Bimba y Lola, brand spagnolo fondato nel 2006 dalle sorelle María e Uxía Domínguez, è approdato per la prima volta in Italia con un monomarca a Roma proprio quest’estate.
Il negozio ospita le collezioni di abbigliamento, borse, accessori e calzature del marchio e rappresenta il primo step di un piano di espansione che prevede nuove aperture nel nostro Paese.

Aspetto interessante e caratteristico di questo brand risiede nel fatto che borse, abbigliamento, accessori e scarpe prendono spunto da un movimento artistico, una cultura esotica o da un particolare momento storico.

Per la spring/summer 2019, Bimba Y Lola decide di far ruotare la sua collezione intorno ai temi della Terra e dell’essere umano, riflettendo nei propri capi l’evoluzione del mondo e della natura.
La collezione si chiama #thisisSEDIMENTAL e prende spunto dagli strati della Terra, dal ciclo di vita degli alberi, dal passare del tempo e della storia che ha modellato la vita fino ad oggi, rivolgendo uno sguardo retrospettivo su chi siamo attraverso l’uso dei colori e delle texture materiche.
I tessuti dominanti sono freschi e leggeri, come il lino e i materiali lucidi.
Il volume invece è stato creato a partire da silhouettes più modellate fino ad importanti capi sartoriali.
Le nuance naturali della terra sono mixate ai toni brillanti che ricordano superfici metalliche.
Continua anche il focus sulle stampe, segno distintivo del brand.

In #thisisSEDIMENTAL incontriamo 3 maxi trends già proposti anche sulle passerelle dello scorso settembre: come prima cosa, gli strati della Terra, gli anelli dei tronchi d’albero e l’erosione dell’acqua diventano micro-stampe sovrapposte sullo stesso capo.
Motivi e paillettes rappresentano le pietre e i minerali grezzi: granito, sabbia, marmo, pietre preziose o semipreziose.
Infine l’arte delle ceramiche giapponesi di Keiko Fukuzama e Makoto Kagushima è un altro punto di riferimento per questa collezione.
Il concetto di natura si ritrova anche nella collezione di borse e scarpe, con dettagli in pelle naturale che riprendono le diverse texture della superficie terrestre, dalla grana ruvida ai tessuti crepati che ricordano l’aridità del deserto.
Infine, per la collezione di accessori, Bimba y Lola propone una linea di gioielli che gioca a sua volta con l’input ispirativo iniziale: orecchini di pietre e resine impreziositi da conchiglie, collane hand-painted e maxi anelli sempre con pietre.

Attualmente, Bimba y Lola dispone di una rete retail di 249 punti vendita dislocati in 13 Paesi.
L’anno scorso il marchio ha aperto 27 nuovi store; a marzo di quest’anno ha inaugurato il suo quinto negozio a Londra, mentre ad aprile è approdato in Ecuador, consolidando la propria presenza nel mercato Sud Americano.
Nei prossimi mesi il brand prevede di aprire almeno altri 20 monomarca tra Regno Unito, Portogallo, Corea, Kuwait, Messico, Cile, Colombia e Francia.
E da questi flagship stores Bimba y Lola ci invita a scoprire la sua personalissima interpretazione di moda, il suo mondo colorato, pieno di idee e rimandi.
Uno stile giovane, ma instancabilmente pronto a rinnovarsi e noi non vediamo l’ora di scoprirne le prossime evoluzioni!

The post Bimba Y Lola celebra Madre Terra per la sua s/s 2019 appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Essere Style, il brand di Foulard di lusso, è nato dalla passione di Elvira del Monaco per il disegno.
La sua arte s’ispira alla sua terra, ai pavimenti di Pompei e alle carte da gioco napoletane.
Il cuore la porta in Sardegna e i motivi degli arazzi sardi alimentano la sua creatività, con la seta che diventa la tela che fa da sfondo ai suoi disegni e i foulard diventano realtà con il progetto Essere, grazie all’incontro con Sara Pitzoi, esperta d’immagine aziendale, e Fabio Columbano, imprenditore nel campo della formazione.

