Retrò Futuristico è la combinazione perfetta per descrivere questa sfilata.

Il colore di apertura è il bianco che, in qualsiasi suo contesto, dona alle donne che lo indossano quel candore e quella purezza che da sempre appartengono al genere femminile.
Le influenze sono molteplici.
Sono sapientemente stati utilizzati vecchi e nuovi codici stilistici con influenze provenienti da varie parti del mondo oltre che della storia stessa, conferendo a questa collezione un sapore delicatamente retrò volto a disegnare la donna del futuro.
Il fil rouge è proprio la donna, quella donna che alienatasi alla frenesia quotidiana cerca la libertà.
Un po’ come in quei film dove vediamo le protagoniste abbandonare la città preferendo paesini sperduti, dove i telefoni non prendono e dove la vita scorre lenta e semplice.
Tutto questo conferisce alle protagoniste nuove energie rendendole pronte a ripartire più agguerrite di prima.

Questa è la storia che mi ha raccontato questa sfilata.
La storia di una donna contemporanea, un’imprenditrice del futuro, una figura forte e a volte rigida che si fa strada in un mondo di uomini vestendo i loro stessi panni, ma che mantiene comunque un lato sentimentale, etereo.
La donna di città che dopo aver dato tanto decide di concedersi una pausa, di ritemprarsi.
Processo che avviene mediante il contatto con la natura, con il mondo rurale per non dire equestre.
Con un mondo leggero e fluido un po’ come le sottovesti che abbiamo visto sfilare in passerella.
Un mondo divertente ed eccentrico descritto da quegli abitini in chiave charleston.

A sostegno di questa mia tesi appaiono infatti colori che rimandano alla terra, all’acqua, ad un mondo di pace e colori più metallizzati che rappresentano in un certo qual modo le luci di una notte stellata.
Infine torna alla sua quotidianità come una donna diversa, influenzata dalla sua recente esperienza. Esperienza che le ha conferito nuova vita, nuovo vigore. Nuovi stimoli.
Tutto questo racconto traspare dall’uso così sapiente dei colori e dei tagli sartoriali.

Trench e cappotti in pelle double, lavorata come morbida seta, laminati e sfoderati.
Giacche sartoriali dai volumi over, maschili.
L’accostamento di colori e materiali contrastanti segna un’ispirazione rock che si compenetra con pizzi, rouches e lavorazioni per un daywear total white di mini abiti e iconiche sottovesti. Stampe grafiche bianche e nere per abiti in crêpe de Chine e piumini over. Tessuti jacquard oro sovratinti per abiti, giacche e pantaloni. Canvas, macramè e maglieria effetto bagnato. Rouches all’uncinetto delineano la silhouette degli abiti da sera in gazar o organza, stretti da cinture che segnano il punto vita. Cinture di cristalli e specchi, gomma spalmata, canvas o pelle taglio a vivo. Cuissard chiusi da piercing, sandali squadrati o mocassini mannish.

Il tutto si fonde e armonizza nella sartorialità di Ermanno Scervino, raccontando una storia moderna che ha radici profonde.
Che trova origine nel passato, in quelle donne forti e iconiche che hanno reso la figura femminile quel che è oggi.

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Fresco di presentazione dell’ultima collezione spring/summer 2019 durante la recentissima settimana della moda milanese, Alcoolique si conferma un progetto dedicato alla sensualità e alla femminilità mescolato a dettagli couture

Per chi ancora non conoscesse questo brand giovane, ma già di successo, qualche piccola chicca: Rocco Adriano Galluccio, il fondatore e direttore creativo di Alcoolique, nasce a Caserta nel 1986, e fin da bambino dimostra un innato senso per lo stile e la fotografia. All’età di 8 anni, aiuta lo zio a sviluppare immagini nella stanza buia.
A 16, inizia una carriera nello styling, lavorando con molti fotografi e agenzie napoletane.

