Un marchio capitanato da due designer con una spiccata conoscenza intrinseca del prodotto da un lato e dall’altro in grado di elaborare efficienti strategie di marketing e comunicazione, per oggetti diventati in poche stagioni veri e propri oggetti del desiderio per fashion addicted a caccia della borsa perfetta.

A chi mi riferisco? A Salar, fondato a Milano nel 2010 da Salar Bicherenloo e Francesca Monaco.
Le passioni, le abilità, le competenze di questi due giovani hanno reso Salar un successo, presto riconosciuto anche da Vogue Italia come uno dei migliori brand emergenti.
Il primo grande successo internazionale, però, arriva nel 2015 durante il Coachella Festival: 20 influencer hanno postato sui loro profili social una foto con la Mimi Bag, e la risonanza mediatica è stata immediata.

La Resort 2019 di Salar Milano torna in scena attraverso paesaggi incontaminati in un giorno di pioggia, tra le superfici specchiate di laghi e corsi d’acqua, da cui nascono decorazioni brillanti a goccia ed effetti in trasparenza.
C’è un cuore glam-rock che pulsa attraverso l’introduzione di materiali plastici e mesh, dove il pvc è protagonista piegandosi e avvolgendosi su laminati colorati.
Il see-through viene interpretato in molteplici versioni: etereo e pieno di luce, quasi sacro.
Le geometrie convergono principalmente su forme sferiche, ma anche quadrati e rettangoli si riflettono nelle strutture e nei dettagli essenziali degli accessori.

Le nuance virano dalle tonalità più accese a quelle pastello.
Accanto al bianco e al nero, vibrano effetti argentei o jelly, ma anche nuance bubble, lime e menta in totale armonia.
Il classico Multicolor di Salar si trasforma e passa ad essere da block color a dettagli di colore con combinazioni inedite: lilla, latte, mandarino oppure menta, nero argento, ma anche rosa, lime e cioccolato.

Tanti i modelli a cominciare da Annie, sviluppata dalla iconica Mimi, che si presenta a forma semisferica con tracolla e chiusura metallica frontale.
Dalla borsa Mila invece nascono Ludo e Gigi, rispettivamente di dimensione media e grande, entrambe rettangolari e con fibbia decorata da quattro mini borchie.
Celia prende ispirazione da Dea, classico secchiello in vitello che diventa ancora più accattivante e glam-rock con la catena snake.
Infine, le iconiche Gaia e Mila sono state rivisitate con mano urbana grazie a un taglio più geometrico.

Sul fronte temi, troviamo la famiglia Chain, che impreziosisce modelli come Claire o Sylvie, presentata con un mix di catene che permettono di portare la borsa a tracolla o anche come un comodo marsupio.
E se Mesh gioca con le consistenze dei materiali ed effetti vedo non vedo, Strass su vernice rende tutto più sfavillante con i suoi cristalli e piccole borchie.
Tra gli altri modelli figurano Polly, con maniglie metalliche a cerchio, Carol, che si può legare comodamente in vita e la Kio, cross body a base rettangolare munita di soffietti e chiusura a quattro piramidi.

Ad oggi, si può dire che il brand fondato da Salar e Francesca, messicano lui e pugliese lei, ha raggiunto risultati davvero sorprendenti, avendo conquistato sia il mercato americano che i paesi del profondo Oriente.
Le ragioni del successo? Secondo noi, l’approccio sperimentale e la curiosità di provare processi produttivi sempre diversi.
Questa innovazione è comunque sempre accompagnata dell’eccellenza caratteristica del Made in Italy, che rende queste borse dei veri e propri oggetti di design, da collezionare ed esporre.

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Gabs, marchio italiano che fa dell’ironia e della trasformazione i suoi cavalli di battaglia, nasce a Firenze nel 2000 da Franco Gabbrielli. Dopo aver respirato in famiglia per tanti anni il profumo dell’alta pelletteria e aver acquisito quella tecnica caratteristica della “vecchia scuola”, Franco decide di scommettere su un nuovo progetto che piace fin da subito ad investitori e clienti.
In cosa consiste questo progetto? Riuscire a vendere un’idea travestita da borsa, dove il contenitore si trasforma a seconda delle esigenze del consumatore.
Infatti, i materiali, i colori e le forme delle borse Gabs sono semplici, ma allo stesso tempo funzionali e creative.
Le richieste giungono sempre più numerose e nel 2005, Gabbrielli avvia una collaborazione all’interno del Gruppo Emergenti Italiani.