Essere si propone di concretizzare immagini risalenti ad ispirazioni derivanti dalle meraviglie Italiane e trasferirle su prodotti artigianali di ricercata qualità.
I pezzi inediti esprimono una forte personalità, in cui si amalgamano italianità, tradizione, estro creativo ed innovazione.

I pezzi della collezione primavera/estate 2019 sono 17 e ognuno di essi ha una propria storia da raccontare. Ciò che rende straordinariamente eclettico questo brand è la combinazione degli elementi geometrici parietali e pavimentali che caratterizzano le Domus Pompeiane con quelli del tipico stile geometrico tessile Sardo.

Ecco alcuni dei modelli presenti per la prossima stagione: la “Ruota del Pavone”, in twill di seta, trae ispirazione dall’asso di Bastoni delle carte napoletane e viene rappresentato come una mazza di legno con una striscia di foglie dai toni accesi dove primeggia il viola e il rosso e delle punte di verde e giallo oro.
L’asso di Bastoni in stile spagnolo, è un simbolo legato all’elemento fuoco e simboleggia l’uomo, il fallo, la fertilità maschile ma anche il progresso, la sorpresa e la potenzialità.
Poi troviamo “Ballu Tundu”, ispirato dai motivi tessili tradizionali sardi.
“Passeggiata a Pompei”, invece, vede protagonista la stella composta da elementi geometrici in stile sardo, dove il colore principale è un azzurro brillante accostato a tonalità di grigio.
Nei quattro angoli del disegno è ripresa la decorazione geometrica del pavimento del salone della casa di Trittolemo a Pompei, realizzato con rari pezzi di calcare colorato nelle varie tonalità del grigio per creare un gioco di ombre che accentuano il senso di tridimensionalità.
“Ncignà”, anch’esso in twill di seta, nasce dal connubio tra matrici molto lontane storicamente, ossia i mosaici geometrici delle case Pompeiane e i disegni optical art in bianco e nero e con l’aggiunta dei toni del grigio.
“Denari” richiama il seme di denari delle carte da gioco napoletane ed è rappresentato come una stella a cinque punte, inscritta in un cerchio completamente giallo.
Nei quattro angoli è riportato il simbolo magico dei denari sovrapposto in modo irregolare, al centro è rappresentato un elemento che ricorda il fiore, e la doppia cornice presenta colori in contrasto.

Insomma, ogni donna converrà sull’iconicità dei foulard come accessori, in quanto vero simbolo dell’eleganza, ma allo stesso tempo versatili, facili da portare e da abbinare e perfetti per chi è sempre alla ricerca di nuove esperienze e ama indossare “sogni”.
Per Essere la priorità è comunicare uno stile pop-chic unico che interpreta il foulard in modo nuovo e al di là delle mode del momento.
Tutto da scoprire.

The post Essere s/s 2019: quando un foulard è una storia da indossare appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Stetson è un marchio americano di cappelli fabbricati dalla John B. Stetson Company.
Non a caso, il termine è diventato sinonimo di “cappello da cowboy” e oggi Stetson è conosciuto in tutto il mondo non solo per i suoi iconici copricapo, ma anche per profumi, abbigliamento, calzature, occhiali, cinture e una serie di altri prodotti che evocano lo storico West americano.