Dopo la laurea in Industrial Design for Fashion, Milano gli offre l’opportunità di far parte  a tutti gli effetti del panorama moda attraverso collaborazioni con marchi nazionali e internazionali.
Successivamente, si trasferisce a Bali, Indonesia, dove sviluppa un nuovo gusto cosmopolita.
Dopo il rientro in Italia, sentendosi pronto per una nuova ed importantissima sfida, Galluccio fonda Alcoolique nel 2011.

Nel 2014 Rocco partecipa al famoso programma TV “Project Runway”: questa esperienza lo aiuta ad aumentare la diffusione e la visibilità del marchio. Nel 2017, arriva un’altra grande soddisfazione, la scelta di un capo della maison da parte di una di quelle celebrity che dettano sul serio le mode.
Sarah Jessica Parker (aka Carrie Bradshaw) ha indossato un abito Alcoolique in occasione degli Obie Awards a New York City.

Grazie al suo stile fresco ed innovativo, è facile convenire sul fatto che siamo di fronte ad uno dei marchi emergenti più interessanti del Made in Italy degli ultimi anni.
Riviste come Vogue, Marie Claire, L’Officiel ed Elle non se lo sono fatte sfuggire, dipingendo Alcoolique come un marchio italiano a tutto tondo, con l’obiettivo di riportare la grande tradizione sartoriale napoletana nel mondo.

Naturalmente, la creatività è il primo passo del processo di qualità.
Ma questo ad Alcoolique non manca: Rocco Adriano Galluccio, infatti, ha dimostrato anche questa stagione di voler coniugare curiosità, nuove idee e interesse culturale per le sue radici con un forte senso della moda e dello stile e, soprattutto, la cura dei dettagli.
Ricordiamo inoltre che vengono utilizzati solo tessuti e sarti italiani, dando così ancora più potere alla cultura del Made in Italy nel mondo.

Divertimento e self confidence sembrano essere temi particolarmente cari alla maison, e il connubio tra contemporaneità e riferimenti passati da vita in questa collezione estiva a capi dai colori vibranti (e neon) dalle forme avvolgenti e dalle stampe e tessuti ultra moderni.
È una collezione che celebra ed esalta la ninfa vitale femminile, simbolo di una donna emancipata e che si ama.

Un brand che è sinonimo di ricerca e studio artistico e che ha il fine di  portare in scena l’amore  incondizionato verso una femminilità forte e prorompente.
Questo è Alcoolique.

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C’è aria di novità a Schönenwerd, Svizzera.

La nuova collezione primavera/estate 2019 di Bally è ispirata ai viaggi californiani di Joel Sternfeld e Stephen Shore, fotografi che hanno guidato il boom dell’arte della fotografia a colori negli anni ’70, anche se in viaggi in fuoristrada separati.
Durante le loro ricerche hanno catturato l’ordinario in fotografie straordinarie, specialmente a Los Angeles e dintorni. 

La  luce che caratterizza i lavori di questi fotografi –  toni seppia e colori saturi – fungono da ispirazione alla palette cromatica per questa collezione che, assieme al tema del viaggio, hanno dato vita ad una collezione sportswear retrò dove non mancano chiari rimandi alla Svizzera e al forte heritage di Bally.

La spensierata voglia di avventura di Bally aspira a scoprire un tempo e un luogo più semplici che si disconnettono, anche se per poco, dal mondo di oggi.
Il desiderio di facilità, comfort e funzionalità sia nell’abbigliamento sportivo che negli accessori moda rimane un must per la maison. 

I ricchi archivi di Bally sono stati presi in considerazione, come per ogni collezione.
Ma quest’anno in modo particolare, gli stili di archivio di scarpe e borse sono stati rivisitati in interpretazioni davvero moderne ed inaspettate.

La sneaker, per esempio, rimane un focus sia per la donna, sia per l’uomo, assieme a sandali e stivali dall’allure vintage nella collezione femminile e linee formali per l’universo maschile.
Il modello Vulko nelle proposte hi-top e low-top presenta le coordinate di longitudine e latitudine impresse sulla suola di Schônenwerd, in Svizzera, facendo cenno al ritorno a casa in stile progressista di Bally. Inoltre, la chiave è la ristampa della sneaker Bally Champion indossata dal grande tennis svizzero Jakob Hlasek nel 1990.