Il 18 ottobre 2018, all’interno del flagship store in Corso Como a Milano, è stata svelata non solo la nuova linea Origabs, ma anche la collaborazione con l’artista Camilla Falsini con un evento all’insegna dell’arte.
Origabs si spinge oltre il concetto di trasformabilità, prendendo ispirazione dalla tecnica degli origami per creare nuove forme  grazie  a  differenti  modi  di piegare  la  borsa in  base  al  proprio  outfit.
Non ci troviamo forse davanti ad una geniale soluzione?  In  poco  spazio, Gabs propone una  borsa  che  si  adatta  a  occasioni   d’uso  diverse,  dal  giorno  alla  sera.

Camilla Falsini, che con Gabs condivide l’amore per i colori vitaminici e le forme geometriche, si muove tra pittura e illustrazione ed ha alle spalle un percorso di opere murali e street-art, brand, case editrici e riviste.
Per Origabs, Camilla ha realizzato sei tavole ognuna raffigurante un animale che interpreta un modello della collezione e saranno utilizzate per le vetrine del negozio, oltre che per quelle previste in Rinascente.
Ogni opera rappresenta una sorta di carta da gioco dalle linee minimali e dai colori forti: ognuna di queste creature si trasforma in elementi grafici all’interno delle illustrazioni  e creando giochi illusionistici con le forme del loro stesso corpo.

“Origabs è segno, modularità ed essenza. Ho trovato in questo una profonda sintonia con il mio lavoro, dove una geometria può essere un naso, un orecchio o un volto. Scomponendo le borse della linea Origabs ho scoperto una miriade di rettangoli, trapezi e triangoli, ricomponendoli ho creato squame di serpente, pinne di pesce e piume d’uccello. Ho così scomposto gli elementi delle borse e le ho poi ricombinate giocandoci, come in un caleidoscopio, usandoli per creare figure surreali di animali. E proprio nel mondo animale osserviamo magnifiche trasformazioni e una straordinaria varietà di forme e colori”, ha commentato Camilla Falsini.

Tre accessori (due borse ed un portafoglio) proposti nelle versioni platino, canna di fucile, ossidiana e rosso compongono la collezione. Il modello Yoko (in vitello laminato lavato) è una borsa piatta a due manici, trasformabile anche in vaso e bauletto. Il secondo modello, Mitsuko, è una pochette piatta che si può trasformare a vaso o a parallelepipedo, diventando un piccolo beauty, oltre alla forma a fisarmonica, ideale per il trasporto in valigia.

Origabs è una capsule pensata  per  completare  un  look  elegante,  ma con  un  tocco  altrettanto  audace, perfetta per le festività natalizie e per le occasioni più glamour.
Un’ulteriore conferma per Gabs, marchio di riferimento nella pelletteria italiana, che esce da tutti gli schemi convenzionali e che da sempre è sinonimo di colore, versatilità e innovazione.

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“Girls, Boys, Art Pleasure” recitava l’inno del Paninaro cantato dai Pet Shop Boys, figura quasi mitologica dedicata all’alba di quel fenomeno dello streetwear che nella Milano degli anni a cavallo fra ’80 e ’90 animava i quartieri chic del centro meneghino, da San Babila al Duomo, passando per via Montenapoleone e per le grandi boutique delle griffe.

Dorian Stefano Tarantini, alla sua terza esibizione in passerella, propone così una nuova virata per il giovane marchio Malibu1992, nato appena 4 anni fa dalla sua mente eclettica e artistica e nel giro di poco tempo assunto ai fasti del trend setting internazionale, vestendo artisti del calibro di Rihanna, Jessie J., Iggy Azalea e Rita Ora.
Con un divertente e appassionato viaggio negli anni della grande moda, M1992 riscopre nella collezione autunno/inverno 2018-2019 il lato dimenticato della moda milanese e italiana, invitando il presente non solo a omaggiare la bellezza dei tempi d’oro, ma piuttosto a farne esperienza diretta, in una sorta di remembering che diviene status symbol contemporaneo, pronto a insegnare ai giovani millennials e agli influencer di tutto il mondo il vero significato di stile e lusso.

