Marianna Cimini ha scelto nuovamente le passerella di AltaRoma per presentare la sua spring/summer 19.

La collezione, che mantiene lo stile fuido  e dinamico che caratterizza il brand, incontra Holi, la tradizione induista di sporcarsi con più colori possibili per celebrare l’arrivo della primavera che è simbolo di rinascita e di novità positive ed ecco quindi che la palette cromatica spazia dal nude al total black e total white, con picchi di luce su tonalità brillanti di lime, corallo, arancione, turchese e ciclamino.

Le stampe, realizzate ad hoc per la collezione, vedono protagoniste motivi all-over con maxi fiori stilizzati, sempre d’ispirazione Holi, righe ed elementi grafici.
Il tutto su preziose organze,  sete colorate, cotone seersucker con ricami 3D, rasi lucidi di viscosa fluida stampati, georgette impalpabili, denim.

In coerenza con il DNA del brand, i capi sono over e scivolati, con forti influenze dello stile anni ’90: linee dritte e pantaloni che rimandano ai Seventies si associano a jumpsuit e gonne a matita, a blazer smanicati e ad abiti coulisse con rouge.

Sarà stata la benedizione di Holi o forse il grande lavoro che ha saputo fare in questi anni la designer, ma vedere questa collezione sfilare è stato un vero piacere.
Ogni pezzo comunicava la maturità professionale che la Cimini ha raggiunto e sottolineava che la sua cifra stilistica è creare dei pezzi per una donna che non ama fronzoli o inutili stravaganze, ma capi basic ricchi però di qualità, confortevoli e chiaramente figli della tradizione italiana, quella del vestir bene e di un preciso know-how di moda.

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Per la sua capacità di “promuovere la tradizione della straordinaria produzione italiana della maglieria, iniettandola con un senso di divertimento ed un’attitudine moderna”. 

È così che Simona Marziali, designer di MRZ, ha vinto l’edizione 2018 di ‘Who is on next?’, il prestigioso progetto di scouting di nuovi talenti nazionali ed internazionali, organizzato da AltaRoma in collaborazione con Vogue Italia.

MRZ racchiude in sé tutto il fascino e la raffinata tradizione della maglieria italiana che, da sempre, Simona ha respirato ed imparato a far propria, anche grazie al know how accumulato in ambito tessile dall’azienda di famiglia, per poi creare qualcosa di personale ed unico.

Ma non solo ‘Who is on next?’, tra i traguardi di MRZ ci sono anche il Premio Franca Sozzani e il Penelope Prize, mentre proprio ad AltaRoma, la designer ha presentato alcuni pezzi della sua nuova collezione spring/summer 2019.

Si tratta di un nuovo progetto che trae ispirazione da una vecchia scatola di biglietti aerei. Le destinazioni migrano così dalla carta sulla stoffa delle felpe e delle T-shirts, sotto forma di stampe bold.
Una collezione che si sviluppa infatti attorno al motivo del viaggio, inteso come stato d’animo, continua evoluzione e cambiamento.
Da questo punto di vista il design destrutturato degli abiti trasmette l’idea di flessibilità e dinamismo, sottolineando il desiderio di trasformazione, così come i tagli oversize e la commistione di femminile e maschile, in un’ottica genderless, mentre la palette cromatica spazia dai colori neutri come polvere, sabbia e color carne a tinte fluo e vitaminiche quali turchese, rosso, verde ed arancio, richiamando inoltre l’architettura dei moderni aeroporti internazionali.

Ma l’idea di viaggio coinvolge anche il concetto di tempo, nella sua concezione più intimistica di dialogo tra passato, presente e futuro, il quale si traduce nell’alternanza e giustapposizione di materiali tecnici da un lato, tra cui nylon, polipropilene ma anche plastiche leggerissime e, dall’altro, tessuti più classici e tradizionali, spesso rubati al guardaroba maschile.

Rete e trasparenze sono mixate così a check pattern, sempre attraverso un’attitudine chiaramente sporty, ma anche ironica, evidente nelle fur shoes.  

MRZ comunica dunque un’idea di femminilità sofisticata, dinamica e duttile e perciò, profondamente contemporanea, sempre in viaggio alla ricerca emozionante di sé stessa.

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Visti singolarmente sembrano tanti piccoli nei senza senso, una costellazione di stelle, macchie di inchiostro troppo regolari.