Completano il look rispettivamente le borse Cecyle e Janelle Bag e lo zaino Crew.

Inoltre, e forse è proprio qui che troviamo la verà novità, Bally mostra in anteprima la prima collezione eyewear in collaborazione con Marcolin disponibile worldwide da gennaio 2019.
Gli stili unisex accostano due silhouette molto diverse, ognuna che evoca un lusso retrò.
Una montatura oversize e squadrata in acetato, quasi a scudo, consente un’osservazione voyeuristica mentre le lenti geometriche riflettenti ombreggiano il mondo nei toni del giallo e del rosa, strizzando l’occhio all’era spensierata della fotografia di Shore e Sternfeld.

Se l’uomo Bally possiede una mentalità giovane ed ottimista e desiderosa, la donna è un’avida viaggiatrice che crea i suoi ricordi raccolti lungo il viaggio della vita.

Bally, il brand che da 164 anni produce scarpe (ma anche borse ed abbigliamento – e da ora anche occhialeria), continua ad affinare e migliorare le tecniche manifatturiere attraverso una chiave di lettura estremamente vivace e contemporanea.

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Visto che la settimana della moda milanese, questa volta dedicata alle collezioni femminili, si sta avvicinando, ho pensato che sarebbe stato divertente dare uno sguardo a quello che è successo alla passata fashion week, quella maschile, di giugno.

Ho chiesto a Matteo qualche scatto e fra i personaggi riconoscerete influencers e editor importanti, italiani e stranieri, da Simone Marchetti, penna molto amata de La Repubblica, a Milan Vukmirovic, editor in chief e founder di Fashion For Men e a capo dell’ufficio stile di Ports V, nuovo nome della collezione uomo di Ports 1961, da Antonio Manicnelli, caporedattore di Marie Claire a Marcelo Burlon, lanciatissimo con il suo marchio County of Milan.

Molto colore, creatività, input di stile da copiare e un pizzico di follia in queste foto di Matteo.
In attesa di vedere cosa succedere fra pochi giorni.

Per saperne di più sul lavoro di Matteo vi consiglio il suo instagram Milandailyphotodotcom (questo), mentre su Facebook lo trovate qui.

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La quiete è il preludio della collezione, una promessa di calma intrisa già nell’atmosfera disegnata dal nome, sì il nome, di quello che a definirlo solo un brand sarebbe un errore imperdonabile di riduzione del suo valore: Sartorial Monk, piuttosto, è un mondo che a sua volta dischiude nuovi mondi, come in un sistema perfetto di scatole cinesi. 

Incontri di universi estetici e sartoriali che creano innesti esatti, tanto nelle intenzioni quanto nella realizzazione delle creazioni. 

Intenzioni e creazioni che nascono da Sabàto Russo, che di Sartorial Monk è l’anima vera, creativa e a suo modo spirituale: nascono dal suo percorso di una vita lungo la quale ha attraversato terre e culture vicine e lontane, ha vissuto esperienze che dalla pelle han depositato la loro ricchezza nell’intelletto sempre aperto e affamato di sapere, e nelle mani sempre pronte a tradurre una suggestione in forma di abiti.  

Oriente e occidente: le creazioni Sartorial Monk raccontano la ricerca instancabile rivolta alla quintessenza della semplicità, un’aspirazione che diventa quasi una preghiera, ed ha origine nella cultura nipponica da Sabàto tanto amata e vissuta, appaiata alla tradizione artigianale del saper fare sartoriale radicata nella sua identità italiana.

La quiete è il preludio della collezione, si diceva: la s/s 2019 nasce da una fonte d’ispirazione che, com’è uso inconfondibile di Sartorial Monk, è serbata nelle pieghe più squisitamente profonde della cultura, lontana dalla superficie delle tendenze massificate e frenetiche. 