La collezione presenta così tagli chirurgici ed enfatizzati, spalle e revers che ricordano l’alta finanza di “American Psyco” e gli uffici di “Working girl” in cui si aggirava agguerrita una giovane Melanie Griffith: i completi dei giovani brokers di M1992 sono eleganti e composti, ma alleggeriti dalla sovrapposizione di piumini smanicati come nella migliore tradizione milanese.
Il tailleur da donna per M1992 è imprescindibile e viene proposto doppiopetto, crop, tecnico con zip e cappuccio drappeggiato.

I materiali sono consistenti e lussuosi, maschili, formali, anche al femminile, mentre i colori sono volutamente convenzionali, spaziando dalle sfumature classiche del jeans, il senape acido, le grisaglie, il blu commendatore e il nero più gotico.

I preziosi fibbioni argento prodotti artigianalmente da EL CHARRO, mitico brand dei Paninari milanesi, fungono da ponti di stile per look precisi e coordinati, mentre sulle magliette e sulle felpe sono riprodotte stampe e ricami a tema America o floreale.

La preziosa collaborazione con Swarovski supporta la collezione con i suoi cristalli che creano pattern all-over, sulle maglie tematizzate a merchandising musicale e sulle spille in argento new romantic poste sul collo di ogni camicia.

College, il brand di calzature fondato nel 1950 negli States e approdato in Italia nel 1970, realizza per la collezione M1992 una capsule in esclusiva in cui l’iconico mocassino indossato dagli universitari di Harvard viene riproposto in nabuk nero o sabbia con motivi in rilievo, sia da uomo, sia da donna.

Il salto negli anni ’80 proposto da M1992 svela così a ognuno il cuore della moda dell’età dell’oro, tempi in cui il gusto e lo stile si mescolavano con grinta e faccia da schiaffi, minuti (o ore) passati davanti allo specchio a capire chi sei, trasformando l’immagine interiore in outfit esteriore.
Così la moda di M1992 per il prossimo inverno contribuisce a sollecitare quel giusto senso di stile che, al di là di tendenze o famigerati profeti, dovrebbe albergare in ogni persona, ridonando alla moda quel senso di umanità che troppo spesso viene dimenticato.

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La tradizione affezionata è solita attribuire al grande Andy Warhol una delle profezie più azzeccate riguardo al futuro a lui prossimo, quello che per noi è un presente continuamente in evoluzione: “nel futuro ognuno sarà famoso nel mondo per 15 minuti”: segno che la brama e la possibilità di celebrità ribolliva nelle intenzioni delle genti non fornite della pregiata etichetta di Vip già svariate decadi fa.
Oggi, infatti, che i confini tra il mondo patinato delle celebrities e quello delle fashion addicted più attentamente appassionate si sta sempre più assottigliando, quella brama di celebrità profetizzata si è rivelata in tutta la sua concretezza variegata declinata nelle mille sfumature della daily routine: ciò significa che ha decisamente bisogno di un guardaroba adatto  per solcare il palcoscenico della quotidianità.

A soddisfare una tale necessità ci ha pensato il brand italiano Aniyel Ry, che ha appena fatto il suo debutto ufficiale nell’universo fashion con la collezione dedicata alla prossima Primavera-Estate 2018.

Nonostante il nome dall’allure un pizzico esotica, il marchio Aniyel Ry ha per l’appunto origine italiana: milanese, ad esser precisi, città della sua fondazione e per questo specchio di un’identità fortemente allacciata al ruolo potente che lo stile riveste nel lifestyle comune, con una mischia di creatività e dinamismo di vita in città.

La collezione p/e 2018 è un vera dichiarazione d’intenti con dentro una dedica che ha il sapore di un gesto di galanteria squisitamente contemporaneo: le creazioni, che del brand Aniyel Ry sono la rappresentazione delle intenzioni, son tutte dedicate alla donna contemporanea, colei che tiene sempre più stretta nel pugno la consapevolezza della sua importanza, della sua unicità che poco la distanzia da quella leggendaria aura di celebrità delle star che solcano i red carpet internazionali.

Ogni donna è a suo modo una star e per questo merita di essere celebrata nel suo personalissimo palcoscenico: questo il fil rouge della collezione, che a sua volta si allaccia ad un altro filo conduttore, un altro omaggio, stavolta diretto ad una celebrità vera che la moda l’ha plasmata a suon di trovate di stile visionarie, ovvero gli anni Sessanta vestiti dalle invenzioni di Paco Rabanne.