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L’edizione appena conclusa di AltaRoma ha ospitato, negli spazi finzionali di Cinecittà, A.I. Artisanal Intelligence, a cura di Clara Tosi Pamphili e Alessio de’ Navasques, dal 28 giugno a 1° luglio 2018.

A.I. è un campo base, un laboratorio di emergenza in cui giovani designer italiani e stranieri inventano modi nuovi di affrontare la moderna complessità, divisa tra voglia di connettersi e paura ed isolamento. Come fossero un ibrido – hacker, ricercatori, antropologi e sarti – i talenti di Artisanal Intelligence cercano soluzioni inedite a metà strada tra tecnologia ed approccio ecologico.

I simboli di questa “militanza” sono in primo luogo l’uniforme militare variamente interpretata da molteplici creativi.

GR10K, brand e progetto multidisciplinare di Anna Grassi, reinventa l’estetica della divisa valorizzando il riciclo creativo e la sostenibilità, Aigerim Kairat si accosta allo stesso capo decostruendolo completamente. 

Il simbolo della gerarchia e dell’autorità viene privato della sua ragion d’essere, non più gradi ed ornamenti ma segni senza significato.
L’uniforme diventa così opportunità di fuga, ricerca della libertà e salto nel vuoto, proprio come quello del papà di Aigerim, soldato dell’Air Force Russa che, dopo essere stato colpito, si lanciò dal paracadute nel 1984. 

Nicola Spinelli invece racchiude il senso di oppressione urbana nella sua collezione Claustrum.
Ansia e paura spesso irrazionale si traducono nella tendenza a chiudersi in sé stessi, evidente nel ricorso a cappucci e taglie oversize.

Anche l’abito da lavoro diventa emblema della reazione.
Raccontato attraverso una storia familiare che dura fin dal 1925 – quella di Alberto Grassi – presentata in mostra attraverso alcuni pezzi d’archivio, ma anche quella del laboratorio artigianale di M140, in cui Michele Canziani e Stefano Ghidotti combinano, in un’ottica genderless, l’arte sartoriale e raffinata dei pigiami maschili vecchio stile all’approccio tecnologico tipico dell’abbigliamento outdoor.

E poi ancora ALAMA è l’espressione contemporanea di un design sostenibile basato sulla memoria di segni ed elementi antichi.
Le donne Masai che vivono alle pendici del Kilimangiaro realizzano gioielli attraverso elementi naturali ma anche plastica riciclata e materiali provenienti dai mercati della Tanzania.

Giorgia Andreazza invece presenta capi mutanti e trasformabili, divise postmoderne per affrontare le difficoltà contemporanee, i materiali sono quelli d’uso militare, tessuti antiproiettile, antitaglio, ma anche accessori come il passamontagna, orainvolucri per proteggerci dalle nostre odissee quotidiane.

Un altro esempio di “Re-Action” al femminile è quella di Valentina Ortiz, racchiusa nello slogan: «I’m not your dream girl but only my own».
La designer propone uno street style femminile ispirato alla “Sad girl Theory” di Audrey Wollen, secondo cui la tristezza femminile non è un atto remissivo ma diventa lucida presa di coscienza e accettazione di sé.

Binghua Mao interpreta il concetto di Artisanal Intelligence attraverso il recupero della tradizione, la sua collezione è ispirata alla trasmissione del sapere che da secoli lega i padri e i figli pescatori di Zhousan, un arcipelago del Mar della Cina.
Un singolare progetto compositivo dove il grigio-blu naturale e ininterrotto del mare e del cielo si contrappone al colore squillante e sintetico degli strumenti da pesca.
Strumenti che diventano capi, dove reti e ganci servono ad altro in una romantica rappresentazione del legame fra passato e futuro.

La tradizione artigianale è la dimensione scelta anche da Vitelli e la sua maglieria, attraverso due collezioni e due edizioni limitate,ogni anno, che combinano il know-how dell’antico mestiere vicentino a filati di altissima qualità, Cariaggi, Loro Piana, Zegna Baruffa e Linea Più.

Il Nomadismo come espressione di bisogno vitale di movimento è l’oggetto della proposta di Alessia Panza e Giorgia Pizzella.
La loro è una vera e propria strategia creativa: struttura e materiali vengono impiegati in modo nuovo per costruire abiti rifugio, creando una connessione tra individuo e ambiente senza confini. 

Infine Erica Curci con EXUVIA propone un progetto audace ed innovativo, si tratta di una produzione biomateriale che, attraverso colture batteriche e sostanze di origine vegetale e proteica, genera nuovi tessuti quanto più simili a quelli epidermici.