Ma prima di addentrarci nella contemporaneità, facciamo un tuffo indietro: il creatore di questo celebre marchio, John B. Stetson, divenne l’artefice del successo della sua azienda grazie al “cappello dei 10 galloni”, così chiamato perché al suo interno si potevano trasportare 10 galloni d’acqua.
Era realizzato in materiale di feltro impermeabile, in grado di soddisfare due necessità fondamentali per l’epoca: da un lato proteggeva il proprietario dalle intemperie, dall’altro poteva essere utilizzato per trasportare acqua dalla sorgente alla propria abitazione.
John B. Stetson ebbe quest’idea quando si accorse che la sua tenda, costruita con lo stesso materiale, non lasciava filtrare acqua neppure in caso di violenti rovesci di pioggia.
Infatti, i cappelli in feltro di pelliccia sono più leggeri, mantengono la loro forma e resistono meglio alle intemperie e ai rinnovamenti.
Le avventure occidentali di Stetson finirono nel 1865, quando tornò ad est e fondò la sua ditta di cappelli a Philadelphia, Pennsylvania, che produceva cappelli di alta qualità per uso esterno.
Dopo aver prodotto alcuni progetti iniziali basati su stili popolari del giorno, Stetson decise di creare un cappello basato sulle sue esperienze di viaggio.
Ciò che rende ancora più straordinario il tutto è che il cappello da cowboy di oggi è rimasto sostanzialmente immutato nella costruzione e nel design dal primo realizzato nel 1865 da J.B. Stetson.

Tornando a noi, ogni anno Stetson continua ad affascinare con le sue collezioni invernali ed estive e con i suoi intramontabili basic, indossabili sia da Lui che da Lei in ogni stagione.
In autunno l’assortimento si caratterizza soprattutto per i cappelli in feltro a prova di maltempo, nei mesi invernali invece per i colbacchi, i beanie e i berretti con pompon.
All’inizio del nuovo anno ecco arrivare i berretti in stile militare, quelli con visiera o gli sportivi cappellini da baseball.
L’estate si veste di articoli leggeri e traforati, e cosa c’è di meglio di un cappello o berretto di paglia?

Stetson ha i prodotti giusti non solo per ogni temperatura, ma anche per ogni occasione.
Per lo sport un classico berrettino, per le feste lo stile informale del jeans con camicia abbinata; per andare all’opera possiamo sfoggiare una bombetta, per recarsi all’altare niente è più appropriato di un cilindro.
Anche una corsa in decappottabile si trasforma in un evento alla moda se indossiamo una cuffia da pilota e occhiali da sole firmati Stetson.

Oggi i berretti con visiera dell’azienda sono conosciuti da chiunque sappia apprezzare questi intramontabili copricapi.
L’enorme gamma di linee e materiali diversi offre un’infinita varietà di questi berretti con visiera. Cappellini da baseball, berretti in stile militare, voluminosi baschi fanno sempre parte di tutte le nuove collezioni Stetson.
E credeteci, la collezione Spring/Summer 2019 non è da meno per varietà ed appeal.

The post Stetson s/s 2019: molto più di un semplice cappello appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Osservando la nuova collezione primavera/estate 2019 di Beira si ha come la sensazione che tutti i colori siano fuggiti via.
Ventiquattro look, dove gli unici colori presenti sono le sfumature di bianco e beige.
Ed è proprio questo che voleva la designer Lìvia Cunha Campos, che ha presentato alla San Paolo Fashion Week una collezione monocromatica nella quale anche le stampe perdono i lori colori.

Per raggiungere questo effetto Lìvia ha utilizzato un tipo di lavaggio che toglie più colore possibile dai tessuti: il procedimento dell’unloading, ed ha poi fatto dipingere a mano, nell’atelier Beira su T-shirt e calze.
Di questa tecnica di pittura ha usufruito anche il brand Converse, per le sue sneakers, che in seguito ad una collaborazione con il marchio brasiliano, ha completo tutti i look della sfilata con le Chuck Taylor All Star Hi.
L’unico colore a contrasto è il nero delle cerniere e dei bottoni.

In passerella camicioni, casacche, giacche, bermuda e pantaloni dai volumi over e dalle forme comode e dai tessuti naturali: 100% cotone, 100% seta e per la prima volta 100% lino, che si mixano con il denim e che sono frutto di una ricerca su differenti texture e fibre e di uno studio approfondito sulla funzionalità e sulla costruzione, nel tentativo di bilanciare forme tradizionali e dettagli meticolosi.
Ed infine il relaxed pocket blazer il modello ibrido che accomuna tutte le collezioni del brand dalla sua origine.

Una collezione versatile senza genere e senza stagione che ha un rapporto di continuità con le collezioni precedenti e lo avrà con quelle successive.
Una collezione per raccontare una storia, dare profondità ad un linguaggio e valore al tempo attraverso un processo creativo senza rotture.