Et voilà, in un’atmosfera d’ispirazione che va a cercare la forza del futurismo in un’era passata mai del tutto sopita, prendono forma abiti assai corti e assai glam, completi pantalone, capispalla appuntiti, top scolpiti tutti percorsi da decori dal bagliore metallico che rievocano quelli del grande maestro.
I tagli sono netti, attraversati da squarci che aprono finestre sensuali sulla pelle nuda: la palette è bianca, di quel bianco ottico che porta l’immaginazione negli spazi intergalattici, dove arrivano anche intarsi di tessuto fucsia e arancio a dare vitalità all’insieme.

Le stoffe sono pregiate, ma in quanto impiegate in ottica contemporaneo-futuristica, sono mescolate ad interventi techno con la gomma e il neoprene; gli accessori sono anch’essi gesti di auto-affermazione stilosa, come le borse geometriche profilate da bagliori metallici e i sandali dal tacco vertiginoso: da vere star dei palcoscenici più scintillanti del globo!

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Abbiamo già conosciuto il bravo Matteo Cavenago (il primo post con le sue foto lo trovate qui), mi fa piacere dirvi che Matteo diventa con questo secondo post un contributor fisso del mio sito. Con piacere dedico spazio ai suoi scatti, perché mirabilmente coglie momenti fuori dai fashion shows, che so voi come me amate molto, non solo look fantastici e supercool, ma anche espressioni divertenti e curiose, dettagli di stile interessanti e nuovi, e il racconto di quello che è il fashion system contemporaneo. Questa volta con Matteo siamo andati a scrutare le giornate dell fashion week milanese dedicata alle collezioni femminili, ma presto grazie agli scatti di questo professionista del settore avremo modo di parlare anche di trend e approfondire lo stile di alcuni personaggi amatissimi. Quindi: stay tuned!

Per saperne di più sul lavoro di Matteo vi consiglio il suo instagram Milandailyphotodotcom (questo) , mentre su Facebook lo trovate qui.

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Silhouette anni ’50.
Pelle, animalier e accenni gotici. Il tutto condito con riferimenti hawaiani, in un clima di vacanza e spensierata allegrezza.

L’estate 2018 raccontata da Dean e Dan Caten con la collezione uomo (e pre-collezione) donna DSquared2 scherza giocosamente fra sacro e profano descrivendo lo stile di un nuovo soggetto umano, mix irriverente fra culture ed esperienze agli antipodi.
I ragazzi e le ragazze di DSqaured2 partono così per le loro vacanze vestiti di nero, capelli ingellati e cappellini di pelle, sciarpe al collo e scarponi da scout, indossando pesanti cardigan sopra polo e T-shirt vividamente colorate con stampe hawaiane.

I cattivi ragazzi di DSquared2 scoprono la gioia e la leggerezza del clima vacanziero e pur non rinunciando alla tenebrosa severità di uno stile personale che è in primis impronta culturale, decidono di aprire il proprio look a orizzonti opposti e inesplorati: così bomber satinati in stampa floreale si accostano a camicie di cotone decorate con distintivi, mentre i pantaloni da biker in pelle si mixano a giacche in pelle di leopardo e pantaloncini hawaiani; il denim, caratteristica di punta della premiata maison di moda, abbandona i tradizionali lavaggi per addentrarsi in un modo di colori pastellati, raccontando un mondo dove la vacanza e il tempo libero diventano orizzonte di uno stile inesplorato.

Continua inoltre la proficua collaborazione con K-Way, rinomata azienda leader nell’active sportswear: i pantaloncini in denim per lui e le gonne per lei si rivestono di tessuto impermeabile con zip laterali, mentre le giacche si muniscono di cappuccio K-Way ricoperto in tessuto impermeabile trasparente.

Tutti per la vacanza, dunque!
E che voi siate rock, punk, gothic o “cattivi” boyscout, imparate la lezione da DSquared2: siate voi stessi certamente, ma soprattutto siate liberi! Liberi di creare, di cambiare, di scuotere e rinnovare le vostre convinzioni.
Liberi di essere felici.

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È tornata l’ora per la città di Milano di lasciarsi invadere da quell’onda inarrestabile ed intensa, densa di iniziative e trovate di creatività tutte allacciate da un’unica disciplina a cui questa manciata di giorni celebri, che accade con cadenza annuale, è religiosamente dedicata: è ufficialmente tempo di design, è felicemente tornata la design week.
E dunque, il Fuorisalone è di nuovo in città. Ma noi si è qui per parlare di moda: ça va sans dire!