La tenda che caratterizza l’ambiente circostante facendosi emblema del campo base di A.I. Re-Action, è essa stessa corpo in evoluzione, ideata da Chiara Cola per FieldCandy, cambia la propria texture e diventa un oggetto di haute couture da outdoor.

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AltaRoma, piattaforma di lancio per i designer emergenti, quindi non solo centro propulsore dell’Alta moda italiana, si è conclusa da pochi giorni.

Anche quest’anno, AltaRoma si è rivelata un connubio tra tradizione e sperimentazione: dalla promozione del Made in Italy (sia su scala continentale che internazionale) alla tutela dei valori artigianali e sperimentali che hanno reso la capitale – e, più in generale, la nostra intera penisola – celebre nel mondo. AltaRoma è un progetto che garantisce il luogo d’incontro tra tradizione ed avanguardia attraverso la ricerca: è qui il luogo dove moda e cultura si fondono e si completano. 

Punta di diamante di AltaRoma è sicuramente Showcase. Giunto alla sua seconda edizione, si tratta di un progetto in collaborazione tra ICE Agenzia e AltaRoma per favorire la conoscenza di piccoli e medie imprese italiane del settore moda a potenziali buyer, giornalisti e professionisti del settore. In quest’ottica, l’obiettivo è quello di garantire agli stilisti/brand emergenti i presupposti per aprirsi al mercato ed avere una visibilità commerciale significativa. 

La mission di ICE Agenzia è il sostegno, la promozione e l’internazionalizzazione del Made in Italy attraverso una vetrina realizzata per agevolare gli incontri tra designer e buyer.
L’evento Showcase è durato 3 giorni, per un totale di 60 diverse collezioni esposte nell’intera durata della manifestazione.

Fra i molti marchi presenti, alcuni dei quali protagonisti in passato su webelieveinstyle, iniziamo una prima carrellata scegliendo Caterina Moro, Morfosis, Noshi e Federica Tosi.

Nobilitare gli outfit di tutti i giorni è il concetto principe della collezione d’esordio di Caterina Moro.
Plissé per il tessuto street per eccellenza, il denim, mentre è l’organza a predominare sull’intramontabile trench. 

Per la sua spring/summer 2019, la stilista ha voluto portare una componente sartoriale e poetica al quotidiano, riscoprendo la preziosità del vestirsi nel dettaglio. Le lavorazioni sono innovative, ma in modo intimo, ricercato e personale. 

Infatti, Caterina Moro non è couture, non è industria: è uno spazio personale tra i due concetti, una visione indipendente e privilegiata.

Per quanto riguarda gli accessori, è con Noshi che possiamo racchiudere l’essenza del passaggio dalla semplicità alla complessità delle costruzioni. Questi gioielli sono rigorosamente realizzati a mano e si distinguono per la particolare attenzione ai dettagli seguendo un concept molto chiaro: giocare con il minimalismo e le sue accezioni più articolate, ma senza perdere la sicurezza dell’artigianato italiano.

Il viaggio verso l’arte e la natura, teso a svelare i suoi lati non ordinari, è il tema centrale della nuova collezione “All tomorrow journeys” di Noshi.

Esplorare e sperimentare sono le parole chiave per la prossima stagione calda, e sono state anche la fonte di ispirazione per la designer Elisabetta Colelli. Così, gli elementi organici e geometrici si arricchiscono di nuove proporzioni e nuance: il corallo e una nuova silhouette sospesa delle linee.

Contemporaneità e sensualità sono le coordinate entro cui si muove l’ultima collezione s/s 2019 di Federica Tosi, romana classe 1978.
I suoi fashion jewels sono già distribuiti nei mercati internazionali, ed ora, sulle note della concretezza e della dinamicità, Federica veste una donna caratterizzata da una forte personalità: sovrapposizioni materiche, mix and match con accenni sporty raccontano una collezione urban, molto femminile.
Mini skirt in pelle ed eleganti long dress si vestono di un allure estremamente moderna, con tagli decisi e sofisticati. La palette cromatica si muove dai toni più decisi del fuxia e nero verso i più tenui lilla ed ecrù.  