L’ispirazione è per l’appunto una sola parola, che diventa filosofia di vita, e si allaccia all’esperienza di un personaggio a suo modo stra-ordinario, ovvero che ha lasciato l’ordinario per dedicarsi all’esplorazione di ciò che vi è al di là. 

La parola in questione, nonché titolo della collezione, è “kokoro”: significa “lo sguardo che coglie il cuore delle cose”, è incastonata nel vocabolario della lingua giapponese e nella sua filosofia di vita, la stessa che Lafcadio Hearn, giornalista che nella seconda metà dell’Ottocento, figlio di padre irlandese e madre greca e vissuto a lungo negli Stati Uniti del sud, ha seguito un istinto votato alla scoperta del nuovo e diverso e ha scelto il Giappone ancora sconosciuto ai più.
Un percorso esistenziale che si traduce anche in scritti copiosi: opere che restituiscono la fusione stessa di Lafcadio nella cultura nipponica, e dunque l’esaltazione di una dichiarazione di libertà di pensiero e d’azione che ha guidato, a suo modo, anche il percorso di Sabàto Russo e del suo Sartorial Monk.

La quiete è dunque la condizione interiore per cogliere i valori intessuti nella collezione s/s 2019: l’essenzialità delle forme spoglie da qualsiasi decorativismo, e per questo valorizzate in ogni singolo dettaglio che le costruisce come i tagli in sbieco, i colletti così ridotti che quasi scompaiono, i lacci che si raccolgono sul fianco, la stratificazione leggera dei capi; la semplicità delle linee che accarezzano il corpo e accolgono l’aria intorno che ne gonfia i volumi dolci e inaspettati, dei colori naturali e dei materiali come lino, seta, la lana sottile, il dévoré e la  maglieria in viscosa; la fluidità dei tessuti sì, ma anche dei generi che spesso superano il distinguo tra maschile e femminile così che la blusa soffice, la veste lunga e lieve, la giacca appena sciancrata appaiata col pantalone dritto e arioso possano vestire qualsiasi corpo li scelga.

La quiete certo, ma poi arriva anche la forza: di quelle rare stampe vivaci e fiorite, della pennellata di blu intenso dell’abito lungo, della pelle nuda che gode la bellezza dei tessuti e delle forme che si disegnano su di essa, e dei piedi rigorosamente scalzi per percorrere la propria strada nell’armonia assoluta.

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La si potrebbe quasi definire una rivoluzione gentile: la strada che Lucio Vanotti percorre con le sue creazioni punta, infatti, imperterrita verso la direzione del cambiamento generoso, dello scardinamento di regole imposte che a volte serrano assai il ritmo della composizione creativa del sistema moda, ma anche il ritmo della composizione del gusto nel sistema del proprio guardaroba, e dell’allestimento estetico della nostra stessa immagine, noi che la moda la indossiamo con piacere grande misto a consapevolezza interiore.

Una rivoluzione gentile perché percorre la sua strada quasi con fare silente: non c’è confusione nella maniera di Lucio Vanotti di proporre la sua visione concretizzata in collezioni sempre applaudite, bensì c’è l’invito garbato ad essere accompagnati ad esplorare un mondo squisitamente personale, costruito su pilastri solidi che hanno a che fare con la passione per filoni culturali, artistici e architettonici che hanno segnato le epoche. Passione che si unisce al talento sartoriale vero.

I nomi aiutano di certo a comprendere meglio: quei pilastri, o punti cardinali immancabili, sono la rievocazione dell’aspirazione all’armonia perfetta del classicismo, del suggerimento dell’Architettura radicale a godere del piacere estetico che la composizione architettonica regala a tutto il mondo che ci circonda, della nettezza rigorosa del brutalismo che guida la mano a disegnare silhouette asciutte eppur eloquenti, della volontà purificatrice di un ascetismo ammantato di Oriente, ma intriso di una capacità poetica che ha le radici nel genio tipicamente italiano.