Eppure, non ci discostiamo affatto da tale disciplina regina, che in queste giornate milanesi è l’indiscussa protagonista della curiosità vasta di addetti ai lavori e appassionati esploratori culturali, affatto: trattasi infatti di un’ottima sinergia di qualità e creatività, una di quelle occasioni in cui i confini delle categorie sfumano, scivolano via dal rigore intellettuale e si fondono nella piacevolezza della mescolanza che solletica la conoscenza e il desiderio. Naturalmente, ci vogliono protagonisti d’eccellenza per una tale mischia. 

Ed infatti, voilà: segnate subito in agenda l’evento che vedrà il lusso firmato Bougeotte ospite presso la celeberrima Galleria Rossana Orlandi!

Che siano dunque fatte le dovute presentazioni. Nonostante la musicalità francofona del suo nome, Bougeotte è un brand incastonato nell’eccellenza italiana: all’etimologia del suo titolo deve l’essenza metaforica, che secondo il vocabolario ha che vedere con l’irrequietezza, suggerimento che ben si fonde nel logo a forma di ape che ne distingue ogni creazione, e nella smania costante di ricercatezza che il marchio conduce tra materiali pregiati, lavorazioni sofisticate e invenzioni di stile che mentre agganciano il gusto per la bellezza, stupiscono la mente con l’abilità performativa nascosta nell’oggetto. 

Ecco appunto svelato il carattere fondamentale della collezione che Bougeotte allestirà presso la Galleria Rossana Orlandi, un luogo che non necessita presentazione alcuna data la mirabile stima di cui gode da lungo tempo e con immenso successo grazie alla sua fondatrice, depositaria di intuito infallibile e prezioso per la scoperta del bello plasmato dal design e allacciato alla cultura. 

La collezione s’intitola “Titanium Best Secret Keeper”: un carosello di borse dalle forme varie, case, purse e clutch dalle varie dimensioni, realizzate in tessuti e pellami pregiatissimi come coccodrillo, lucertola e struzzo, cashmere e galuchat, fino al serico swakara, e forgiate dalle mani sapienti degli artigiani italiani con una struttura duttile, lieve ed elastica, ma anche resistente ed indeformabile, per questo sorprendente: le borse sono infatti imbrigliate in una struttura di titanio, lega nobile e resistentissima che fa il suo ingresso lussuoso nella realizzazione di borse.
Il risultato è un ibrido di grande eleganza e contemporaneità, dove al grado elevato di tecnologia artigiana si fondono suggestioni culturali di grande ricercatezza impresse nelle textures materiche e nelle forme nette, architettoniche: richiami che esplorano la storia delle arti ed evocano i codici intramontabili di correnti artistiche come il Suprematismo russo, l’astrattismo pittorico italiano e i Cinetici.

Quando incontrare cotanta eccellenza e vive tale esperienza di grande ricercatezza? Durante tutto il periodo del Fuorisalone, of course: dal 4 al 9 Aprile, segnate subito in agenda l’evento “BougeotteTitanium Best Secret Keeper @ Galleria Rossana Orlandi” !

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Le collezioni di Alberto Zambelli sono caratterizzate da un continuo gioco di sovrapposizioni, profondità e volumi, dove le forme femminili vengono ridisegnate, esaltando così i movimenti del corpo e delle sue linee; rigore e severità maschili sono addolciti da tessuti delicati per esaltare l’anima più profonda della donna. Uno stile che ha permesso al designer di essere seguito nelle ultime stagioni da un nutrito gruppo di affezionate fan.

Zambelli, diplomatosi nel 1986 presso l’Istituto Professionale per Stilisti di Moda Fortuny a Brescia, si diploma successivamente all’ Istituto Marangoni di Milano.
Inizialmente lavora come assistente alle collezioni maglieria per il gruppo ITTIERRE di Isernia.
Dopo rinomate collaborazioni con aziende italiane e internazionali nel 2007 vince il concorso Fashion Incubator indetto da Camera Nazionale della moda e fonda la sua Maison “Archivio Privato”.
Oggi, con una linea a suo nome, che ha debuttato ufficialmente nel 2013 con una capsule per la s/s 2014, lo stilista vive e lavora fra Milano, Tokyo e Shanghai.