Per Morfosis, la metamorfosi, trait d’union di tutte le collezioni (e la SS19 non è da meno), risulta come un modo individuale di interpretare uno stimolo visivo, ma anche di indossare e concettualizzare un capo.
Inoltre, il riferimento ad elementi vegetali e floreali apporta un tocco di femminilità e distinzione e, soprattutto, richiama all’uso privilegiato di materie prime naturali.
Non a caso, i materiali con cui la designer ed il suo team lavorano sono accuratamente selezionati in laboratori italiani di antica tradizione sartoriale.

In definitiva, la donna Morfosis crede nel gusto del vestire come forza di espressione personale e segna con forme e tessuti il proprio essere nel mondo. 

In conclusione, l’esposizione mediatica internazionale ha permesso a Roma, negli anni, di affermarsi come naturale incubatrice per giovani designer come quelli sopra citati, offrendo servizi ed ispirazioni legate all’alta moda, al mondo del cinema e dell’arte. 

Questa sezione estiva del calendario della moda, dedicata allo scouting, formazione e promozione della creatività è molto importante per cogliere le potenzialità di giovani designer a favore di un sempre più stimolante mondo della moda negli anni a venire.

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Sembra una polaroid di questa nostra eclettica epoca fashionista: sì esatto, proprio quella fotografia concreta e maneggevole, non racchiusa nell’effimero digitale di una nuvola che si può vedere ma non si può afferrare, bensì fatta di sostanza e che prende vita al momento in cui viene scattata.
Sì esatto, proprio quel genere di fotografia che apparteneva al secolo scorso, che sembrava estinta ma no, non lo è, perché le icone, così come la verve da sottocultura che invade le strade e lo stile di vita e di guardaroba, non si estinguono, ma si reinventano e ci accompagnano. 

Ecco, la collezione di Act N°1 a/i 2018-19 andata in scena su una passerella d’eccezione all’appena trascorsa edizione di AltaRoma, ovvero la Galleria Nazionale di Arte Moderna, ha il potere di una polaroid: un ritratto diretto, giovane eppur consapevole, schietto e intrigante nella sua imperfezione, della realtà nella quale siamo immersi e con la quale ci si diletta ad esprimersi. 

Dopotutto s’intitola “Show n°0”: come fosse una messa in scena sincera dell’attualità senza alcun grado di separazione tra noi e gli abiti che han sfilato.
E i vari mondi che la loro apparenza sartoriale composita e la loro ispirazione culturale complessa han raccontato. 

Primo fra tutti, il mondo squisitamente personale della cultura d’appartenenza che ha intriso di ricchezza multiculturale l’infanzia dei due fashion designer, che del brand sono fondatori e anime creative: Luca Lin e Galib Gassanoff.
L’infanzia e i ricordi saporiti che di essa ancora restano e che nutrono l’ispirazione dei due creativi: l’infanzia dunque, il primo atto dell’esistenza e la prima tessera del mosaico della propria identità, quando si creano le basi dello spettacolo che si protrarrà per tutta la vita e le sue evoluzioni.
Eccolo qua, il primo atto: l’Act N°1!

Per comprendere al meglio è necessario fare un passo all’interno delle relative autobiografie: entrambi son giovanissimi, entrambi son cresciuti sul territorio emiliano-romagnolo e maturati nella moda a Milano, ma al contempo entrambi provengono da origini estere, Luca Lin è nato da genitori cinesi e Galib Gassanoff è nato e cresciuto in Georgia da genitori azeri. 

Et voilà il fil rouge che dà forma e corpo alle collezioni del brand Act N°1 e che si riallaccia anche nella collezione a/i 2018-19: il bagaglio prezioso che viene dal métissage culturale personale è sottoposto all’attitude studiatamente scomposta di quel grunge anni ’90 che ancora esercita la sua attrazione, in questo caso creando un vero mash-up tra il pregio della materia lavorata e il cool dell’attitude streetwear.
Il tutto è poi tradotto attraverso l’esattezza tipica della manifattura sartoriale italiana. 

L’occhio e il gusto devono star bene attenti: quelli che sembrano esercizi di styling sono operazioni di stile molto sottili, dove il mix di provenienze provoca la stratificazione appassionata, che a scomporla rivela le stampe ricercate tratte da acquerelli originali cinesi, i jacquard preziosi dove sbocciano le peonie, i pattern grafici che ricreano i motivi dei tappeti orientali direttamente dall’arredamento post-sovietico degli anni ’90. 