Quelle radici che gli consentono di mescere tali riferimenti in un punto di vista riassumibile in un motto parafrasato, e per questo perfettamente personalizzato: “Less is … freedom!”, ovvero il meno non è tanto questione di meglio, ma questione di libertà. Semplicità vuol dunque dire niente orpelli che distraggono, solo forme essenziali e funzioni efficaci da comporre, da sperimentare, con le quali giocare, da far fluire oltre i confini dei generi sessuali e delle scansioni stagionali.

Quello di Lucio Vanotti è dunque un elogio della sottrazione che si rinnova anche nella collezione a/i 2018-19: qui l’amore per il rigore delle forme che si esplicano nella funzione è allacciato alla dimensione dell’uniforme, nel suo essere un codice di appartenenza scritto nei dettagli solitamente composti secondo un razionalismo profondo, che per Vanotti è la materia prima da scardinare per spingere l’orizzonte della sua esplorazione ancora più in là.
Verso dove? Beh, stavolta la rotta è segnata da un approccio ludico e matematico assieme: giocare con le caratteristiche tipiche dei filoni che han fatto della divisa il proprio manifesto, ovvero workwear e new wave, sportswear e postmodernismo, hip hop e razionalismo, e ibridarli con attenzione meticolosa.

Il risultato è una semplicità d’apparenza assai complessa nella sostanza: sfila dunque la geometria, con le linee quadrate delle giacche over, con la forma rettangolare delle camicie, con l’appiombo dritto dei pantaloni; ma sfila una geometria che da rigorosa muta ed evolve nei volumi aiutati dagli espedienti sartoriali, così che le linee rette diventano in profili tondi dei volumi gonfi dei k-way trasformisti in cappotto e mantello, dei bomber e delle felpe che cambiano la scala delle proporzioni e diventano capispalla.

Il metodo da seguire è il principio dell’accumulo: strati composti con saggezza, bilanciando ogni dimensione per lasciare spazio espressivo anche alla forza della palette cromatica: che dalla gentilezza delle tonalità neutre sale d tono e di brillantezza, fino ad elettrificare i classici basici con shot di fuxia, arancio denso, giallo intenso e blu vibrante.

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È questione di caparbietà a sapersi divertire con l’equilibrismo perfetto come fosse un piacevole trastullo giocoso: è una dote, semplicemente, quella di reggersi gloriosamente in bilico tra l’istinto puro che dalla profondità del cuore, come fosse un’incantevole voce di sirena, richiama alla necessità irrinunciabile di raccontare la propria creatività con l’arte della stoffa e dei materiali pregiati, e la contemporaneità del mondo fuori che esige sempre nuove forme di bellezza frettolosa. 

È questione di talento: intenso e caleidoscopico, sincero e per questo sempre più applaudito.
Questa è la mischia caratteristica e imprescindibile di Marco De Vincenzo: che dalla sua vocazione sartoriale passa attraverso l’instancabile mente creativa e si trasferisce in forme d’eleganza sempre nuove, eppur sempre mirabilmente riconoscibili.

Forse forse…si potrebbe sospettare un lieve penchant squisitamente personale nella penna che sta tracciando questo ritratto: ed in parte è vero, grazie ad in incontro in un’esordiente intervista di svariati anni fa che, oltre ad essere un ricordo prezioso, è una riconferma felice di come l’essenza estetica e stilosa di Marco De Vincenzo muti nel tempo in nuovi racconti, senza mai osare diventare altro dalla fedeltà alle proprie passioni e al desiderio di sorprendersi.
E di sorprendere: come accade felicemente nella collezione Primavera-Estate 2018!

Un carosello di creazioni sartoriali che nascono da un’ispirazione solo in apparenza rischiosa, ma che nella sostanza si è rivelata… una bellissima sorpresa, per l’appunto.
La collezione sorge da un viaggio di ritorno a casa, in quella terra sicula che di Marco De Vincenzo è terra natìa, ma che nella moda è spesso fonte di citazionismi perigliosi: ma eccola la cifra stilistica che lo contraddistingue, qui la Sicilia non è macchietta da tour turistico pregno di folklore, bensì è la delicatezza di una miscela sensuale, di ricordi e piacevolezze intime, personalissime, che diventano una sorta di storia di un’estate siciliana trasognata e vissuta nelle percezioni piene, libera nei pensieri e nelle non-regole d’abbigliarsi, attraversata da guizzi per nulla retrogradi di memorie pop.