Oltre alla propria collezione, Alberto Zambelli crea collezioni per il mercato giapponese e coreano, con focus su una donna dai tratti sofisticati ed eleganti contraddistinti da una grande ricerca di materiali, da una pulizia di linee e da un rigore sartoriale. 

Fast forward: arriviamo alla collezione Alberto Zambelli per la fall/winter 2017-2018 sulle passerelle della Milano Fashion Week, e ancora una volta lo stilista esprime la sua visione di bellezza, così ricercata e affascinante.
Capispalla in panno moka dal taglio sartoriale che avvolgono la linearità di abiti sottoveste nude, incorniciati da plissé irregolari fermati da tecno-nastrature inox, come gli imbottiti termosaldati a iniezione diretta della piuma.

Velluti romantici che dai propri dettagli ricordano aggrovigliamenti di rose, i pizzi che ricordano l’antico vengono coulissati da cordoni elasticizzati che ridanno allo sport.
Artigianalità e tecnologia coesistono nei maxi pull termoformati in lana merinos con dettagli floreali.
Il silver spalmato arricchisce le geometrie sottolineate da impunture sartoriali e dettagli di fiocchi tridimensionali, mentre le T-shirt esprimono a voce alta, in senso figurato, lo slogan pop “Metallic Velvet”, che è il nome dell’ultima collezione di Alberto Zambelli.

Pvc e chiffon vengono utilizzati come intesa tra artificiale e naturale, si incontrano tra abiti e capispalla dai motivi di balze abbinati a rigature effetto moquette e al rigore della camiceria in popeline bianco, esaltata da intarsi multimetrici; nastri in microcristalli muovono cinte e bretelle sinuose sottolineando spalle e punto vita in sovrapposizioni body wear di tulle e neoprene.

I colori del nero, silver, bosco, nude, moka e lavanda utilizzati su tessuti come pvc, seta, velluto, panno, popeline, pizzo e neoprene rendono unica la collezione.

E di anno in anno le proposte di Alberto Zambelli esprimono una personale ricerca e visione del mondo e sulla contemporaneità, riflessi di storie e di percorsi speciali, in questo caso una rilettura personalissima del capolavoro di Fassbinder “Le amare lacrime di Petra Von Kant”, che portano Alberto a creare nuovi complessi e meravigliosi universi ad ogni stagione.
E noi non possiamo che rimanere affascinati e conquistati da tanto talento.

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Camden Town e lo street style invadono lo storico Winsor Castle nel Berkshire.

La collezione uomo pensata da Massimo Giorgetti per il prossimo inverno rivisita così la tradizione più sincera e genuina del British Style in chiave MSGM, portando una ventata di modernissima allegria e colore in un sistema di stile e tradizioni storicamente votato ad una precisa e inappuntabile formalità.

Nuove frontiere per una inedita dimensione di nobiltà, una rilettura appassionata e solo apparentemente irriverente porta in scena il nuovo guardaroba del gentleman di campagna che diventa “sloane rangers”, moderno signorotto della medio-alta borghesia europea avvezzo alla moda e allo stile.

Così la formalità canonizzata della tradizione inglese respira aria metropolitana attraverso una ventata di sportività in chiave street chic, dove i rombi delle giacche impunturate e i quadretti dei pantaloni da caccia vengono traslati su imprevedibili completi, sorta di guscio da indossare per proteggersi contro il freddo e le intemperie, mentre le classiche giacche Harrington, i piumini e i mackintosh si fondono con il mondo del rugby, arricchendosi di righe all-over.
La maglieria, puramente argyle, viene abbinata a pantaloni da golf, fair isle e cappe-scialle in pile, outfit ironico e istrionico per giovani arguti e innatamente spiritosi, cuore di una regalità 2.0 che valorizza carattere e carisma.

E per un vero tocco reale, immancabile il foulard in seta ben calzato in testa, simbolo di una nobiltà che merita non il formale ossequio e rispetto riservato alle teche museali, quanto piuttosto quella stima e quel calore umano che spontaneamente sorgono di fronte ad una presenza eccezionale, capace di attraversare la storia del costume e dello stile imponendo con grande potenza una propria e verace impronta.