E via scomponendo si gode l’effetto che fa il  collage di capi d’abbigliamento e d’icone prese da epoche stilose che sembrano lontane eppur son così recenti: patchwork di pezzi di vestiti decostruiti, ovvero smantellati per poter essere poi riassemblati, in particolare quelli dal gusto sporty come le felpe che si fondono negli abiti, i bomber military che s’incastonano nelle bluse, le due camicie che diventano minidress e il tulle lieve che ricopre l’aplomb del cappotto dritto e materico. 

Passo dopo passo, anzi, strato su strato si va verso un’eleganza rivisitata con la stessa urgenza della mescolanza: le stampe delle vesti che rievocano il kimono han bisogno della grinta del denim che si affaccia da sotto, il velluto elegante degli abiti va annodato con rapida nonchalance in vita e l’invasione luminosa delle paillettes è da gran finale.
Ma sempre intrise da quell’attitude casual che non fa rinunciare alla felpa, mai, nemmeno quando prende la voglia irrefrenabile d’indossare anche un bel paio di cuissard glitterati.

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La collaborazione tra arte e moda sfocia sempre in qualcosa di bello e unico.
Se “bello” sembra un aggettivo banale, rimane uno di quelli più intrinsechi alla letteratura e alla critica dell’arte.
Bello è qualcosa che, se fosse nostro ci renderebbe felici, ma che riteniamo tale anche se appartiene a qualcun altro.
“Bello” è qualcosa che ritroviamo nella collezione Marianna Cimini del prossimo Inverno.

Difatti la collezione si ispira ad una luce riflessa su un olio su tela di Monet “La femme à l’ombrelle”.
Di certo non un capolavoro dell’arte antica, ma che della stessa richiama i canoni di bellezza.

La protagonista è una donna morbida e angelica, stretta in un ruolo imposto che in qualche modo riesce a evadere proprio grazie al vortice di luce e colore che contraddistingue il dipinto e che lo rende dinamico e attuale.

La femminilità che sprigiona la collezione è fatta di un nuovo romanticismo, contemporaneo e senza regole, dove la donna emerge dalla tela superando il limite e la costrizione di chi l’ha dipinta.

La gentile sovversione della collezione di Marianna Cimini attraversa il mix di materiali: vernice, pailette, eco – pelle. Poi si estende alle forme: maxi – cappotti, crop top in eco pelliccia stampata, fungono da nuova tela.

Fit over e scivolati, vengono arricchiti da volumi e capi pesanti, che si sovrappongono alla leggerezza delle bluse, alle gonne pencil in doppia crêpe di lana.
Completi giacca e pantalone dal taglio maschile prendono forma dalle tonalità di verdi e dei marroni bruciati.

Viene da sé che i colori non possono che essere materici, liberandosi della sovrapposizione pittorica.

La modernità si esprime tramite i nylon water-proof, i bagliori dinamici e inaspettati delle pailette, e i trench in vernice che perpetuano l’irridescenza che illumina una donna contemporanea, dinamica, che abbandona l’opera impressionista per risplendere come una donna sensuale e consapevole, affascinata dalla sfida di andare oltre il dipinto, nella realtà di tutti i giorni, oltre il bello, oltre l’estetica.

Marianna Cimini, che sfila nell’edizione di AltaRoma del gennaio appena passato, dopo essere stata finalista di ‘Who’s On Next?’ conquista e affascina con una collezione capace di partire da un input intenso e affascinante per poi farsi guardaroba contemporaneo e desiderabile.
Brava!

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Questo è un racconto ebbro d’energia creativa e di entusiasmo dedicato alla competenza fresca agganciata all’aspirazione verso il futuro brillante: questo racconto vi presenta, infatti i nuovi talenti che l’Accademia di Costume e Moda di Roma ha curato e cresciuto finché non è giunto il momento di farli salire in passerella all’appena trascorsa edizione di AltaRoma.
Ad onor di cronaca, giusto una nota va fatta: la sottoscritta penna che traccia questo racconto ha nutrito la propria formazione dentro quelle stesse mura ricche di storia e dedizione alla moda, perciò se verrà percepito quasi il suono dell’applauso scaturire dalle prossime parole, ecco, è per via della consapevolezza che quei giovani definiti nuovi talenti il talento lo padroneggiano davvero, almeno nella sua forma iniziale, duttile, pronta ad essere modellata secondo le necessità del mestiere creativo.

Qui si ha infatti a che fare con la dote della giovinezza applicata al mestiere del fare la moda, con l’abilità di plasmarla con le mani ma anche con l’immaginazione, e con la passione che viaggia libera verso ispirazioni tanto inaspettate quanto gli esiti sorprendenti delle creazioni che hanno solcato la passerella di AltaRoma lo scorso 27 gennaio 2018 al Guido Reni District. 