Il tipico piglio colto, però, resta: nel pretesto che dà il titolo alla collezione, ovvero due fra i numerosi antichi nomi che l’isola ha ricevuto lungo la storia, Ultrapharum e Triskelion. 

Cosa farne? Di certo non c’è bisogno di accorrere a tomi antichi per approfondire le conoscenze storiografiche e mitologiche racchiuse nell’etimologia: bensì, basta divertirsi a vederli tramutarsi in caratteri pop assai vivaci che invadono le t-shirt, stampe dalle tinte psichedeliche che a loro volta diventano motivi grafici che sanno di clubbing e anche un po’ di Seventies, patch con l’emblema della Trinacria immerso nel glitter e applicato a mo’ di decoro sulla giacchetta in scuba o moltiplicato in sequenze optical. 

La collezione è dunque un omaggio alla sua Sicilia interiore, ai contrasti intensi che la rendono unica, a quegli stessi contrasti che della poetica stilistica di Marco De Vincenzo sono il segreto della sua sofisticata, perfetta imperfezione. La cornice estiva che rievoca lunghe feste e nonchalance di guardaroba giustifica la levità dei tessuti fluidi, la camicia maschile sbottonata, i pantaloni che rivelano la caviglia e quelli che terminano in un’ampia corolla mentre scoprono l’ombelico: poi arriva l’amore per l’ornamentalismo, che arricchisce tale semplicità con dorsi di macramé, con ruches che profilano i cardigan morbidi e diventano balze nell’abito lungo, con quelle sue frange sottili e brevi, fitte fitte a pennellare gonne e abiti di tinte degradé e per questo assai chic proprio come i sandali -da quelli flat agli stiletto vertiginosi- che ne sono percorsi, con i bagliori del lurex per le maglie a mo’ di vestito e con la rete per i top. 

La dote dell’equilibrismo vien fuori anche nel saper bilanciare quel sentimento del colore, che Marco De Vincenzo usa come fosse un vero maestro d’arte, con un gesto d’affettività semplice condivisa: guardatele bene quelle borsette a mano, guardate l’immagine creata dai ricami, e divertitevi tutte con i richiami ai manifesti cinematografici dei grandi classici sempre imperdibili, da guardare nei cinema locali in una stellata notte d’estate siciliana.

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Tommy Zhong è un marchio che si contraddistingue per la ricerca di uno stile originale, ma senza tempo, che verte attorno ad un’idea di sartorialità.

L’attenzione ai dettagli è estrema e si focalizza sui tessuti, la struttura e il design.

Come il nome stesso del brand potrebbe far pensare, si cattura una commistione di stili che si basano su eredità estetica asiatica e sulla creatività dei canoni occidentali. Il fine è quello di creare una dinamicità che rende le proposte uniche.

La collezione primavera/estate 2018 di Tommy Zhong è costruita sulle complementari sfaccettature della differenza. Dalla collaborazione con l’artista Nadine Shaban è suscitato un dialogo sensuale.
Ispirata dall’uso dei materiali di Shaban, raccolti da fonti industriali utilizzati per tenere insieme la psiche, la collezione consente una manipolazione della superficie tessile in emozioni legate alla moda donandole una forma fisica.

Per la prossima estate il brand presenta tinte tenui, colori possibilmente vivaci, ma che vivono nella loro gradazione più leggera: rosa, bianco, intervallati da scorci di arancio.Si inserisce inoltre il total black.

In tessuti intrecciati o con serigrafie stampate a mano, i fili sono scrupolosamente sbrogliati per rivelare una tensione superficiale di irregolarità controllata.