The post Colori in fuga per la s/s 2019 di Beira appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Amedeo Testoni, fondatore dell’omonimo marchio, apre la sua prima bottega nell’ormai lontano 1929, dopo aver appreso i segreti dei più importanti laboratori bolognesi.
Negli anni ’50, il suo sogno di creare le scarpe più belle del mondo lo spinge a perfezionare ulteriormente le tecniche di lavorazione che aveva appreso nel tempo.

Un prodotto di lusso quindi, ma ad uso quotidiano.
Le celebri scarpe di pelle A. Testoni dimostrano come il “made in Italy” di alta gamma possa sposarsi con un design giovanile senza risultare eccessivamente contrastante.
E in particolare in quest’ultima collezione 2018, epoca in cui i pensieri sono racchiusi in appena 140 caratteri, #atestonisustainability unisce simbolicamente tutti i fattori implicati nella nuova collezione fall/winter di A. Testoni, che si prepara ad affermare nuovamente il suo stile unico sul mercato.

La Simple Beauty Collection di A. Testoni, oltre ad essere, per l’appunto, semplicemente bella, è anche ecosostenibile.
Per questa stagione fredda che ha iniziato a farsi sentire proprio in questi ultimi giorni, A. Testoni propone sneaker da uomo e da donna realizzate con pellami di alta qualità a concia vegetale abbinate ad un tessuto a tintura vegetale che abbellisce le morbide calzature nere o marroni e rosa antico con suola ad alta biodegradabilità talvolta bianca a contrasto oppure nera.
La capsule comprende anche una linea di pratiche clutch bag e zaini anche per la donna.

Ma la vera novità è qui: per la prima volta nella sua lunga storia di successi, il marchio bolognese si apre alla nuova frontiera di fare moda, ossia fare moda in modo ecosostenibile.
Tutti gli articoli presentati, infatti, sono stati realizzati con materiali ecosostenibili.
Un esempio? Lo zaino e il jeans bio, protagonista assoluto della linea denim.
La suola delle sneaker, poi, è ultra leggera poiché sono stati riutilizzati materiali di recupero industriale.
Per la prima volta nella sua lunga storia di successi, A. Testoni si apre alla nuova frontiera di fare moda, ossia fare moda in modo ecosostenibile.
Questi pellami esclusivi, gli altri materiali di pregio e le tecniche artigianali, rendono gli accessori A. Testoni degli oggetti preziosi, ma anche d inserire nella propria everyday life, con un occhio al mondo eco-friendly.

Ricordiamo inoltre che dall’inizio dell’anno l’azienda bolognese ha aperto tre boutique in Cina: una a Shanghai e due a Chongquing.
Entro la fine del 2018 apriranno altri sei negozi in Cina, continuando a puntare sul mix delle due anime dell’azienda, artigianalità ed innovazione.
I negozi devono rispecchiare l’idea del “piccolo mondo antico”, ma allo stesso tempo devono saper proiettare il brand verso il futuro rivolgendosi ai millennials di tutto il mondo, sempre più interessati al DNA dei marchi che hanno il privilegio di indossare.

Antiche metodologie, competenze uniche, rigorosissima selezione dei materiali, ricerca della qualità senza compromessi, ricerca tecnica ed estetica verso soluzioni inedite e originali: questa è ancora oggi la filosofia di un marchio che ha, proprio nel suo patrimonio storico, le premesse per un continuo slancio innovativo, per proiettare l’artigianalità nel futuro e continuare a rappresentare l’eleganza italiana contemporanea nel mondo.

The post Sostenibilità al primo posto per la f/w 2018 di A. Testoni appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Un marchio capitanato da due designer con una spiccata conoscenza intrinseca del prodotto da un lato e dall’altro in grado di elaborare efficienti strategie di marketing e comunicazione, per oggetti diventati in poche stagioni veri e propri oggetti del desiderio per fashion addicted a caccia della borsa perfetta.