Talento non solo messo in mostra al pubblico per la prima volta ufficiale, ma anche messo a giudizio di una commissione di esperti d’eccellenza, e dunque premiato: con la meritata visibilità, certo, ma anche con il riconoscimento Talents 2018 per la categoria Fashion e per quella Accessori, nonché con il bramato “Pitti Tutorship Reward”, il riconoscimento di Pitti Immagine. Or dunque, che s’inizi dalla rosa dei vincitori! 

Quindici son stati i nomi che han fatto sfilare le proprie proposte creative, di loro uno ha vinto il premio Talents 2018 nella categoria “Fashion”: e con grande merito, verrebbe da dire, dato che Mauro Muzio Medaglia, il vincitore, ha allestito una collezione che è un esercizio d’equilibrio appassionato tra le arti! Già dal nome s’intuisce la sofisticatezza del pensiero che ha costruito il progetto: “XRay”, sì, proprio i Raggi X, non quelli medici bensì quelli che danno sostanza all’opera dell’artista Nick Veasey, e che han guidato l’esordiente stilista nella manipolazione della stratificazione degli inserti in tessuti semitrasparenti come a creare l’effetto radiografia sui  completi dalle tinte dolci con tocchi più densi, ma dalle linee rigorose provenienti dai capispalla anni ‘40 interrotte da accenni soffici.
Il suo tocco di classe divertita: la rievocazione degli occhiali della celebre Peggy Guggenheim.

Il premio Talents 2018 della categoria Accessori è stato vinto da Livia Romoli Venturi: grazie all’impegno intenso e ricercatissimo che l’hanno guidata ad osservare l’universo delle autovetture con occhio quasi ingegneristico, e a riportare l’esattezza dei dettagli, persino quelli degli interni delle auto, sulla linea di accessori maschili che assieme all’eleganza riportano anche le tracce design dei pneumatici a mo’ di motif, le cuciture a vista e le lavorazioni embossed, fino all’aerodinamicità che dà forma alle sneakers alte bicolor.

L’altrettanto ambito premio Pitti Tutorship Reward è stato guadagnato da Cristiana Guaglianone: la sua collezione s’intitola “Nomade”, come nomade è il futuro di giovinezza che ha in comune con la sua generazione pronta ad esplorare il mondo professionale che sta per spalancarsi, percorrendo intanto la strada accessoriati con borse che mescolano l’esotismo vivace dei materiali al tocco ricercato degli anelli nascosti sotto la pelle, che creano un effetto in bilico tra il tribale e il minimale, ripreso nei gambali che caratterizzano i sandali e le mules piatte.

Il podio si sa, ha sempre tre posti, anche in questo caso in cui son tre premi diversi: ma il resto dei fashion designer emergenti ha dato ottima prova del proprio potenziale appassionato e impegnato a mescolare irrimediabilmente la sartorialità con la cultura e la creatività nuova.
Applausi, quindi, anche ad Alessandra Caponera che trae stampe e decori dai fondali oceanici li ridisegna con l’ironia e li applica ai minidress un po’ bon ton e un po’ pop dalle linee anni ’60; ad Alessia Conetta che prende l’essenza affascinante del vestire orientale e la infonde ad abiti morbidi dal mood urbano; a Flaminia Sebastianelli per le sue borse e scarpe essenziali eppur ricche nella scelta delle tinte e nelle borchie che compongono un linguaggio decorativo in braille; ad Emanuela Vetrano che ha scelto l’esagono come fil rouge di una linea breve ma intensa di borse geometriche e scarpe affusolate che promettono  bellezza ed eccellenza; a Federica Polli che crea una linea di borse maschili da viaggio percorse dalla luce cangiante delle superfici; a Flaminia Sebastianelli che pone in equilibrio la grinta militaresca e l’eleganza sensuale; alla maestria di Giacomo Pavia di manipolare la pelliccia rendendola funzionale, a tratti eccentrica ma sempre lussuosa; a Giulia Conti per la sua esattezza couture; a Giulia Saba per la grazia delle sue stampe in boccio su silhouette che dal vezzoso divengono da gran soiré; ad Oriana Pastore e alla sua abilità a giocare con i colori sgargianti su trolley, zaini e sacche da viaggio maschili; a Sara Pavani che conferma in modo squisitamente personale il ruolo intrigante e giocoso dei colori che si combinano in contrasti perfetti sulle borse e sui sabot; ed infine a Tommaso Ambrosca ed al suo uomo metropolitano, geometrico ma attraversato da un personale rigore orientaleggiante.