Per contrastare efficacemente la rivoluzione di stile, la palette colori prende, invece, la tradizione in mano, riproponendo il meglio dello stile equestre: verde polo, rosso scarlatto, chartreuse e mandarino spiccano come “gioielli della corona” su tonalità di base sobrie e composte, valorizzando la sartorialità delle asimmetrie su amabili capispalla in lana tartan foderati in neoprene o sulle eco pellicce, must have del dandy moderno.
Completano i look a regola d’arte gli accessori: frange e nappine decorano loafer a punta e sneakers con carrarmato, calzatura comoda e resistente per una passeggiata nella campagna alla ricerca del “mastino di Baskerville” così come per una ordinaria giornata cittadina.

La settimana della moda uomo per l’autunno/inverno 2017-2018 verrà ricordata negli annali come la settimana delle collaborazioni: tante, infatti, le azioni di co-branding sfilate in passarella, così a Milano come a Parigi, simbolo di una moda che riconosce nel valore dell’altro una opportunità per sé stessa e per la propria crescita personale.
Impossibile, dunque, non citare la vincente collaborazione fra MSGM e Diadora, storico brand dell’activewear nato in quel dopoguerra pregno di voglia di riscatto e di bellezza.

Massimo Giorgetti porta così in passerella il meglio dell’heritage del grande brand italiano: jogger, pantaloncini da basket, felpe con cerniera, tute e sneakers vivono di un delizioso gusto retrò, allettando il pubblico con un’atmosfera calda e serena dove i ricordi tornano alla mente senza lasciar spazio alla malinconia. 

Una degna chiusura per una collezione che con tono leggero e irriverente finisce per toccare corde profonde e intense, un mix fra tradizione e modernità che è in ultimo espressione di calore e affetto, di famiglia e di amore… di casa. 

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Passato, presente, futuro. Chi ero, chi sono e chi sarò. 

Domande che tutti ci facciamo presto o tardi, cercando nella vita di tutti i giorni e nella realtà che ci circonda quelle risposte che sono il lavoro di una vita intera; incontrando, conoscendo e paragonando, si spera, la propria esigenza esistenziale con il dato, qualcosa che fuori da noi provochi quella risposta tanto attesa.

È all’opera di tre grandi artisti contemporanei che Luca Larenza rivolge le sue grandi domande, paragone serrato che diventa motivo creatore, sfociando in una collezione uomo per l’autunno inverno 2017-2018 carica di grande energia e passione.

Al passato e agli esordi teneramente ricordati è dedicata la prima parte di collezione ispirata dalle composizioni geometriche di Anselm Reyle, eclettico artista tedesco noto alla stampa di settore per le collaborazioni con maison Dior: la geometria dello stile Reyle è riportata su tessuto grazie al sapiente utilizzo del color block per creare motivi trapezoidali e rettangolari.
Così i cardigan e i maglioncini passe – partout armonizzano l’ordine geometrico con il “caos” prodotto dal sapiente utilizzo di colori atipici e sorprendenti: rosa germoglio, giallo pastello e blue elettrico si mescolano a tonalità più usuali come il tabacco o il panna, aggiungendo un senso di sorpresa all’abituale palette invernale. 

Il presente del giovane designer vive invece del parallelismo con Damien Hirst, arti-star britannico capofila del gruppo conosciuto come YBAs (Young British Artist).
L’arte provocatoria e algida dell’artista entra a far parte della parte elegante della collezione: lane merino extra fine in blu Biscaglia, pantaloni in lana e cappotti in alpaca delineano una collezione pronta ad adattarsi a qualsiasi clima e situazione grazie all’utilizzo di filati pregiatissimi, per un lusso duraturo e sperimentabile, lontano da schemi anacronistici che vogliono l’esclusività come condizione sociale.

Il futuro dell’estetica di Luca Larenza è infine affidato all’espressionismo astratto di Frank Stella, pittore e scultore italo americano espressione di quel minimalismo che a metà 900 volle contrapporsi all’opulenza della Pop Art.
Nell’estetica essenziale del grande artista Luca Larenza trova l’ispirazione per la produzione di meravigliosi intarsi sincopati che appaiono e scompaiono fra le elaborate trame della maglieria rosso Borgogna, marrone bucaniere e blue navy. 

Un guardaroba, quello immaginato da Luca Larenza per il prossimo inverno, che è invito a riappropriarsi del vero senso della moda: non è semplicemente lusso, ma piuttosto valorizzazione della vera bellezza, l’unica capace di spiegare il desiderio che attraversa l’intera nostra vita.

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