A chi mi riferisco? A Salar, fondato a Milano nel 2010 da Salar Bicherenloo e Francesca Monaco.
Le passioni, le abilità, le competenze di questi due giovani hanno reso Salar un successo, presto riconosciuto anche da Vogue Italia come uno dei migliori brand emergenti.
Il primo grande successo internazionale, però, arriva nel 2015 durante il Coachella Festival: 20 influencer hanno postato sui loro profili social una foto con la Mimi Bag, e la risonanza mediatica è stata immediata.

La Resort 2019 di Salar Milano torna in scena attraverso paesaggi incontaminati in un giorno di pioggia, tra le superfici specchiate di laghi e corsi d’acqua, da cui nascono decorazioni brillanti a goccia ed effetti in trasparenza.
C’è un cuore glam-rock che pulsa attraverso l’introduzione di materiali plastici e mesh, dove il pvc è protagonista piegandosi e avvolgendosi su laminati colorati.
Il see-through viene interpretato in molteplici versioni: etereo e pieno di luce, quasi sacro.
Le geometrie convergono principalmente su forme sferiche, ma anche quadrati e rettangoli si riflettono nelle strutture e nei dettagli essenziali degli accessori.

Le nuance virano dalle tonalità più accese a quelle pastello.
Accanto al bianco e al nero, vibrano effetti argentei o jelly, ma anche nuance bubble, lime e menta in totale armonia.
Il classico Multicolor di Salar si trasforma e passa ad essere da block color a dettagli di colore con combinazioni inedite: lilla, latte, mandarino oppure menta, nero argento, ma anche rosa, lime e cioccolato.

Tanti i modelli a cominciare da Annie, sviluppata dalla iconica Mimi, che si presenta a forma semisferica con tracolla e chiusura metallica frontale.
Dalla borsa Mila invece nascono Ludo e Gigi, rispettivamente di dimensione media e grande, entrambe rettangolari e con fibbia decorata da quattro mini borchie.
Celia prende ispirazione da Dea, classico secchiello in vitello che diventa ancora più accattivante e glam-rock con la catena snake.
Infine, le iconiche Gaia e Mila sono state rivisitate con mano urbana grazie a un taglio più geometrico.

Sul fronte temi, troviamo la famiglia Chain, che impreziosisce modelli come Claire o Sylvie, presentata con un mix di catene che permettono di portare la borsa a tracolla o anche come un comodo marsupio.
E se Mesh gioca con le consistenze dei materiali ed effetti vedo non vedo, Strass su vernice rende tutto più sfavillante con i suoi cristalli e piccole borchie.
Tra gli altri modelli figurano Polly, con maniglie metalliche a cerchio, Carol, che si può legare comodamente in vita e la Kio, cross body a base rettangolare munita di soffietti e chiusura a quattro piramidi.

Ad oggi, si può dire che il brand fondato da Salar e Francesca, messicano lui e pugliese lei, ha raggiunto risultati davvero sorprendenti, avendo conquistato sia il mercato americano che i paesi del profondo Oriente.
Le ragioni del successo? Secondo noi, l’approccio sperimentale e la curiosità di provare processi produttivi sempre diversi.
Questa innovazione è comunque sempre accompagnata dell’eccellenza caratteristica del Made in Italy, che rende queste borse dei veri e propri oggetti di design, da collezionare ed esporre.

The post Sperimentazioni e geometrie per la Resort 2019 di Salar appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Gossamer come delicatezza, ma anche come ragnatela.
Una ragnatela nella quale ogni filo di tessuto è un ricordo d’infanzia.

Una parola che è la sintesi della collezione primavera/estate 2019 di Rahul Mishra, disegnata per innalzare ad oggetto di lusso l’arte del Chikankari e del Daraz, due tecniche indiane antiche, che solo poche donne sono ancora in gradi di realizzare.
Donne che hanno creato questi pezzi nelle loro case del villaggio di Lucknow in India. La collezione, chiamata Homemade, prende il nome da questo.