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“L’abito è anche un costume di scena ed è uno dei più potenti mezzi di comunicazione”: una frase che risuona salda, un’affermazione che prende per mano l’attenzione e la conduce al di là dell’apparenza meramente modaiola, all’interno di un percorso di ricerca intellettuale e materica eccellente, racchiuso in una mostra curata da un’istituzione altrettanto eccellente: ovvero “A.I. Artisanal Intelligence”. 

L’occasione specifica è l’appena trascorsa edizione di AltaRoma, le giornate dedicate all’alta moda italiana allacciate anche alla promozione della nuova creatività stilistica in fermento: splendore sartoriale e ricerca intellettuale, dove ben s’incastona la mostra intitolata “Prove Tecniche di Trasmissione”, accaduta negli spazi del Guido Reni District dal 6 al 9 luglio scorsi. 

Seppur terminata, la mostra lascia tracce pregiate di una riflessione rivelatrice: grazie alla cura di Clara Tosi Pamphili e Alessio de’ Navasques, essa accosta l’arte del costume alla creazione di moda, individua nella sartorialità artigianale il cuore che pulsa in comune per entrambe, e nella fase di prova un momento di sperimentazione fondamentale a sé stante, condensato nell’imperfetta imperfezione.
Moda e costume si appaiano, ça va sans dire, già dall’organizzazione: a comporre tale percorso espositivo sono state chiamate, infatti, l’Accademia di Costume e Moda, che da mezzo secolo affianca nella formazione le due discipline, assieme alle storiche sartorie teatrali della capitale, la Sartoria Farani di Luigi Piccolo, the One, e Pompei per le scarpe; tutte romane, come spiccatamente romana è l’attitudine a far collaborare e contaminare il costume e la moda.

Il fil rouge che si srotola nel percorso è suggerito già nel titolo: “Prove Tecniche di Trasmissione” proviene dagli archivi televisivi italiani, da quei primi anni ’70 in cui la tv subiva la metamorfosi dal bianco al nero verso il colore, ed un programma sperimentale mandava in onda immagini studiate per provare gli effetti cromatici della nuova tv.
Oggi, dunque, quei tentativi son simbolo di una nuova possibilità di creazione, dove i confini di separazione tra la prova e la trasmissione sfumano e, nel linguaggio sartoriale, trovano una nuova dimensione di concretezza: qui il tempo della lavorazione che conduce al bello della realizzazione finale e finita si scompone, si cristallizza nelle fasi intermedie, spalanca nuove visioni. 

Il viaggio d’esperienza ha inizio nell’arte: l’opera di Isabella Ducrot – le carte dipinte della serie “Abiti” e un grande fondale teatrale del 2016 per l’opera “Hanjo” di Marcello Pann– incarna i valori essenziali della ricerca e rielaborazione degli archivi, della manipolazione del manufatto tessile per dargli una nuova vita pittorica, del non-finito che in quanto prova è già perfetta e poetica, e per questo fornisce alla contemplazione gli strumenti per affrontare i passi successivi.
Dall’arte tout-court all’arte costumistica, la mostra prosegue con l’incontro con gli abiti frutto del talento misto alla couture del pluripremiato Gianluca Falaschi, per poi immergersi nell’atmosfera più giovane, esordiente, ma altrettanto ricca di valore, di dieci designer.
Dieci storie di riflessione, lavorazione e sperimentazione sull’artigianalità virtuosa, la sartorialità meticolosa, il design creativo innovativo e a tratti estroso, la sfida col tempo per raggiungere la concretezza che qui si sospende per lasciare spazio alle fasi di preparazione dispiegate sui tavoli da lavoro.
Dieci nomi che son quelli della tedesca Marie Louise Vogt con i suoi virtuosismi all’uncinetto; dell’indiana d’origine, londinese di nascita e nomade di spirito Bav Tailor che plasma capi di lusso sostenibile; del Pakistano Wali Mohammed Barrech che racchiude storie di viaggio nelle sue borse geometriche; dell’asiatica Alysée Yin Chen che scolpisce forme organiche nel tessuto; dell’italiana Fase Factory che mescola lo sportswear luxury alla filosofia di design nipponica.
Altrettanto italiani sono la mescolanza di artigianalità e innovazione del collettivo Apnoea, la fusione di rigore costruttivo e armonia volumetrica di Giuseppe Buccinnà, la naturalezza quasi cruda ed essenziale di Asciari, il design che vive dentro lo sorrere del tempo delle borse Trakatn e le opere d’arte scultorea delle borse firmate Roberto Scarantino.

