che va curato e nutrito, ma soprattutto difeso con maggiore energia.

Qual è il tuo ideale di bellezza?
Sono terribilmente attratto da fisicità etere, diafane, quasi androgine. Le silhouette essenziali sono per me magiche.

Che cosa è elegante, invece?
Una camicia bianca rubata al guardaroba di lui indossata con un filo di perle scaramazze.

Come vedi il tuo futuro?
Sono un ottimista, per me il bicchiere è sempre mezzo pieno, ma allo stesso tempo anche uno con i piedi ben piantati per terra. Progetti tantissimi, centinaia, forse migliaia, non so quanti di questi andranno in porto e quanti affonderanno e non importa perché bisogna andare avanti lo stesso.
Sogni? Sfilare nel Teatro di Giorgio Armani come debutto in fashion week. E da li in poi essere “sempre presente” in calendario. Lo so che un mega sogno, ma visto che sognare non fa male e soprattutto non costa nulla, perché non farlo in grande?

Tutte le foto in questo post sono state scattate da Giuseppe Di Forti.

Un ritratto del designer realizzato da Mario Avellina.

Per saperne di più vi rimando al sito di Salvo qui.

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Come hai iniziato e quando hai deciso che la moda era il tuo mondo?
È difficile dire esattamente come e quando ho iniziato: ho passato la mia infanzia nella sartoria della nonna paterna, giocando tra stoffe, merletti e bottoni; all’epoca della scuola passavo il tempo libero nell’azienda dei miei genitori, aiutando come potevo nelle mansioni più semplici.
In seguito ho cominciato a lavorare nella sartoria di famiglia, occupandomi non solo di ricerca e ideazione, scoprendo così le mie abilità di stilista, ma anche di consulenza al cliente, affinando la mie capacità nel capire la persona che si rivolge a me, per consigliarla al meglio nella realizzazione del proprio abito.
Ora, invece, seguo la mia strada, creando la mia linea personale di abbigliamento e arredamento.

Un ritratto della designer Eva Dub. A seguire alcune delle proposte ideate dalla stilista.

Ci racconti da dove arrivano le ispirazioni? Ad esempio ricordo un po’ di tempo fa delle forti influenze etniche, che forse ora ci sono meno, sbaglio?
Della moda mi piace tutto: dagli abiti del Seicento agli anni Venti, dall’abito maschile classico a quello più femminile da sera, dalle linee essenziali e pulite al gusto esagerato e stravagante, e potrei andare avanti ancora.
Da tutto ciò traggo suggestioni, ma le cose che mi affascinano e ispirano in particolare sono la cultura e le tradizioni rappresentative dei popoli di tutto il globo, per cui quando posso prendo un aereo e vado ad esplorare con gli occhi ed il cuore, cercando di scoprire nel profondo le terre e le popolazioni che le vivono, per riempire la mia valigia non solo di pezzi di artigianato locale, ma soprattutto di valori sconosciuti, di storie autentiche e difficili, di bellezza genuina.
Così ho fatto nel 2009 quando sono partita per il nord dell’Uganda, spinta da un ancestrale richiamo per l’Africa, con l’obbiettivo di realizzare un progetto di moda solidale con alcune realtà locali, esperienza indimenticabile da cui è nata una collezione con tessuti wax e tye&die realizzati dalle donne che lì ho conosciuto.

In generale, se dovessi descrivere ora il tuo stile?
Da diversi anni sono immersa nella tendenza del “trasformabile”, retaggio di un intenso percorso personale nel teatro di ricerca, in cui un oggetto in scena può assumere valenze completamente diverse dal suo reale uso.
Ho applicato lo stesso principio agli abiti che realizzo, giocando con forme e drappeggi per trovare la multi-funzionalità del capo.
Ad ogni modo le influenze etniche sono spesso presenti: per esempio la mia giacca Kitamo è chiaramente d’ispirazione giapponese, così come la jumpsuit Kymani è nata dai classici pantaloni turchi da uomo.

A cosa stai lavorando al momento?
Non seguendo i dettami della moda classica, mi trovo ora ad ultimare la collezione a/i 2016.
Ti anticipo solo che da poco ho fatto un viaggio nel Sud-Est Asiatico alla scoperta di alcune minoranze etniche, rimanendo incantata da alcune di esse per la bellezza dei loro manufatti, ma profondamente scalfita dalle loro vicende politiche attuali di emarginazione, dalla loro lotta costante tra tradizione e modernità, tra salvaguardia dei costumi antichi e adattamento ad una società in rapida evoluzione.
Le mie prossime collezioni saranno dedicate a loro, per portare un’attenzione, seppur piccola, alle vicissitudini di queste minoranze in particolare e più in generale alla nostra difficoltà ad accettare “il diverso”.

Lo scorso anno ero in giuria al concorso ‘ABITIamo in Via Caprera’ a Vittorio Veneto, che hai vinto tu, con un abito che a me ricordava gli anni Ottanta, Mugler e Grace Jones. Mi racconti quel capo?
“Geometrie non euclidee”, il titolo dell’abito, nasce da una pluralità di suggestioni : innanzitutto dal mio interesse  per Oskar Schlemmer, uno dei Maestri della scuola Bauhaus, con la quale ho avuto la fortuna di collaborare direttamente alcuni anni fa, e in particolar modo ai costumi ideati per il Triadisches Ballet del 1922, gli stessi a cui si sono ispirati, come giustamente dici tu, Grace Jones e David Bowie negli anni 80.
Influenzata dalla ricerca di Schlemmer del rapporto strutturale ed espressivo tra forme cromatiche, plastiche e architettoniche, e dall’abbattimento degli schemi dell’Avant-Pop, in cui il corpo è parcellizzato, sottoposto a deformazioni, ho realizzato “Geometrie non euclidee” combinando  un corpetto con maniche esagerate ad una gonna lunga circa 5 metri, giocando con seta elasticizzata a righe e grandi pois che richiamano Yayoi Kusama, per il primo, cotone con stampa  caleidoscopica per la seconda, ed una giacca double-faces in neoprene nero doppiata con lo stesso cotone della gonna.
Tutto rigorosamente bianco e nero ad eccezione di un piccolo tocco di colore dato dai bottoni, anche questi realizzati da me, utilizzando alcuni dadi del Cubo di Rubik, utilizzo mai fatto prima del famoso rompicapo degli anni ottanta.
L’abito è indossabile e pensato per un atto performativo.

E quanta l’emozione di un riconoscimento come questo per il tuo lavoro?
Poche volte ho partecipato a concorsi e vincere l’edizione 2014 di ‘ABITIamo in Via Caprera’ è stata davvero una sorpresa. “Geometrie non euclidee” nasce appositamente per il concorso, dopo che gli organizzatori mi hanno invitato a partecipare e a loro sono grata per avermi dato lo stimolo per realizzare qualcosa di nuovo.
‘ABITIamo in via Caprera’ e la festa che le fa da cornice sono un’esperienza gioiosa di aggregazione, un salto nel passato tra storie di botteghe e osterie, una genuina attualizzazione delle tradizioni popolari.

Progetti per il futuro?
Essere felice, con semplicità, facendo ciò che amo.

“Geometrie non euclidee”, l’outfit creato da Eva Dub che le ha valso la vittoria all’edizione 2014 di ‘ABITIamo in Via Caprera’.

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