Il concetto di “home” però, non è solo relativo alla manifattura, ma anche e soprattutto al ricordo: le tende, i copricuscini, le tovaglie da tavola, rivivono nei tessuti.
Il bianco della neve che in casa si mischiava al rosso del pavimento. Ricordi semplici, ricordi di bambino, nei quali queste tende avevano un significato altro: proteggere dal mondo esterno, e che ora rivivono in capispalla, camicie, gonne e abiti puri e fluttuanti e che vestono la donna in look total white.

E poi colori per rappresentare la stravaganza della memoria e con i quali dipingere il paesaggio del villaggio, quel panorama che il designer vedeva ogni giorno da bambino: giallo, menta, azzurro e blu.
Lo stesso blu delle ortensie disegnate con la sua bambina in un pomeriggio di montagna.
I petali di questi fiori, che vengono ricamati in abiti di tulle e che ricoprono mini dress e crop top, sono impreziositi da cristalli Swarovski ed hanno il valore simbolico di ricostruire la memoria e far provare un sentimento di nostalgia.
Il sentimento di nostalgia deriva anche da abiti trasparenti e ricamati, sovrapposti con grande maestria a capi casual, e dalle gonne plissè.

A chiudere la sfilata due abiti neri nei quali il ricamo è così minuzioso da dare la sensazione di essere in quella casa a guardare il panorama che Rahul guardava ogni giorno.
Cotone, Jamdani e Maheshwari sono i tessuti scelti e con il quale il designer ha molta familiarità, ricordo del periodo nel quale lavorava come tessitore.
Una collezione che ha un rapporto molto intimo con la memoria, al di là dei trend del momento.

I ricordi per Rahul Mishra sono un’eredità culturale da condividere con il mondo, per far conoscere le tradizioni e la bellezza dei tessuti indiani, come in fondo Mishra ha sempre fatto con tutte le sue collezioni, come un ambasciatore della cultura handmade, dell’artigianato e del tessile.
Perché dimenticare è un peccato.

The post Gossamer, in una parola la collezione di Rahul Mishra appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Gabs, marchio italiano che fa dell’ironia e della trasformazione i suoi cavalli di battaglia, nasce a Firenze nel 2000 da Franco Gabbrielli. Dopo aver respirato in famiglia per tanti anni il profumo dell’alta pelletteria e aver acquisito quella tecnica caratteristica della “vecchia scuola”, Franco decide di scommettere su un nuovo progetto che piace fin da subito ad investitori e clienti.
In cosa consiste questo progetto? Riuscire a vendere un’idea travestita da borsa, dove il contenitore si trasforma a seconda delle esigenze del consumatore.
Infatti, i materiali, i colori e le forme delle borse Gabs sono semplici, ma allo stesso tempo funzionali e creative.
Le richieste giungono sempre più numerose e nel 2005, Gabbrielli avvia una collaborazione all’interno del Gruppo Emergenti Italiani.

Il 18 ottobre 2018, all’interno del flagship store in Corso Como a Milano, è stata svelata non solo la nuova linea Origabs, ma anche la collaborazione con l’artista Camilla Falsini con un evento all’insegna dell’arte.
Origabs si spinge oltre il concetto di trasformabilità, prendendo ispirazione dalla tecnica degli origami per creare nuove forme  grazie  a  differenti  modi  di piegare  la  borsa in  base  al  proprio  outfit.
Non ci troviamo forse davanti ad una geniale soluzione?  In  poco  spazio, Gabs propone una  borsa  che  si  adatta  a  occasioni   d’uso  diverse,  dal  giorno  alla  sera.

Camilla Falsini, che con Gabs condivide l’amore per i colori vitaminici e le forme geometriche, si muove tra pittura e illustrazione ed ha alle spalle un percorso di opere murali e street-art, brand, case editrici e riviste.
Per Origabs, Camilla ha realizzato sei tavole ognuna raffigurante un animale che interpreta un modello della collezione e saranno utilizzate per le vetrine del negozio, oltre che per quelle previste in Rinascente.
Ogni opera rappresenta una sorta di carta da gioco dalle linee minimali e dai colori forti: ognuna di queste creature si trasforma in elementi grafici all’interno delle illustrazioni  e creando giochi illusionistici con le forme del loro stesso corpo.