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Ad un semplice primo sguardo questa potrebbe apparire una mera storia di famiglia: una di quelle in cui il rito di passaggio dello scettro del potere creativo dal padre al figlio si aggancia alla storica tradizione italica secondo la quale il patrimonio di nome d’arte e produzione, in questo nostro caso di moda, va ereditato dalla generazione successiva come fosse una questione di predestinazione. 

E invece, sorpresa!
Questa non è affatto una mera storia di ereditarietà familiare: bensì, è un racconto concreto di rinnovamento generoso, a suo modo coraggioso, salvifico, positivo. E legittimamente, pienamente applaudito!
Questa, dunque, è la storia della prima comparsa ufficiale nel fashion world della prima collezione di I’M Isola Marras che porta la firma creativa di Efisio Rocco Marras: la Primavera-Estate 2018. 

Ebbene sì, il cognome è proprio quello: Marras come Antonio, quindi come quel mondo d’eccellenza sofisticata perché testardamente e magnificamente agganciata all’autenticità del pensiero creativo, al saper fare secolare dell’arte sartoriale, all’identità un po’ sognante e un po’ ruvida isolana, alla stratificazione affascinante di narrazioni artistiche attraverso composizioni preziose di tessuti.

Ecco, è giunta l’ora che questo pregiato bagaglio poetico faccia spazio a nuove suggestioni, intrecciate nella vivacità della contemporaneità giovane: quella abitata dai ventenni che percorrono il mondo infilandosi nelle porosità dei confini geografici e culturali, che creano mash-up di stili, arti, musiche tra epoche modaiole e codici stilosi underground, che non fanno caso al gender perché le categorie son cosa da superarsi con la mente e con il cuore, che vivono di romanticismi alternativi ma pur sempre di affetti sinceri. 

Or dunque, Efisio Rocco Marras è il portavoce eccellente per questa generazione, per cucirle letteralmente addosso gli abiti I’M Isola Marras: lui che per primo sfoggia con consapevolezza entusiasta i suoi venticinque anni vissuti tra la Sardegna e le capitali del mondo dove ha raccolto gli stimoli artistici che più gli appartengono, primo fra tutti la fotografia, gli amici che oltre i confini sardi compongono la sua isola, assieme a quella passione autentica che ora lo guida in questa avventura nuova nel fashion design.

La collezione p/e 2018 I’M Isola Marras andata letteralmente in scena, con una formula in cui la sfilata sfuma nella performance, durante la recentissima ultima edizione di AltaRoma, è un compendio esatto e innovativo della visione rinfrescata e rinnovatrice della direzione di Efisio: l’ispirazione nasce nel cinema, così come dalle pellicole nasce quella di Antonio, ma stavolta il film e la sua anti-eroina son di tutt’altra pasta.
Ovvero Mathilda, l’undicenne in bilico tra la delizia giocosa del volto infantile e l’animo da aspirante serial killer protagonista di “Léon the professional”, film di Luc Besson del 1994, mescolata con l’appeal fantasy dei celebri manga di Masamune Shirow: un mash-up, per l’appunto, dove il guardaroba di Mathilda fatto di micro-top, shorts striminziti, magliette e completi a righe, combat boots, ritorna aggiornato e ingentilito nelle stampe fiorite che danno grazia al bomber e agli anfibi, nei damaschi preziosi e nei decori a mano, il pizzo e il ricamo, ma sempre in bilico tra androginia, appeal unisex e confortevolezza sporty di felpe e t-shirt immancabilmente logate.
Guizzi di romanticismo accolgono incursioni traforate, a volte sghembe, spesso careless, di eco punk: il borsellino è appeso alla vita e il tessuto metal sfoggia una buona presenza, assieme al logo che borda i completini, il chocker al collo e la maxi leather jacket.
L’eccellenza manifatturiera resta intatta, ça va sans dire, ma i confini dell’isola si ampliano, fino ad abbracciare un’ intera giovane collettività creativa che, nel desiderio del giovane Marras, sarà l’essenza della nuova I’M. 

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