I capospalla sono al centro della collezione, reinterpretazioni di giacche dai tagli maschili anni ’80, o giacconi con zip vagamente in stile neo punk,  che si acccostano ad abiti chemisier o robe noir.

Il total white è un altro elemento che caratterizza e dona personalità alla collezione: layer dopo layer, pantaloni e giacche si sovrappongono quali fossero un’unica jumpsuit.

Gli outfit presentati alternano strutture costruite in modo architettonico, come l’abito nero dallo scollo asimmetrico, rigido e definito, e il completo camicia pantalone color senape, a cui viene abbinato il lungo trench blu notte.
Origami e stile parigino, Oriente e Occidente si rincorrono in una collezione che sorprende ed allo stesso tempo incanta.

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Abbiamo già conosciuto il bravo Matteo Cavenago (il primo post con le sue foto lo trovate qui), mi fa piacere dirvi che Matteo diventa con questo secondo post un contributor fisso del mio sito. Con piacere dedico spazio ai suoi scatti, perché mirabilmente coglie momenti fuori dai fashion shows, che so voi come me amate molto, non solo look fantastici e supercool, ma anche espressioni divertenti e curiose, dettagli di stile interessanti e nuovi, e il racconto di quello che è il fashion system contemporaneo. Questa volta con Matteo siamo andati a scrutare le giornate dell fashion week milanese dedicata alle collezioni femminili, ma presto grazie agli scatti di questo professionista del settore avremo modo di parlare anche di trend e approfondire lo stile di alcuni personaggi amatissimi. Quindi: stay tuned!

Per saperne di più sul lavoro di Matteo vi consiglio il suo instagram Milandailyphotodotcom (questo) , mentre su Facebook lo trovate qui.

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Lima, La Paz: le città del Sudamerica fanno capolino con un lettering sulle creazioni di Stella Jean per la collezione s/s 18. Un’estate che vive di memoria e heritage di Bolivia, Perù e dei paesi di quella parte di continente ancora oggi fortemente legato a tradizioni e costumi antichi.

Questa volta il viaggio della stilista approda in terre lontane dal suo DNA creolo – italiano, come di consuetudine, la ricerca spazia fino a toccare le terre lontane, vissute con un viaggio interiore.
L’inizio di questo viaggio è proprio a La Paz dove, Stella Jean ha trovato l’ispirazione. Le protagoniste di questa collezione sono Las Cholitas Luchadoras, donne wrestler che nei colorati abiti tradizionali dimostrano orgoglio e potere.
Sono accompagnate da Las Diosas Luchadoras, ovvero le dee lottatrici, che dichiarano a suon di lotta libera il loro desiderio di rivincita nei confronti di una società patriarcale che le ha svalutate e sminuite.

Le proporzioni delle polleras, ampie gonne con plissettature orizzontali che indicano il numero dei figli, i colori accesi e i ricami delle passamanerie sono di ispirazione boliviana. E ancora bandiere unite in un patchwork e animali che popolano gonne midi, mentre i colori e le greche rimandano ad una dimensione latina.
La collezione Stella Jean s/s 2018 è tutto questo, ma è soprattutto il racconto di un percorso di emancipazione che pochi conoscono: le donne Aymara (ovvero le Cholitas Luchadoras), abusate, umiliate e discriminate per decenni, hanno trovato nel ring il luogo di ribalta perfetto, consentendo a loro e a tutte le donne boliviane l’opportunità di essere parte della female working class retribuita.

È così che si racconta una storia di grande esempio e importanza, tramite una collezione di abiti e stampe di evidente ispirazione sudamericana, dove le applicazioni, passamanerie e i motivi paracas, gli abiti fluidi e da sera, le shape off shoulder e le lavorazioni a plissè, incontrano vestaglie da boxeur con applicazione di patch Stella Jean Wrestling Team, accostate a loro volta a top e gonne con balze e volant.

Coscienza e rispetto, ma anche bellezza e multiculturalità.
La collezione Stella Jean per la prossima primavera costituisce una nuova esplorazione del mondo femminile, un viaggio che svela la salda identità di questo brand.

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