“Origabs è segno, modularità ed essenza. Ho trovato in questo una profonda sintonia con il mio lavoro, dove una geometria può essere un naso, un orecchio o un volto. Scomponendo le borse della linea Origabs ho scoperto una miriade di rettangoli, trapezi e triangoli, ricomponendoli ho creato squame di serpente, pinne di pesce e piume d’uccello. Ho così scomposto gli elementi delle borse e le ho poi ricombinate giocandoci, come in un caleidoscopio, usandoli per creare figure surreali di animali. E proprio nel mondo animale osserviamo magnifiche trasformazioni e una straordinaria varietà di forme e colori”, ha commentato Camilla Falsini.

Tre accessori (due borse ed un portafoglio) proposti nelle versioni platino, canna di fucile, ossidiana e rosso compongono la collezione. Il modello Yoko (in vitello laminato lavato) è una borsa piatta a due manici, trasformabile anche in vaso e bauletto. Il secondo modello, Mitsuko, è una pochette piatta che si può trasformare a vaso o a parallelepipedo, diventando un piccolo beauty, oltre alla forma a fisarmonica, ideale per il trasporto in valigia.

Origabs è una capsule pensata  per  completare  un  look  elegante,  ma con  un  tocco  altrettanto  audace, perfetta per le festività natalizie e per le occasioni più glamour.
Un’ulteriore conferma per Gabs, marchio di riferimento nella pelletteria italiana, che esce da tutti gli schemi convenzionali e che da sempre è sinonimo di colore, versatilità e innovazione.

The post Origabs: la capsule di Gabs con l’artista Camilla Falsini appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Retrò Futuristico è la combinazione perfetta per descrivere questa sfilata.

Il colore di apertura è il bianco che, in qualsiasi suo contesto, dona alle donne che lo indossano quel candore e quella purezza che da sempre appartengono al genere femminile.
Le influenze sono molteplici.
Sono sapientemente stati utilizzati vecchi e nuovi codici stilistici con influenze provenienti da varie parti del mondo oltre che della storia stessa, conferendo a questa collezione un sapore delicatamente retrò volto a disegnare la donna del futuro.
Il fil rouge è proprio la donna, quella donna che alienatasi alla frenesia quotidiana cerca la libertà.
Un po’ come in quei film dove vediamo le protagoniste abbandonare la città preferendo paesini sperduti, dove i telefoni non prendono e dove la vita scorre lenta e semplice.
Tutto questo conferisce alle protagoniste nuove energie rendendole pronte a ripartire più agguerrite di prima.

Questa è la storia che mi ha raccontato questa sfilata.
La storia di una donna contemporanea, un’imprenditrice del futuro, una figura forte e a volte rigida che si fa strada in un mondo di uomini vestendo i loro stessi panni, ma che mantiene comunque un lato sentimentale, etereo.
La donna di città che dopo aver dato tanto decide di concedersi una pausa, di ritemprarsi.
Processo che avviene mediante il contatto con la natura, con il mondo rurale per non dire equestre.
Con un mondo leggero e fluido un po’ come le sottovesti che abbiamo visto sfilare in passerella.
Un mondo divertente ed eccentrico descritto da quegli abitini in chiave charleston.

A sostegno di questa mia tesi appaiono infatti colori che rimandano alla terra, all’acqua, ad un mondo di pace e colori più metallizzati che rappresentano in un certo qual modo le luci di una notte stellata.
Infine torna alla sua quotidianità come una donna diversa, influenzata dalla sua recente esperienza. Esperienza che le ha conferito nuova vita, nuovo vigore. Nuovi stimoli.
Tutto questo racconto traspare dall’uso così sapiente dei colori e dei tagli sartoriali.

Trench e cappotti in pelle double, lavorata come morbida seta, laminati e sfoderati.
Giacche sartoriali dai volumi over, maschili.
L’accostamento di colori e materiali contrastanti segna un’ispirazione rock che si compenetra con pizzi, rouches e lavorazioni per un daywear total white di mini abiti e iconiche sottovesti. Stampe grafiche bianche e nere per abiti in crêpe de Chine e piumini over. Tessuti jacquard oro sovratinti per abiti, giacche e pantaloni. Canvas, macramè e maglieria effetto bagnato. Rouches all’uncinetto delineano la silhouette degli abiti da sera in gazar o organza, stretti da cinture che segnano il punto vita. Cinture di cristalli e specchi, gomma spalmata, canvas o pelle taglio a vivo. Cuissard chiusi da piercing, sandali squadrati o mocassini mannish.

Il tutto si fonde e armonizza nella sartorialità di Ermanno Scervino, raccontando una storia moderna che ha radici profonde.
Che trova origine nel passato, in quelle donne forti e iconiche che hanno reso la figura femminile quel che è oggi.

The post La donna del futuro, per la s/s 2019 di Ermanno Scervino appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.

Schueller De Waal sta per i cognomi del duo di designer Philipp Schueller e Rens de Waal, ma anche per “Seeking Design Wellbeing”. L
‘etichetta e lo studio di progettazione creano affermazioni di moda e capsule collection in cui esprimono il loro fashion concept come una vera e propria terapia. 

Durante gli ultimi giorni della recentissima settimana della moda parigina la coppia di olandesi ha presentato la loro personalissima visione di moda durante una presentazione al Palais de Tokyo. 

Proprio quando la frenesia della settimana della moda stava volgendo al termine, i designer hanno offerto agli addetti ai lavori l’opportunità di concedersi una meritata “Fashion Therapy”.

Iekeliene Stange, protagonista del film “The Gateway to Fashion” impersona il ruolo di un terapeuta dagli occhi ipnotizzanti che accompagna lo spettatore in una eclettica trance fatta di proposte di moda futuristiche, ma allo stesso tempo contemporanee. 

La personalità che emerge rappresenta gli spettatori repressi nello spirito della moda in uno stato intuitivo di creatività scatenata. Proprio come i terapeuti dell’ipnosi, SDW STUDIO mira a creare alterazioni ispiratrici e prospettive alternative sulla moda nel cervello degli spettatori per catalizzare il cambiamento.

Nel film i personaggi sono vestiti in un mix di collezioni passate di Schueller De Waal  comunicando che il duo crede in un valore del design che rimane nel tempo.
In definitiva, “The Gateway To Fashion” mostra una panoramica del loro lavoro rimescolato in un’estetica diversa.

Per creare nuovi look dalle collezioni passate, il duo ha diviso in modo rigoroso le due direzioni principali delle loro collezioni, il minimalismo classico e l’eccentrico e surreale.
La pelle della modella riflette le scene reali del film e diventa un simbolo della connessione tra reale e finzione, il legame tra i due mondi: il gateway.

Per la primavera/estate 2019 di Schueller De Waal, i designer hanno voluto constatare la velocità del sistema moda attuale, fare una dichiarazione precisa sul ritmo veloce della moda e sulle loro incapacità di tenere il passo, piuttosto che offrire una nuova collezione. 

Con il loro lavoro e le loro collaborazioni i designer aspirano a sviluppare prospettive diverse sulla moda che consentano un rinnovato ottimismo nella creazione e che catalizzino il cambiamento.

Schueller De Waal vede la “creazione” come la forza della moda. 

Nel loro lavoro, stanno cercando di scoprire modi rilevanti per esprimere questo fascino intrinseco in un periodo in cui la moda deve essere ri-immaginata.
È necessario un atteggiamento critico per pensare al di fuori dei confini del sistema, per trovare un modo per creare novità in qualsiasi forma o forma.
Infuso con un approccio umoristico disinvolto, Schueller De Waal presenta una moda seria, ma non così seria.

The post La Fashion Therapy di Schueller De Waal per la s/s 2019 appeared first on stefanoguerriniarchivio.it.